El director, artista, teórico del teatro inglés Henry Edward Gordon Craig se convirtió en el último teórico y crítico, el legado del teatro mentalmente realista tradicional y el primer teórico del teatro filosófico y metafórico (si no, hasta el punto de hablar, sin acostumbrarse a estos términos mismos). El teatro psicológico no llamó a un nuevo interés profundo, sin saber esto, sin comprender esta posibilidad, y sin adivinar esta posible roseta. El pensamiento de Craig voló del teatro del pasado directo al teatro del futuro.
Detrás de Kreg, después de dos o tres décadas, se adelantó B. Brecht con el programa rugiente del teatro filosófico y metafórico, quien dio su propio destino a esta mística, llamándola mística de la alienación, o teatro épico. No nos detengamos en la terminología vishukuvannyah, es más que todos los términos comienzan a volverse más inteligentes. Tratando de hacer algunos deberes, que los tres lo llaman la mismidad, como todo apesta, de hecho, rico en lo que continúan, aclaran, desarrollan, concretan la teoría de G. Craig.
El personaje fantástico de Tsey ha aparecido recientemente. Bethman nos ha llegado desde la pantalla del televisor y habiendo ocupado un lugar en el corazón de niños y niñas, llenando muy atrás al querido y divertido Carlson con sus más recientes milagros y bendiciones en el campo desde las ventanas de mi departamento.
Bertolt Brecht se convirtió en un destacado teórico del teatro épico, el más extenso y reciente. Veamos la teoría del yoga en sí misma hasta el punto de división, la asignaremos a su ciencia. De gran interés es la mirada de Kregg al concepto de teatro de B. Brecht: inmediatamente el hedor es capaz de terminar el coro del sistema teórico de este nuevo arte.
Kreg, habiendo plantado una chispa, es ricamente alguien que se atragantó con la teoría del yoga del supertítere. El arte, como si pudiera elevarse por encima del intercambio de lo momentáneo, operar con categorías de comprensiones elevadas, se ha convertido en un palo de la visión de destacados actores teatrales del siglo. Y en este sentido -la solución de problemas complejos por el teatro- no hay diferencia fundamental entre la teoría del teatro épico de Brecht y el sueño de Kregg. Más que eso, y al mismo tiempo, al pensar en el futuro, el teatro fue acariciado por la misma idea de mirar la objetividad, ejerciendo la bebida en forma de “hipnosis de vivir”, como llamando a Bertolt Brecht al edificio en un mundo igual, vibrando el mundo, progresando hacia un progresivo guía del humanismo y vocero del oscurantismo, herramienta para revelar la verdad filosófica y las imágenes de la “malicia vulgar”. Theatre Lyalok profundamente y zatsіkavleno se puso a la altura de la idea de Kreg y de la teoría de Brecht. Desde hace tiempo se van creando una serie de colectivos, como vicarista y mirada, configurando teatros maravillosos por sus posibilidades.
Bertolt Brecht mauration, si dijo: "Solo una nueva metanación es un nuevo arte" El precio de un nuevo arte del siglo XX no estuvo exento de la participación del acaparamiento de lyalki. La idea de Craig, sin embargo, se opuso de manera poco convincente a otra idea: inspirar a una tribuna de teatro: Brecht luchó por el yak.
“Desde el punto de vista estilístico, el teatro épico no es algo particularmente nuevo”, escribió B. Brecht. Las tendencias anteriores al ascenso al poder estuvieron dominadas por los misterios burgueses, al igual que el teatro clásico español y el teatro del pueblo.
No se puede crear un teatro épico en todas partes. La mayoría de las grandes naciones de nuestros días no son capaces de resolver sus problemas en la plataforma. Londres, París, Tokio y Roma son teatros para otros fines. Hasta ahora, debe lavarse la mente para la reivindicación del teatro épico pochalny, solo se han fundado en el arco de lugares pequeños y no duran mucho. En Berlín, el fascismo ha aumentado el desarrollo de tal teatro.
Delito del nivel técnico de canto del teatro épico socava la presencia de un movimiento pujante en la región suspіlnogo vida, El objetivo de tal cosa es destruir al zatsіkavlenіst en la comida de vida discutida libremente, para eso, para vivir en el futuro, virishity; Rukhs, como si pudieras proteger las costuras tsyu zatsіkavlenіst de todas las tendencias de adivinación.
El teatro épico es el logro más amplio y trascendental de la creación del gran teatro contemporáneo, y este teatro es el culpable de reparar esas grandes transiciones en el campo de la política, la filosofía, la ciencia, el arte, para situarse en el camino de todos. fuerzas vivas.
La teoría y la práctica del gran escritor proletario B. Brecht son inconsistentes. Con sus canciones y su obra en el teatro de los vinos, hizo que la afirmación de las ideas del teatro épico, la construcción de un edificio, despertara un amplio movimiento comunitario.
Henry Craig no tenía una posición sociofilosófica tan clara como la que tenía Bertolt Brecht. Es más importante señalar que la lógica de la crítica del teatro burgués llevó a Craig a la crítica de la sociedad burguesa, convirtiéndose en uno de los callados, que llevó las normas de la vida burguesa a una burla satírica de las normas de la vida burguesa, en línea con Inglaterra en el período crítico de la historia - 1917-1918.
Frente a la gran colección "Teatro para Lyalok de países extranjeros", que fue un viyshov en la SRSR en 1959, leemos: Niza, 84th river Gordon Craig terminó Nuevo libro- “Drama for the Divine”, al que han acudido trescientos sesenta y cinco p'yats escritos por él para marionetas con bocetos de vestuario y escenografía, realizados por el propio Craig.
No es mejor que los primeros años de Craig antes de la dramaturgia en el Lyalok Theatre. En 1918, trabajó en Florencia, de vin en ese momento había encantado un estudio de teatro experimental ("Goldoni Arena"), Craig había visto la revista "Títere del año", bajo el seudónimo de Tom Full (Tom the Fool) publicó cinco p'єs para marionetas. P'isa "Escuela, o no tomes bocio" scho para ser incluido en todo el ciclo, el tsikava no es solo como un director de teatro extranjero ampliamente conocido, que ha creado una gran influencia en el desarrollo del arte teatral contemporáneo, pero como ejemplo de una miniatura satírica política , escrita para la mejora de los beneficios específicos del Teatro Lyalka y por lo mismo estoy reafirmando las posibilidades del Teatro Lyalka en este género ...
En su propia forma artística, la "Escuela" adopta inadvertidamente la psicología y el "código de conducta" de los diáconos soberanos burgueses, como si pragmáticamente en un momento histórico trascendental "para escapar de las circunstancias". Ale, skilki b tsі dіyachі no trató de cerrar los ojos en el dіysnіst, zіtknuvshis con él, el hedor soporta la misma vergüenza, que conoces al maestro en el p'єsi final.
En nuestro país, "Escuela, o no te hagas bocio" se publicó en traducción del inglés I. M. Barkhasha editado por K. I. Chukovsky. Se trata de una miniatura satírica de carácter político.
P'esa es metafórico. El maestro, enseña esa escuela misma, considera a los niños, - una especie de fragmento de la escuela inglesa. Aprende a configurar la comida. Al igual que antes, como lo es en el parlamento inglés, el maestro da una manera filistea e inteligente. Vіn povchaє: “Ven aquí para prepararte para terminar la tarea de plegado, para vivir en Inglaterra. Ya lo dije: retorcerse en los ojos de la lengua: el eje en el que se educa el borg de los ingleses, la vida del yogo, el comportamiento del yogo en el botín. Hablando de los principios de la vida, el maestro explica: “Los pasos más importantes son: atormentar y tartamudear, tambalearse siempre, vacilar, dar comida a la comida... Años y años, si no hay manera de dar consejos directos. Los licores silenciosos son adecuados para cualquier clima, y cuanto más creces, más frescos se vuelven los vinos.
Громадянська сміливість і гострота позиції Крега проявляються не тільки в тому, що боягузливий учитель тріпоче від «більшовицької небезпеки», від необхідності вирішувати найскладніші політичні проблеми (в п'єсі згадується і «Комісія з розслідування хлібної панами», і моральний «кодекс» члена палати comunidades), pero en primer lugar para todo - en el mismo final del p'esi. A la derecha, termina cuando la bicicleta se precipita hacia la clase y "como un huracán, arrojando a un maestro y un maestro" (al igual que el final de las canciones populares más cortas para el teatro de lyalok, que termina en desgracia por la injusticia, la paz, esperanza de justicia expresada metafóricamente).
Entonces, la lógica del desarrollo de la vida fue rota por Craig, aún en los albores del siglo, parado en las posiciones de la ciencia pura, que la lucha por la justicia de las posiciones ideológicas y estéticas es la primera de todas las luchas por la pureza de los grandes ideales, los ideales filosóficos y políticos.
El teatro del lyalok del siglo XX en sus mayores, más altas y más significativas manifestaciones, habiendo construido la misma onda que Henry Craig. Lo mejor del punto de vista profesional y estético del lyalkariv vіdrіznyає madurez y precisión de las posiciones políticas. El teatro Lyalok del siglo XX se acerca para tomar un día en la lucha de la gente progresista por la justicia, los altos ideales morales, el doviv, que en la nueva etapa de los vinos es neotrino en la vida, en el desarrollo, en la lucha por el progreso.
B. Brecht (1898 - 1956) - un destacado escritor, dramaturgo y director alemán, un activo antifascista. Haz algo por tu propio bien profundamente filosófico.
Bertolt Brecht (1898-1956) nació en Augsburz, el lugar de nacimiento del director de la fábrica, estudió en el gimnasio, estudió medicina en Munich y fue al ejército como enfermero. A las 20 Rocky Brecht se vuelve hacia el teatro. En Munich, se convirtió en director y luego en dramaturgo en el teatro de Moscú. En 1924, Brecht se mudó a Berlín, donde trabajó en el teatro. Vin habla al mismo tiempo como dramaturgo y como teórico, un reformador del teatro.
". Brecht llama a su estética y dramaturgia "epopeya", "teatro no aristotélico"; lo llamamos la culpa de su adversidad con el más importante, según Aristóteles, el principio de la tragedia antigua, adoptado por el mundo mayor y menor de todas las cosas tradición teatral. El dramaturgo habla en contra del argumento aristotélico sobre la catarsis. La catarsis es una tensión emocional superior, supradivina. Brecht reconoció este lado de la catarsis y lo reservó para su teatro; fuerza emocional, patetismo, vydkrity mostrando predilecciones mi bachimo in yogo p'esah. Ale la limpieza sentida por la catarsis, según el pensamiento de Brecht, condujo a la reconciliación con la tragedia, la vida se volvió teatral y adicta a ella, un hombre que mira furtivamente no es reacio a experimentarla así.
Brecht desarrolló una teoría especial del llamado "teatro épico". Para revelar más claramente la esencia del nuevo enfoque promovido por Brecht para la interpretación de las obras dramáticas, digamos algunas palabras sobre aquellos que llamaron "épico" a su teatro de vinos. Epopee llamar el nombre de los grandes crear literario, Scho rozpovidut sobre subdivisiones históricas significativas. Si es así, es obvio que la naturaleza especial del autor mismo-opovіdach es formalmente usuvaetsya hasta el límite. En su teatro, Brecht enfatiza el respeto por las figuras históricas significativas. Si hay un "usunennya" del autor, entonces el mobiliario de Brecht en una fila de vipadkіv іgnoruє. Para el nuevo principio, el significado de la "hora del autor" en sí.
Brecht llamó a su posición en la dramaturgia socialmente crítica. El primer paso hacia la tradición aristotélica se caracterizó por la práctica de preservar todos los valores y patrones del nuevo teatro, para no traspasar las tradiciones, no debilitarlas, sino ampliar y complementar la temprana obra victorista para la solución de los problemas de la modernidad. Con base en el análisis de una serie de robots, puede propagar la siguiente tabla.
Factor de hora yak
significa la autoridad del drama "aristotélico"
algo épico
drama "aristotélico"
1. Un empate, culminación y
rozvyazka. .
2. Un día de acción dramática.
3. Escena vtіluє podіya.
4. Finalización de la tarea.
5. En el escenario bajo el pasado ..
6. Pevna es cronológica
ordenando capas
Drama épico de B. Brecht
1. Culminación de Kіlka y rozvyazok.
2. Hora de acción dramática.
3. En el escenario, una rima sobre podії.
4. Final de apertura.
5. Traspektiva de Timchasov en el escenario.
6. Operación Vilne.
Brecht stverdzhuvav, lo que es visible en el teatro tradicional de la vida, pero no está claro. En su teatro, para aclarar la vida de los vencedores, las adiciones a la posibilidad de la hora del escenario: la hora del autor aparece en la nueva, para cuya ayuda el autor da una evaluación de la siguiente. Brecht reemplaza audazmente la acción de una capa de timchas a otra. Al mismo tiempo, es necesario señalar que Aristóteles tenía sus propios fundamentos profundos para la confirmación de los sólidos principios teatrales. Luego, primero para todo, madres en la calle, que en el teatro, como en otros tipos de arte, hay una síntesis de verdad y tergiversación. Aristóteles respetuosamente bulo, para que el boquiabierto vea a los que aparecen en escena. Los mismos para quienes se eligieron distintas tramas del pasado, de mitos; los artistas actuaron como héroes, guiando a los espectadores. El rango principal, el mismo en el drama, revela los matices del pasado.
11. "Teatro épico": es una revelación, coloca al observador en el campo del posterigach, estimula la actividad del observador, hace que el observador dude, muestra los dientes del observador, despierta el interés del observador antes del movimiento, mira fijamente el corazón de la mirada furtiva.
En la emigración, en la lucha contra el fascismo, floreció el arte dramático de Brecht. Vono era muy rico en zmіst y raznomanіtny en forma. Entre los p'єs emigratsії más famosos - "Mother Courage and її children" (1939). Cuanto más trágico y más trágico el conflicto, más crítica es la culpa del buti, del pensamiento de Brecht, del pensamiento del pueblo. En la mente de los años 30, "Madre Coraje" sonaba, obviamente, como una protesta contra la propaganda demagógica de la guerra de los fascistas y estaba dirigida a esa parte de la población alemana, como una demagogia. La guerra se representa en un p'єсі como los elementos, que le dicen orgánicamente al corazón humano.
La esencia del "teatro epichny" se vuelve especialmente clara en relación con "Mother's Courage". P'isa bidimensional: un cambio estético de personajes, de modo que se crea la vida, el bien y el mal se golpean de forma independiente frente a nuestro bazhany, y la voz del propio Brecht, que no está satisfecho con tal imagen. La posición de Brecht se manifiesta sin media en zongi (Zong - en el teatro de B. Brecht - una balada, que se ve como una intermedia, o un autor (parodia) comentario de un personaje grotesco con un tema vagabundo plebeyo, cercano al ritmo del jazz.
Este es un drama histórico y al mismo tiempo una alegoría sobre el pueblo alemán. Cuento literario dzherelom p'єsi bula de un escritor alemán. Brecht victorioso después de todos los motivos de la historia, pero habiendo creado el suyo propio, zovsim inshiy tvіr. Brecht escribió sobre el vino y la tragedia de las madres, sobre perdones y destino trágico gente. Diya p'єsi vіdbuvaєtsya en la época de la Guerra de los Treinta Niveles. La novedad del enfoque de estos fue el primero de todo en el énfasis en las acciones de la gente común. Los personajes de los héroes de "Mother Courage" están pintados con toda su super esponjosidad plegable. La imagen más famosa de Annie Firling, el yak, se llamaba Madre Coraje. La heroína convierte la perogrullada en las mentes de la vida. Ale ganó: el nacimiento de un espíritu mercantil, zhorstok y cínico de la guerra Treinta-Dyatirichnaya. El coraje de Baiduzh a las causas de la guerra.
El blando conflicto de Brecht entre la sabiduría práctica y los impulsos éticos infecta al mundo entero con la pasión por la súper chica y la energía de la predicación. La heroína del alma de Brecht no parece tomar parte en la guerra, es madre de tres hijos, gente de profesión pacífica y nada más que un oficio en varios dribnitses. Aleone siguió su vіzkom para el viyskami, dos azules y una hija nacieron a la hora de los viajes de vіysk en el vіznih batkіv, los ingresos de Matinka Kupazh se encuentran en el curso del vіyskovskih sprav. Ella es buena para el rahunok de la guerra. Todo lo que puede, la guerra lo dio, ella no quiere entender, no le importa una mierda. Kmitliva, energía, vivo, gostra en la lengua, no por nada llamado Courage “en francés: coraje, coraje. La heroína de Brecht cree que se ha asegurado completamente de que puede pararse en el suelo. Sin embargo, la guerra golpea golpe tras golpe. Brecht y en esta creación la trama futura, forzando la prueba de la heroína y zishtovhuyuchi en la piel de ellos en lo humano y social. Así cuida Madre Coraje de todos los niños. Puedes escapar, deja que el hedor muera a través de tus virtudes: Eilif, a través de la buena voluntad, Schweitzerkas, a través de la honestidad, Katrin, a través de la confianza en ti mismo. En la imagen de Catalina, el dramaturgo pintó las antípodas de la madre Coraje. Ninguna amenaza, ningún obitsyanki, ninguna muerte molestó a Katrina para moverse en respuesta a una decisión dictada por sus bhajans, queremos ayudar a la gente. Balakuchoi Coraje para resistir nima Katrina, la hazaña silenciosa de la doncella como si cruzara todos los caminos de la bendición de la madre. Pero la razón correcta de la muerte de los niños, el hedor, perece a través de aquellos que no pensaron de repente en oponerse a la guerra. En sus muertes, vinos y panoyuchi, guerra de yak zayali, y sus madres son fuertes, en svіdomosti yakoy todo se puso patas arriba en la cabeza del piso, que no era muerte, sino vida. La canción termina con un zong, perdonaremos a las personas que hablan de los agresores.
El realismo de Brecht se manifiesta en el pasado no sólo en los personajes principales y en el historicismo del conflicto, sino también en la autenticidad vital de los personajes episódicos. Carácter de piel, atraído por el conflicto dramático del mundo, vive tu vida, adivinamos sobre su parte, sobre el pasado y vida futura.
El conflicto de Crim rozkrittya por características adicionales de zіtknennya Brecht se suma a la imagen de la vida en p'eсі zongami, en la que se da sin un conflicto de razuminnya medio. La canción más significativa es "La canción de la gran humildad". Esta es una especie de "alienación" plegable, si el autor habla en nombre de su heroína, perdona las disposiciones y por sí mismo compite con ella, infundiendo dudas en la lectura sobre la sabiduría de la "gran humildad". Toda la historia, que retrata críticamente lo práctico, comprometiendo por completo la "sabiduría" de la heroína, es una súper chica ininterrumpida de "La canción de la gran humildad". Entonces Brecht stverzhuє, scho priynyattya tragedia acción solo en reacciones emocionales iguales en sí mismo en su propio conocimiento del mundo, pequeña chimba frente al no gobierno total.
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10. "Teatro épico" B. Brecht.
Bertolt Brecht - otro Alemán. En una hora y escribiendo y siendo el director de sus p's. І habiendo nombrado toda la riqueza de sus p'єs y nombrando su teoría sobre todo teatro épico. Naygolovnіshe - zrozumіti, chim vіdrіznyaєtsya epіchny theater vіd traditіynogo. El teatro tradicional tiene su origen en la antigua Grecia, y Aristóteles decía más brevemente sobre todo, que el mismo Brecht llama al teatro tradicional “ teatro aristoteles". Bueno, si hablas de los representantes del teatro tradicional de los colaboradores de Brecht, entonces, obviamente, Stanislavski. El desarrollo del teatro europeo comienza en la antigüedad, en la antigüedad, y desde la misma mazorca en el teatro antiguo, es aún más importante ser respetable, por lo que la acción teatral se crea para ser un mirón. fusionándose completamente en la acción. ¿Para qué? Entendí perfectamente por qué, como suponemos, que el primer género del teatro fue la bula. tragedia. A eso, le dio a la gente un sentido de purificación catártica moral. Entonces la persona iba pasando, viendo la máxima tensión nerviosa, sintiendo, al que siente, y entonces vino la purificación emocional del alma. Tobto fue al teatro, de hecho, por la razón por la cual mucha gente va al templo. Desde las horas de silencio, el teatro comenzó a funcionar directamente. De finales del siglo XIX es el arte de dirigir. Y aquí el pináculo de la teoría del teatro tradicional es Stanislavsky, porque el teatro de Stanislavsky se fragmenta de tal manera que nos pone en acción tanto como sea posible. Entonces, en el teatro, los diáconos son legales: mientras las personas en el salón estén chhayut, jurando papiro, tosiendo, significa que la actuación no es así. Si recordamos en este momento que no hemos visto nada en la sala durante mucho tiempo, no hay prisa, significa que hemos dibujado la actuación en nosotros mismos: y lo mas importante esta en el teatro. Entonces, hoy hay mucho dinero, un proveedor musical, como dar un ritmo, por ejemplo (bueno, el eje de la música está en Kintsy Vistavi, si acariciamos, la música se desvaneció, dejaron de acariciar y se fueron) , pero el teatro correcto, como un tirón, no es culpable de robo, somos culpables de salpicar el alma. Entonces el eje de Brecht en su teatro épico, en su teoría de la culpa, habla de esos que la gente viene al teatro para no hablar. Por lo tanto, la tradición de arrastrar el teatro a la acción no es adecuada para el nuevo teatro. Glyadach viene a no hablar, vin venir, pensar. El nuevo incluso tiene una frase, que te permite entender lo que puedes hacer por tu cuenta: si estamos en el escenario de una persona hambrienta, entonces en un teatro tradicional, un pío vendrá a cantar a nuestra gente, y si morimos, entonces cantaremos y nos purificaremos y beberemos maravillosamente. Y el requisito es venir al teatro, pensar, cómo calumniar. Esta es la hora de la transformación, el mundo entero va a estropear la revolución socialista. El principio básico del teatro épico es no captado por un pío en la habitación, pero en el lado de la habitación- el eje de la obscenidad en el teatro. Por eso el teatro es ambiguo, aunque el cigarro esté solo. Brecht toma la palabra "afuera" de los rusos. A los teóricos rusos en San Petersburgo se les ocurrió la palabra "reconocido": en el nivel de nuestra vida cotidiana: canta un río maravilloso desde un lado invisible. Así que había dos palabras "adelante" y "adelante". І para mostrar la peculiaridad de este término, los teóricos eliminan la letra "t" del idioma ruso en el medio y lo llaman "Ochuzhdenіє" y "distanciamiento", que es más como un extraño, maravilloso. Vlasne, Brecht solo está hablando de eso.
Para crear el efecto de alienación, Brecht acepta victoriosamente la diferencia. En primer lugar, el escenario está diseñado de manera inteligente: el teatro de Brecht a menudo se llama el "teatro cotidiano": incluso hay pocos objetos en el escenario, incluso un alto nivel de inteligencia. Si el ejército tiene la culpa en el escenario, entonces en el teatro tradicional aparecen, por ejemplo, 200 extras y puedes llevar un caballo, y luego sale una persona con un letrero "gente", o "ejército", o " zorro". Aje tse intelligence: 200 osib todo lo que no se puede entregar a todo el ejército de la misma manera que 1. Pero el principio básico del teatro de Brecht es: romper la ilusión. Ilyuziya: si venimos al teatro y será mejor, que los que aparecen en el escenario son verdaderos, creemos en la realidad, somos la ilusión de la realidad. Es posible romper la ilusión por las acciones directas del actor hasta el punto de mirar fijamente. El eje, por ejemplo, es el actor D'Artagnan, la culpa de D'Artagnan en el escenario, y luego parece: "Soy del punto de vista Vasya Pupkin, estoy jugando D'Artagnan aquí y te quiero, mirando, para contar el eje desde el primer accionamiento...". Entonces el efecto de la ilusión se rompe de nuevo. No es tan fácil matar a Ale Brecht - con brutos directos - ganar el truco victorioso con algo aún más simple - introducir canciones en un texto dramático, "zongs" en alemán. Además de las horas de Brecht, el término "zong" en todos los países europeos significa la recepción de Brecht. Los propios actores dramáticos se durmieron con Brecht. La canción resuena con ellos, que la canción no coincide con la trama literal, solo muestra las ideas. Para esta sensibilidad, obviamente, se convierten en la razón más importante e inolvidable del efecto de la alienación.. Brecht también admite que la victoria se extinguió. Podemos presentar la actuación de este año de la antigua Brekhtivska, pero salió al escenario, vista vista a saber.
"Triprosova Opera": toda la pieza se representó en el cine de los años 20. Y en la primavera de tsієї p'єsi, comienza el teatro Brekhtivska correcto. La base para tsієї p'єsi є p'єsa zovsіm inshoy autor en inshіy kraіnі inshoї epoch. Tse buv dramaturgo inglés, que en el siglo XVIII. habiendo escrito "La Ópera de Zhebrakiv" - apodo de yogo Gay. En esta ópera, rozpovid sobre aquellos que tienen una preocupación tsikh zhebrakіv: los apestosos se organizan en la empresa, que es absolutamente el mismo negocio, como todos los demás. Y todo en la Ópera de Zhebrakiv lleva a Brecht a su Ópera Trigrosh. Diya se ve a sí misma en una extensión y horas distantes. Parte del hecho de que una persona viene a contratar a una esposa en la oficina, lo contratan para un trabajo, le dan un papel, un lugar, de vin se apiadará, asignará un salario (en resumen, eso es todo, como en una vez). Descubrí que dieron evidencia de la ley del fondo. Y obviamente, la gente principal en la expansión social más baja es la gente del mundo criminal, los que son malvados. Y el sentido de la cabeza es p'esi - qué, parece, las leyes del mundo criminal no son violadas por nada en las leyes del gran mundo. Que los políticos, que la élite sea económica, viva según las mismas leyes. Por lo tanto, la civilización es viciosa en la base misma. Allí, antes del discurso, es un momento, si el escuadrón absolutamente joven no está familiarizado, a esa persona de arrestos, locales en la prisión, ¡averigüe quién puede comprarlo! Y raptom, si sientes el precio, el escuadrón nevtishna parece ser "Es caro", si no quieres centavos, sino yoga. Y mientras ella está fuera y dando vueltas, la situación está bajo control, pero es más trágico para ella gastar un centavo. La gente va y viene, pero los centavos se acaban. Antes del discurso, p'єsa duzhe rasnіє zongs, cіkavі y su texto y especialmente la música de K. Weil. Era importante que el perro no estuviera lejos. Ale si se establece, al día siguiente, Brecht, que se llama, se volvió famoso. Solo en los años 30. (La mazorca de la cinematografía) ¡Proyectado 11 veces! Tsya p'sa tsikava tim, que en la piel moriré de la era, iré a los teatros y una vez que se cuente, qué hay de nosotros hoy.
"Madre Coraje y її niños": mediados de los años 30, p'єsa contra la guerra. La idea es muy simple - la guerra es para el que está alerta, hay guerra para el que es viejo. En este estado de ánimo, ella no es una gran persona, sino una pequeña: la chica del mercado Matusya Courage, como si fuera vendida a los soldados. Si hay una guerra, florecerá, si no hay guerra, no la hay. Ale, vreshti-resht, la guerra ha elegido a todos los niños, y Brecht ya ha rugido que los políticos del mundo lo pensarán. Ale, es obvio que el p'sa no hizo tanto ruido.
1. Creado por el teatro, que ha creado un sistema de mecanismos de causalidad social
El término "teatro épico" era anterior a las introducciones de E. Piscator, pero era más amplio y estéticamente más amplio de lo que era, habiendo quitado el borde de los robots teóricos y del director de Bertolt Brecht. Brecht le dio un nuevo giro al término "teatro épico".
Bertolt Brecht (1898-1956) - el creador de la teoría del teatro épico, amplió la conciencia de la posibilidad de reconocimiento del teatro, y también canta, pensador, dramaturgo, director, cuya creatividad amplió el desarrollo del teatro mundial. del siglo XX.
Yogo p'ysi "Buen hombre de Cezuan", "¿Qué es ese soldado, qué es esto", "Triprosova Opera", "Madre Coraje y її niños", "Pan Puntila y Yogo Servant Matti", "Car'єra Arturo Uї , yakoї no se pudo construir”, “Caucasian Kreidyan Kolo”, “The Life of Galileo” y otros, - hace mucho tiempo fueron traducidos por el idioma rico y después del final de la Otra Guerra Mundial, subieron al repertorio de ricos teatros del mundo. Una matriz majestuosa, para convertirse en modernos "estudios de brecht", tareas para comprender tres problemas:
1) la plataforma ideológica de Brecht,
2) teoría del yoga del teatro épico,
3) Peculiaridades estructurales, poéticas y problemáticas del gran dramaturgo.
Brecht, echando una mirada profunda y discutiendo sobre la nutrición: ¿por qué empezó a crecer el compañerismo humano desde el momento de su condena, basado en el principio de explotación de un ser humano por un ser humano? El eje de lo dado, más a menudo y fundamentado en la p'esi de Brecht se llama no dramas ideológicos, sino filosóficos.
La biografía de Brecht fue inconsistente con la biografía de la época, pues se revitalizaron las batallas ideológicas y las etapas extremas de la politización del puente de suspenso. La vida de los Nimtsiv durante un período de tiempo más largo pasó en la mente de la inestabilidad social y tales cataclismos históricos suvorih, como Persh y la Otra Guerra Mundial.
En la mazorca de su camino creativo, Brecht reconoció la afluencia de expresionistas. La esencia de las ideas innovadoras de la expresividad vinikala z pragnennya no stylka dosledzhuvati luz interior gente, skilki vyyaviti yogo zalezhnіst mehanіzmіv social gnoblennja. En los expresionistas, Brecht es positivo no solo e incluye métodos innovadores y pobudovi p'єsi (vidmova vіd liniynoї pobudovi dії, método de instalación, etc.). Los resultados de la expresividad llevaron a Brecht a sucumbir al desarrollo de esta poderosa idea general: crear tal tipo de teatro (y por lo tanto, drama, gris del actor), que mostraría un sistema de mecanismos de causalidad social con desnudez límite.
2. Construcción analítica de p'esi (tipo de drama no aristotélico),
Brechtivsky p'ez-parábolas.
Contraste de formas épicas y dramáticas al teatro
Para la visión de la tarea asignada, es necesario que usted cree tal diseño p'esi, como si llamara a la sala para que mire con una espontaneidad espontánea y no convencional, y un entorno analítico ante ellos. Con esto, Brecht adivinó constantemente que esta versión del teatro le resulta familiar, ni el teatro tranquilamente dominante, el momento del rugido (visualidad), ni el contagio emocional. Es solo que no soy culpable del vino, pero solo podemos decir una palabra. Es mejor usar la primera descripción terminológica: "teatro aristotélico tradicional" (a lo largo del año, Brecht reemplazó cada vez más este término con comprensión, expresa cada vez más correctamente el sentido de yoga shukan, - "burgués") - y "no -tradicional”, “No burgués”, “épico”. En una de las primeras etapas del desarrollo de la teoría del teatro épico, Brecht comenzó a atacar el esquema:
El sistema de Brecht, dispuesto esquemáticamente en el reverso del suelo, se perfeccionó a lo largo de muchas décadas posteriores, y no solo en obras teóricas (las principales son: notas antes de la Trigrosh Opera, 1928; Street Stage, 1940; Small Organon para el teatro, 1949; "Dialéctica en el teatro", 1953), pero también en p'esah, que crean una estructura única de aliento, así como la hora de poner en escena tsikh p'es, actor yakі zazhadali de manera especial de isnuvannya.
A la vuelta de los años 20-30. Brecht escribió una serie de párrafos experimentales, llamándolos "primarios" ("Párrafo inicial de Badenskaya sobre el año", 1929; "Zahid", 1930; "Exclusión y regla", 1930 y en adelante). Habiendo probado en ellos un truco de epístola tan importante, como introducir una introducción al escenario, como contar la historia ante el ojo del podio. Sin tomar parte directamente en los podios, el personaje fue complementado por Brecht en el modelado en el escenario como al menos dos espacios, como si mostraran la diversidad de los puntos del hueco en los podios que, en su línea, conducían a el “sobretexto” es el culpable. Así, se activó la puesta en escena crítica de ojos asomados al bastardo sobre el escenario.
En 1932, durante la producción de vistavi "Madre" con "Grupo de Jóvenes Actores", que fue incinerado en el teatro "Junge Volks-Bühne" (Brecht escribió su poema sobre los motivos de la novela de una línea de M. Gorki ), Brecht, o la figura en sí misma es una inspiración, o los elementos de rozpovidi) en pie de igualdad no como una recepción literaria, sino como la de un director. Uno de los episodios se llamó así: "Contar sobre el primer día de mayo de 1905". Los manifestantes se acurrucaron en el escenario, el hedor no se fue a ninguna parte. Los actores representaron la situación ante la corte, de s héroes, como si estuvieran acabados, hablaron de lo sucedido:
Andriy. Pelageya Vlasova fue instruida por mí, seguida de cerca por su hijo. Si mi mentira lo siguió, ella salió corriendo de la cocina ya arreglada y sobre nuestra comida: ¿a dónde vas? - v_dpovila... Madre. Contigo.
Hasta ese momento, Olena Weigel, como una tumba para Pelageya Vlasova, se podía ver al fondo como una marca de hielo detrás de las espaldas de otras figuras (pequeñas, envueltas en una khastka). Menos de una hora, Andriy, el hombre que miraba, comenzó un disfraz de bachiti con zdivovannymi y ojos desconfiados, y en su comentario, dio un paso adelante.
Andriy. Cuatro o seis de ellos se apresuraron a conseguir la insignia. El alférez yacía detrás de él. Me incliné ante la misma Pelageya Vlasova, nuestra camarada, tranquila, tranquila, y levanté la insignia. Matir. Entrega este alférez, Smilgin, dije. ¡Dar! Tomaré yoga. Todo lo demás cambiará.
Brecht contempla la tarea de pararse frente al actor, cambiando las formas de su puesta en escena. Los conceptos clave de la teoría brechtiana del teatro épico se están alienando, o no.
Brecht rinde homenaje a aquellos que en el teatro europeo tradicional "burgués", que pragmáticamente intimidan a la mirada furtiva en la experiencia psicológica, propagan la mirada furtiva para volver a identificar al actor y al papel.
3. Desarrollo de diferentes formas de actuar (eliminación)
Como prototipo del teatro épico, Brecht propaga la “escena callejera”, si en vida fue como un escenario y los testigos presenciales intentan hacerlo. En su famoso artículo, como se llama así: "Escena callejera", vin subtitula: "Este elemento de la escena callejera es la naturalidad, para tal espectáculo callejero te conduces en una posición doble; Poco a poco nos da un sonido sobre dos situaciones seguidas. Vete a ti mismo de forma natural, como si estuvieras imaginando y demostrando el comportamiento natural del imitador. Pero nadie olvida la culpa y nadie permite que el glyadachov olvide que el vino no es una imagen, sino una imagen. Por eso los que empujan al público no son independientes, super articulan la tercera vía, en la que los contornos del primero (representados) y del otro (representados) se enfadaban, pues nos muestran el teatro que es el más importante para nosotros. en sus producciones. Los pensamientos y casi representan la imagen de la imagen no son idénticos.
Así interpretó Olena Weigel su Antígona, puesta en escena por Brecht en 1948 en la ciudad suiza de Hur, a partir de una magistral alteración del antiguo original. Al final, el coro de ancianos escoltó a Antígona al horno, en el que es culpable de ser emparedada viva. Podnosyachy їy glechik con vino, los ancianos vtishali la víctima de la violencia: sal, ve al honor. Antígona confiesa con calma: "Estás locamente abrumado por mi impulso, ¡sería mejor si tomaras la insatisfacción contra la injusticia, para que conviertas tu ira en una melancolía descarada!" І girando, salga con un cántaro ligero y duro; vamos, nibi no es el guardián del vede її, pero ahí - yogo. Y adje Antígona fue a su muerte. Weigel nunca ha jugado el mismo papel en esta escena, que es típica del teatro psicológico tradicional de manifestaciones ininterrumpidas de duelo, confusión, rabia, ira. La actriz jugó, de hecho, mostró a los espectadores este episodio como un hecho largo que había dejado en її - Deer Waigel - un recuerdo del espíritu brillante del espíritu heroico e intransigente del joven Antigoni.
El director en Antigone fue Weigel y los que interpretaron a la joven heroína de la actriz de los Cuarenta y Ocho Mundos, mientras pasaba por importantes pruebas de la decimoquinta emigración, interpretada sin maquillaje. Pochatkovym umovoy її gri (y producciones de Brecht) bulo: "Yo, Vaygel', mostraré a Antigone". Sobre Antígona colgaba la especialidad de actriz. Detrás de la antigua historia griega estaba la parte de la propia Vaigel. El vchinki vona de Antigoni se perdió la crisis de la fortuna de la vida: la heroína no estaba emocionalmente rota, pero la sabiduría, pridbana suvorim prueba de vida, que los dioses no dieron un cambio, sino una reconciliación especial. Aquí el lenguaje no era sobre la muerte inesperada de un niño, sino sobre el miedo a la muerte y el miedo a la muerte.
Fue especialmente digno de mención que, en sí mismo, el desarrollo de varias formas en la cara del actor no balaceó el suicidio de Brecht. Cambiando la distancia entre el actor y el rollo, así como entre el actor y el espectador, Brecht trató de presentar el problema de p'esi de una manera diferente. Con este método, Brecht señalará el rango de organización de un texto dramático. Prácticamente en todas las canciones que doblaron el espadismo clásico de Brecht, crecen, como para acostumbrarse al vocabulario moderno, en el "espacio y las horas virtuales". Entonces, en “El buen hombre de Sezuan” el comentario del primer autor está adelante sobre aquellos que en la provincia de Sezuan estaban acechando todos los lugares en el backstage de la tierra, la gente explotando a la gente. En el "Caucasian Kreidyanoy Kolі" no parece nada en Georgia, pero es lo mismo para Georgia, como Sezuan. En "¿Qué es ese soldado, qué es esto?" - La misma adivinación de China, etc. Bajo el subtítulo "Matus Courage" parece que tenemos una crónica de horas de la Guerra de los Treinta Años del 17. siglo, Alemov aborda la situación de guerra en principio. La visión de imágenes de podia en la hora y el espacio permitió al autor caminar sobre la línea de grandes zagalnen, no sin razón, los p'esi de Brecht se caracterizan a menudo como parábolas, parábolas. El mismo modelo de "extrañamiento" de la situación le permitió a Brecht armar su propio p'esi a partir de varios "shmatki", que, en su línea, vymagalo en forma de actores de victoria en un conjunto de diferentes formas en el escenario.
4. Vistava "Madre Coraje e hijos" como ejemplo de las ideas estéticas y éticas de Brecht
La obra "Mother Courage and її children" (1949) se convirtió en un ejemplo ideal de las ideas éticas y estéticas de Brecht, donde Olena Weigel interpretó al personaje principal.
Un escenario majestuoso con un horizonte redondo que brilla sin piedad con una luz brillante: aquí todo es como en el valle, de lo contrario, bajo un microscopio. Sin decoraciones. Sobre el escenario está escrito: “Suecia. Primavera 1624 roca. El silencio es interrumpido por el crujido del plato giratorio del escenario. Paso a paso, los sonidos del rіzhkіv de Viysk se acercan al nuevo: más fuerte, más fuerte. Cuando suena la armónica, el escenario se enrolla en una línea recta (otra) cuando la furgoneta rueda, en la estela de los compañeros, el tambor redobla hacia un lado. Esta es la casa muerta de la secretaria del regimiento Annie Firling. Її prizvisko - "Madre Coraje" - está escrito en grandes letras en el lateral de la furgoneta. Enganchada en un holoblí, la camioneta tira de dos hijos, y la hija Katrina, sobre las cabras, toca la armónica. La propia Courage, con su vieja espalda plisada, una chaqueta acolchada acolchada, una trenza atada con borlas en el techo, se recostó libremente, se sentó en Katrin, juntó la mano en la parte superior de la camioneta, sobre las mangas largas de la chaqueta estaban ligeramente acampanada, y en el pecho, en unos ojales especiales, cuchara de peltre. Los objetos en las performances de Brecht estaban presentes al nivel de los personajes. El coraje se entremezcló poco a poco con el estribo: una furgoneta, una cuchara, un bolso, un hamanets. Una cuchara sobre los pechos de Weigel es como una orden en un ojal, como una insignia sobre una columna. La cuchara es un símbolo de apego hiperactivo. El coraje es fácil, sin zamlyuyuchis, pero obsceno: sin dokorіv sumlіnnya cambia las insignias sobre tu camioneta (en el barbecho en el caso del que peremagає en el campo de batalla), pero si no se separa de la cuchara - її vlasny alférez, con tal ganado adoran como un icono apto para la guerra. La camioneta está en la mazorca de una mazorca con muchos bienes, al final, vacía y rota. Ale smut: el valor tirará del yoga solo. Todos tus hijos no se gastarán en guerras, como tú anhelas: "Si quieres pan, dame carne".
El gerente de la actriz y directora zovsіm no incluyó la creación de ilusiones naturalistas. Los objetos en las manos, las manos mismas, toda la pose, la sucesión de las ruinas y la acción, todos los detalles que son necesarios en el desarrollo de la trama, al mostrar el proceso. Numerosos detalles se veían, ampliaban, acercaban a la vista, como un gran plan de cinematografía. Recogiendo lentamente los detalles en los ensayos, llamó durante una hora a la impaciencia de los actores, como si llamaran a practicar "en temperamento".
Los principales actores de Brecht en la mazorca fueron Olen Weigel y Ernst Busch. Y, sin embargo, en el Berliner Ensemble pudiste mover a toda una galaxia de actores. Entre ellos se encuentran Gisela Traven, Hilmer Tati, Ekehard Shal y otros. Sin embargo, ni el hedor, ni el propio Brecht (a la luz de Stanislavsky) rompieron el sistema de la reencarnación del actor de teatro épico. Y de todos modos, la recesión de Brecht atrajo y vinculó no solo a los actores famosos del teatro, sino también a muchos actores y directores destacados de la otra mitad del siglo XX.
Bertolt Brecht puede ser llamado legítimamente un talentoso escritor alemán, un teórico del arte, un playboy teatral y gromadsky. La spadshchina creativa de Bertolt Brecht, si gastan sus fuerzas de atracción en el momento adecuado. En el siglo pasado, marcado con un sello de su poderoso talento y el encanto de una especialidad única y autosuficiente, el dramaturgo innovador y antes representado en los escenarios de todo el mundo, para la popularidad de los vinos, solo Shakespeare viene aquí. Los teatros del mundo terrenal para escenificar yoga p'esi, revelando todos los nuevos lados en ellos, atraen a los espectadores en las décadas sesenta. Nuestra hora es la puesta en escena de los p'єs de Brecht, la misma prueba de madurez para un cadáver teatral, como la tragedia de Shakespeare y la comedia de Moliere.
Es necesario decir que Bertolt Brecht, habiéndose fijado en el número de escritores mudos, cuyas manera creativa es imposible revelar sin el yoga principal biografias de vida. Bertolt Brecht (1898-1956) nació en Augsburz, el lugar de nacimiento del director de la fábrica, estudió en el gimnasio, estudió medicina en Munich y fue al ejército como enfermero. Los cantos de los versos de aquel joven ordenanza convirtieron el respeto en espíritu de odio ante la guerra, ante la guerra de Prusia, ante el imperialismo alemán. En los días revolucionarios de la caída de la hoja en 1918, Brecht fue elegido miembro de los soldados de Augsburgo por el bien de, lo que atestiguaba la autoridad del conocido joven poeta.
Ya en los primeros versos de Brecht, había mucha conmemoración, recuerdo en el guante, la memoria se desvanecía y se doblaban las imágenes, lo que llamaba asociaciones con la literatura alemana clásica. Esta asociación no es una herencia, sino una falta de replanteamiento de viejas situaciones y prácticas. Brecht es mudo moviéndolos en la vida actual, se atreve a mirarlos de una forma nueva, "reconocida". Así, ya en la lírica muy temprana, Brecht menciona su famoso recurso dramatúrgico "revelación". En el verso "La Leyenda del Soldado Muerto" priyomi satírico predecir el romanticismo: un soldado que va a luchar contra la puerta - ha sido durante mucho tiempo solo un fantasma, las personas que lo despiden - filisteos, esa literatura alemana se ha visto durante mucho tiempo a la vista de los animales. Y al mismo tiempo, el tiempo de Brecht con saña - en una nueva y entonación, y las imágenes, y el odio de las horas de la primera guerra mundial. el militarismo alemán, la marca de la victoria de Brecht y en 1924 el rock "Balada sobre un matir y un soldado"; canta a la razón que la República de Weimar está lejos de desarraigar el pangermanismo bélico.
Digamos que en las rocas de la República de Weimar se expande el mundo poético de Brecht. Dysnіst se encuentra en los choques de clase más severos. Ale Brecht no se conforma con ver más fotografías blasfemas. Yogo vіrshi - llamada siempre revolucionaria: tal "Canción del frente unido", "la gloria de Nueva York, el gigante de la ciudad se ha desvanecido", "Canción sobre el enemigo de clase". El número de versos muestra cómo a principios de los años 20 Brecht se convierte en el mirador comunista, cómo la rebelión juvenil espontánea se convierte en revolución proletaria.
Lіrika Brechta Dazhe está muy por detrás de su propio DIAPAZO, canta la imagen real de NIMETSKY a la imagen real de All-Hydrichikhi, Ale VIN, puedo hacerlo, no al maldito combustible, sino con precisión, pero preciso Vishukanim, ganamos Ni siquiera inventes alegorías. La poesía para Brecht es lo primero para toda la exactitud del pensamiento filosófico y gromadiano. Brecht tuvo en cuenta los tratados filosóficos poéticos, o el patetismo victorioso de los párrafos de los periódicos proletarios (así, por ejemplo, el estilo del verso "Mensaje a los camaradas Dimitrov, luchando en Leipzig contra el tribunal fascista" - un intento de acercar la poesía a la periódicos). Ale tsі eksperimenti in kіntsi kіntsіv abrumó a Brecht en el hecho de que es culpable de hablar sobre la cotidianidad del misticismo, lejos de ser el cotidiano. Para este sentido, el Brecht letrista ayudó al Brecht dramaturgo.
A las 20 Rocky Brecht se vuelve hacia el teatro. En Munich, se convirtió en director y luego en dramaturgo en el teatro de Moscú. En 1924, Brecht se mudó a Berlín, donde trabajó en el teatro. Vin habla al mismo tiempo como dramaturgo y como teórico, un reformador del teatro. Ya en los círculos, la estética de Brecht, su mirada innovadora sobre las tareas de la dramaturgia y el teatro, se formaron en sus cuadros virishalales. Su mirada teórica al arte de Brecht viklav en el siglo XX en okremi statt y vistupah, luego combinados en la colección "Contra la rutina teatral" y "De camino al teatro moderno". Posteriormente, en los años 30, Brecht sistematizó su teoría teatral, aclarándola y desarrollándola, en los tratados "Sobre el drama no aristotélico", "Nuevos principios del arte actoral", "Pequeño Organon para el teatro", "Compra de MIDI" y otros.
Muchos críticos literarios respetan a Bertolt Brecht como uno de los líderes del movimiento del "teatro épico". Brecht llama a su estética y dramaturgia teatro "épico", "no aristotélico"; los llamamos vinos para reforzar su adversidad con lo más importante, en el pensamiento de Aristóteles, el principio de la tragedia antigua, adoptado por el mundo mayor y el mundo menor por toda la tradición teatral del mundo. El dramaturgo habla en contra del argumento aristotélico sobre la catarsis. La catarsis es una tensión emocional superior, supradivina. Brecht reconoció este lado de la catarsis y lo reservó para su teatro; fuerza emocional, patetismo, vydkrity mostrando predilecciones mi bachimo in yogo p'esah. Ale la limpieza sentida por la catarsis, según el pensamiento de Brecht, condujo a la reconciliación con la tragedia, la vida se volvió teatral y adicta a ella, un hombre que mira furtivamente no es reacio a experimentarla así. Brecht ha estado sugiriendo constantemente el desarrollo de leyendas sobre la belleza del sufrimiento y la paciencia. En La vida de Galileo, escribimos sobre aquellos que tienen hambre y no pueden soportar el hambre, que "mueren de hambre": simplemente no lo hacen, pero no muestran paciencia, complaciendo al cielo. Teniendo en cuenta la falta de Shakespeare, aquellos que, en las manifestaciones de sus tragedias, son inaceptables, por ejemplo, "discusión sobre el comportamiento del Rey Lear" y se crea un ataque, ningún duelo por Lear es inevitable: "fue tan natural, fue natural".
La idea de catarsis, nacida del drama antiguo, estaba íntimamente ligada al concepto de la locura fatal del lote humano. Los dramaturgos, con el poder de su talento, revelaron todas las motivaciones del comportamiento humano, en medio de la catarsis de los mudos, el fulgor iluminó todas las causas del ser humano, y el maestro de estas razones fue considerado absoluto. Por eso Brecht llamó fatalista al teatro aristotélico.
Brecht bachiv protirichcha mizh el principio de transformación en el teatro, el principio de diferenciación del autor en los personajes y la necesidad de una manifestación científica e imparcial de la posición filosófica y política del escritor. Navega en lo más lejano y en tendencia sensibilidad corta las palabras de los dramas tradicionales, la posición del autor, según la idea de Brecht, estaba ligada a las figuras de los resonadores. Tal estándar es cierto en los dramas de Schiller, a quien Brecht valoraba mucho por su patetismo ético y gromadyansky. El dramaturgo respeta con razón que los personajes de los héroes no son culpables de ser "portavoces de ideas", que reduzca el espíritu artístico del espíritu: "... en el escenario de un teatro realista, ya no vivimos para las personas, gente de carne y hueso, con nosotros escena - NO un herbario y no un museo, donde se exhibía la opudala disecada..."
Brecht conoce su propia solución a esta dieta superinteligente: una representación teatral, una representación escénica no escapa a la trama de la historia. La trama, la historia de los hechos son desgarrados por los comentarios directos del autor, comentarios líricos y, a veces, para inspirar y demostrar historias físicas, a los lectores de periódicos y a su propio animador, siempre actual. Brecht rompe en el teatro la ilusión de un desarrollo ininterrumpido de los podios, destruyendo la magia de la ejecución escrupulosa de la actividad. El teatro es una verdadera creatividad, muy por encima de la simple veracidad. La creatividad para Brecht y los actores, para los que es absolutamente insuficiente, es sólo "comportamiento natural en entornos propuestos". Desarrollando su estética, las tradiciones victoriosas de Brecht, zabuttyu en el trasero, teatro psicológico de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, Vіn para introducir hori y zongs del cabaret político moderno, pasajes líricos, característicos de la poesía y tratados filosóficos. Brecht admite cambiar el comentario de la mazorca al reinventar sus p: en algunos casos hay dos variantes de canciones y coros hasta una misma trama (por ejemplo, diferentes canciones en las producciones de la Trigrosh Opera de 1928 y 1946).
El arte de la transmutación de Brecht, habiendo respetado ob'yazkovym, pero absolutamente insuficiente para el actor. Enriquecido con vinos importantes, teniendo la mente para mostrar, demostrar en el escenario su especialidad, tanto en un plan civil como creativo. En grі perevt_lennya obov'yazkovo jura, únete a una demostración de datos artísticos (declamaciones, plásticos, spіvu), como una cigarra en su propia originalidad, y obscenidad, con una demostración de un actor especial voluminoso, humano y posicional.
Brecht vvazhav, scho people zberіgaє zdatnіst vіlnogo vybora i vіdpovіdal'nogo prіshennya vіdpovіdal'nogo prіshennia in naivazhchih obsviny. Qué dramaturgo perekonannі manifestó fe en el pueblo, perekonanista profundo en aquel que la sociedad burguesa, con toda la fuerza de su infusión podrida, no puede remodelar al pueblo en el espíritu de sus principios. Brecht escribe que el líder del "teatro epichny" - zmusit peeping "mira ... en forma de ilusión, ninguna piel en la escena del héroe del diablo representado es tan propia". "Brecht siempre elige doblar, "no -ideal" forma de vikrittya de suspenso capitalista. "Principio político", en opinión del dramaturgo, inaceptable en el escenario. frente a la vistava teatral, es una tarea plegable: mirar la falla del constructor hidráulico, como " el edificio está bombeando el río a la vez y en el canal її deisny, y de esa manera obvia, por lo que podría fluir, yakby nahil, la meseta y el río serían mejores”.
Брехт вважав, що правдиве зображення дійсності не обмежується тільки відтворенням соціальних обставин життя, що існують загальнолюдські категорії, які соціальний детермінізм не може пояснити повною мірою (любов героїні "Кавказького крейдяного кола" Груші до беззахисному кинутому дитині, нездоланний порив Шен Де до добра) . Estas imágenes pueden ser en forma de mito, de símbolo, en el género de las p'es-parábolas o p'es-parábolas. Pero en términos de realismo sociopsicológico, la dramaturgia de Brecht puede equipararse a los mayores logros del teatro ligero. El dramaturgo ha llegado resueltamente a la ley fundamental del realismo del siglo XIX. - concreción histórica de las motivaciones sociales y psicológicas. El aligeramiento del yakіsnogo raznomanіttya de la luz de la luz fue para la primera fila de fábricas. Según el propio estilo del dramaturgo, Brecht escribió: “Somos culpables de fanfarronear con una descripción cada vez más precisa de la acción, pero desde un punto de vista estético, cada vez más sutil y más salvajemente entendemos la descripción”.
La innovación de Brecht también se manifestó en el hecho de que los zooms se fusionan en un todo indistintamente armónico de lo tradicional, mediando el reconocimiento del contraste estético (personaje, conflicto, trama) con la mazorca reflexiva abstracta. Bueno, ¿qué opinas de la maravillosa integridad artística que se le daría a la historia súper tiza de la trama y el comentario? El famoso principio Brekhtiv de "alienación": impregna no solo los comentarios, sino también toda la trama. El "Ochuzhdenіє" de Brecht es tanto un instrumento de lógica como de poesía en sí mismo, completamente insostenible y dichoso.
Brecht robar el "reconocimiento" del principio más importante del conocimiento filosófico del mundo, la creatividad realista mental más importante. Brecht se dio cuenta de que el determinismo no es suficiente para la verdad del arte, que la concreción histórica y la plenitud socio-psicológica del medio - "el trasfondo de Falstaff" - no es suficiente para el "teatro épico". La solución al problema del realismo Brecht muestra el concepto de fetichismo en "El Capital" de Marx. Siguiendo a Marx, se comprende que en la sociedad burguesa la imagen del mundo aparece a menudo con una mirada "hechizada", "pegada", que para la piel del escenario histórico es su propio objetivo, primus en relación a las personas "visibilidad de los discursos". ". Tsya "ob'ektivna vizmіst" prihovuє istina, por regla general, opaco, demagogia inferior, tonterías o ignorancia. El mayor meta y el mayor éxito del artista, según Brecht, - ce "Ochuzhdeniye", que no es sólo reivindicar los vicios y perdones subjetivos de la gente okrem, sino romper la visibilidad objetiva a la derecha, que son menos probable, menos adivinanzas en el día de hoy.
La "visibilidad objetiva", como la mente de Brecht, es capaz de transformarse en fuerza, como "subordinarse uno mismo a todo el camino del movimiento y de la información cotidianos". A quien Brecht evita como un existencialista. Heidegger y Jaspers, por ejemplo, respetaron todos los valores burgueses, incluido el lenguaje cotidiano, "película", "azulejo". Ale Brecht, en pocas palabras, como el existencialismo, que el positivismo y el panteísmo no son más que "sentimiento", "visibilidad objetiva", victoriosa y el existencialismo como un nuevo "sentimiento", como una nueva "visibilidad objetiva". Acostumbrarse al papel, en el entorno, no rompe la "visibilidad objetiva" y eso es menos para servir al realismo que "Ochuzhdeniye". Brecht no lo esperó, ese vivir y convertirse - un camino hacia la verdad. KANSAS. Stanislavsky, una especie de stverdzhuvav tse, buv, sobre el pensamiento yoga, "intolerante". Bo living no roba la diferencia entre la verdad y la "visibilidad objetiva".
El período cob de creatividad de P'esi Brecht: experimentos, bromas y primeros éxitos artísticos. Ya "Baal" -la primera p'esa de Brecht- se opone con una puesta en escena audaz y poco impresionante de humanos y problemas artisticos. Por sus rasgos poéticos y estilísticos, "Baal" se acerca al expresionismo. Brecht respeta la dramaturgia de G. Kaiser "virtualmente importante", "cambió el campo en el teatro europeo". Ale Brecht enajena inmediatamente la elocuencia del poeta y la poesía como un medio extático con expresividad. Al no ver la poética expresiva de los primeros principios, vemos la interpretación pesimista de estos primeros principios. En p'єсі він se ve la estupidez de la poesía al éxtasis, a la catarsis, mostrando la torsión de la gente en un camino de emociones extáticas y rugientes.
La primera base, la sustancia de la vida es la felicidad. Vaughn, según Brecht, en las serpientes de un mal poderoso, pero no fatal, sustancialmente distante, en el poder de un primus. El mundo de Brecht -y el teatro tiene la culpa de ello- mudo, en constante equilibrio sobre el filo de la navaja. Si las autoridades tienen "visibilidad objetiva", no vivirán sus penas, crearé mi propia visión, "tejas", entonces sabrán apoyarse en la estupefacta evolución. En el teatro de Brecht, las emociones son inestables, ambivalentes, las lágrimas se ven superadas por la risa y, en la imagen más brillante, se intercala una agitación oculta e implacable.
El dramaturgo para robar a su Baal con un enfoque, en medio de las tendencias filosóficas y psicológicas de la hora. Адже експресіоністичними сприйняття світу як жаху і екзистенціалістські концепція людського існування як абсолютного самотності з'явилися майже одночасно, майже одночасно створені п'єси експресіоністів Газенклевер, Кайзера, Верфеля і перші філософські праці екзистенціалістів Хайдеггера і Ясперса. Al mismo tiempo, Brecht muestra que el canto de Baal es una droga, que envuelve la cabeza de los oyentes, el horizonte espiritual de Europa. Brecht habla de la vida de Baal de tal manera que al espectador le resulta claro que la fantasmagoría divina de esta razón no puede llamarse vida.
"¿Quién es ese soldado, qué es este?": un verdadero tope de innovación en todos sus componentes artísticos del universo. En Brecht, no hay consagración vicarista de la tradición del priyomi. Creamos esta parábola de la escena central p'ysi - zong, una especie de aforismo simple "¿Quién es el soldado, quién es el otro?" Más vale ensayar la culpa histórica del habitante alemán, la inteligente interpretación de su apoyo al fascismo como inevitable, como reacción natural a la imposibilidad de la República de Weimar. Brecht para conocer una nueva energía para el movimiento del drama en lugar de ilusiones desarrollar las características y el flujo natural de la vida. El dramaturgo y los actores alemanes experimentan con los personajes, la trama aquí es una lanza de experimentos, las réplicas no son una combinación de personajes, sino una demostración de su comportamiento vicioso, y luego "Ochuzhdeniє" de este comportamiento.
Los chistes posteriores de Brecht se dieron a las creaciones de la "Ópera Trigrosh" (1928), "San Juan de la Matanza" (1932) y "Madre", después de la novela de Gorki (1932).
Para la base argumental de su "ópera", Brecht tomó la comedia del dramaturgo inglés del siglo XVIII. Gaia "Ópera de Zhebrakiv". Ale mundo de aventureros, bandidos, nuevos y zhebrakiv, imágenes de Brecht, pero no solo detalles en inglés. La estructura de la historia es bagatoplanov, la gravedad de los conflictos de la trama evoca la atmósfera de crisis de las horas del Imperio Alemán de la República de Weimar. Tsya p'esa vitriman en Brecht en las técnicas compositivas del "teatro épico". Un cambio estético imparcial, escondido en personajes y tramas, uniéndolos con zongs, que llevan un comentario teórico y estimulan el ojo que mira furtivamente a un pensamiento robótico forzado. En 1933, Brecht emigró de la Alemania fascista, vivió en Austria, luego en Suiza, Francia, Dinamarca, Finlandia y, desde 1941, en los Estados Unidos. Después de que la Comisión volviera a examinar a otro svetovoy yogo en los Estados Unidos por investigar actividades antiamericanas.
Los inicios de los años 30 de los 30 fueron llamados a las rosas de la demagogia hitleriana; canta sabiendo y desfilando durante una hora no recordada por el habitante de la protirichchya con uniformes fascistas. Y aquí Brecht incluso añadió el principio de "alienación". En 1933-1934 rr. canta svoryuє "Cantos de Hitler". La forma elevada de la odia, la entonación musical de la obra sólo se suma al efecto satírico, arreglos en los aforismos de los corales. Los líderes ricos Brecht sostenía que la última lucha contra el fascismo no era solo la caída del estado hitleriano, sino la revolución del proletariado (versos "Todo es nada", "Canto contra la guerra", "Resolución de los Comuneros", " Gran Zhovten").
En 1934, Brecht publica su obra en prosa más importante: la novela de Trigrosh. A primera vista, uno podría suponer que el escritor ha creado una versión más prosaica de la ópera de tres ritmos. Sin embargo, "la novela de Trigroshova" es un tvir absolutamente independiente. Brecht elabora aquí con mayor precisión la hora del día. Todo Podії en la novela sobre la guerra anglo-bóer de 1899-1902. Conozca a las personas p'yosoy diyovі: el bandido Mekhit, el jefe de Pіchem "imperії zhebrakіv", el policía Brown, Polly, la hija de Pіchem y otros - transform. Vemos en ellos una dilkiv de control y cinismo imperialista. Brecht habla en esta novela como un referente "doctor en ciencias sociales". Win muestra el mecanismo de las conexiones detrás de escena de los aventureros financieros (al kshtalt de Cox) en una fila. Una carta al zmalovu zovnіshnyu, vydkritu side podyy: envió barcos con reclutas a Pivdennu Africa, manifestaciones patrióticas, un tribunal respetable y vio a la policía de Inglaterra. Potim vіn malyuє istinny i virіshalny khіd podіy in kraїnі. Los comerciantes, en aras de ganar dinero, dirigen a los soldados en "cuerdas flotantes", como para ir al fondo; el patriotismo se infla con zhens contratados; en la corte, el bandido Mekhit-nizh juega con calma al ficticio "comerciante honesto"; el ladrón y el jefe de la policía entablaron una amistad escandalosa y dieron una gran cantidad de servicios por el bien del suspenso.
En la novela de Brecht se representan la expansión de clase del suspenso, el antagonismo de clases y la dinámica de la lucha. El mal fascista de los años 30, según Brecht, no es una novedad, la burguesía inglesa, sobre la mazorca de cien años, era rica en lo que se transmitían las aceptaciones demagógicas de los hitlerianos. Y si otro comerciante, llama al robado, lo llama como un fascista, sonando comunistas, como pararse contra las tormentas involuntarias, en la causa de la patria, frente al patriotismo, entonces Brecht NO es un anacronismo, no un antihistoricismo. Navpaki, tse visión profunda de ciertas repeticiones de regularidades. Pero al mismo tiempo, para Brecht, es más preciso crear una postura y una atmósfera históricas, no una obscenidad. Para lo nuevo, el sentido del episodio histórico es más importante. La guerra anglo-boers y el fascismo para el artista son los elementos del poder. Ricos episodios de la "novela de tres centavos" cuentan la luz dickensiana. Brecht captura sutilmente el sabor nacional de la vida inglesa y las entonaciones específicas de la literatura inglesa: un caleidoscopio plegable de imágenes, dinámicas tensas, percepciones detectivescas en conflictos y luchas representados, el carácter inglés de las tragedias sociales.
En la emigración, en la lucha contra el fascismo, floreció el arte dramático de Brecht. Como escribió el propio Brecht en su robot "Pequeño Organon para el Teatro", "Teatro - tse creaciones en imágenes vivas de podias reales y vivaces, en las que las personas rugen juntas, - d abofetearemos a las madres en la calle cada vez, pareciendo estar a punto de el teatro - como sobre lo viejo, así sobre lo nuevo". Aún más, el arte dramático era ricamente rico detrás de lo espléndido y variado detrás de la forma. Entre los p'єs emigratsії más famosos - "Mother Courage and її children" (1939). Cuanto más trágico y más trágico el conflicto, más crítica es la culpa del buti, del pensamiento de Brecht, del pensamiento del pueblo. En la mente de los años 30, "Madre Coraje" sonaba, obviamente, como una protesta contra la propaganda demagógica de la guerra de los fascistas y estaba dirigida a esa parte de la población alemana, como una demagogia. La guerra se representa en un p'єсі como los elementos, que le dicen orgánicamente al corazón humano.
La esencia del "teatro épico" se vuelve especialmente clara en relación con "Coraje de madre". Teóricamente, los comentarios deben hacerse en un p'єсі z despiadado en su secuencia de manera realista. Brecht se da cuenta de que el realismo en sí mismo es el camino más esperanzador en el camino. Por eso en "Matints Courage" se añaden los últimos y últimos solados a los detalles del modo de vida "correcto". Ale, después de Madre en la calle, la dualidad de la mente es un cambio estético de personajes, de modo que la creación de la vida, el bien y el mal se aplastan de forma independiente en nuestro campo, y la voz del propio Brecht, que no se conforma con un cuadro similar, que trata de afirmar el bien. La posición de Brecht se manifiesta directamente en el Zongi. Además, mientras canta los cuentos de dirección de Brecht hasta el punto, el dramaturgo brinda a los teatros amplias oportunidades para demostrar los pensamientos del autor con la ayuda de varios "retiros" (fotografías, proyecciones de películas, retraso en el crecimiento directo de los actores a los espectadores).
Los personajes de los héroes de "Mother Courage" están pintados con toda su super esponjosidad plegable. La imagen más famosa de Annie Firling, el yak, se llamaba Madre Coraje. La faceta rica de su carácter habla de manera diferente como un ojo fijo. La heroína convierte la perogrullada en las mentes de la vida. Ale ganó: el nacimiento de un espíritu mercantil, zhorstok y cínico de la guerra Treinta-Dyatirichnaya. El coraje de Baiduzh a las causas de la guerra. En barbecho en el aire, erigen sobre su carro una insignia luterana o católica. Coraje para ir a la guerra con la esperanza de grandes nobles.
El blando conflicto de Brecht entre la sabiduría práctica y los impulsos éticos infecta al mundo entero con la pasión por la súper chica y la energía de la predicación. En la imagen de Catalina, el dramaturgo pintó las antípodas de la madre Coraje. Ninguna amenaza, ningún obitsyanki, ninguna muerte molestó a Katrina para moverse en respuesta a una decisión dictada por sus bhajans, queremos ayudar a la gente. Balakuchoi Coraje para resistir nima Katrina, la hazaña silenciosa de la doncella como si cruzara todos los caminos de la bendición de la madre.
El realismo de Brecht se manifiesta no sólo en los personajes principales y en el historicismo del conflicto, sino también en la autenticidad vital de los personajes episódicos, en la opulencia de Shakespeare, sugiriendo un "trasfondo falstaffiano". El personaje es flaco, arrastrado al conflicto dramático del mundo, vive en su vida, adivinamos sobre su parte, sobre el pasado y el futuro de la vida y las voces mudas en el chori sin cuerdas de la guerra.
El conflicto de Crim rozkrittya por características adicionales de zіtknennya Brecht se suma a la imagen de la vida en p'eсі zongami, en la que se da sin un conflicto de razuminnya medio. La canción más significativa es "La canción de la gran humildad". Esta es una especie de "alienación" plegable, si el autor habla en nombre de su heroína, perdona las disposiciones y por sí mismo compite con ella, infundiendo dudas en la lectura sobre la sabiduría de la "gran humildad". Sobre la ironía cínica de la madre, Coraje Brecht habla con una poderosa ironía. La primera ironía de Brecht fue un vistazo, zvsіm vzhe poddavsya philosophії priynyattya zhittya like won є, para zvіnshі inshogo vistazo al mundo, para rozumіnnya astucia y perniciosa de compromisos. El canto a la humildad es su propia contrapartida extranjera, que permite comprender el derecho, contrariamente a la sabiduría de Brecht. Toda la historia, que retrata críticamente la práctica, comprometiendo completamente la "sabiduría" de la heroína, es una Super Girl ininterrumpida en "Una canción sobre la gran humildad". глядача, нічому не навчив матінку Кураж і анітрохи не збагатив її. Катарсис, пережитий нею, виявився абсолютно безплідним. Так Брехт стверджує, що сприйняття трагізму дійсності тільки на рівні емоційних the reaction itself is not known to the world, few people are worried in the frente al no gobierno total.
La pieza "Vida de Galileo" tiene dos ediciones: primera - 1938-1939, final - 1945-1946. "Epіchny cob" para convertirse en la base interna de "La vida de Galileo". El realismo es más que tradicional. Todo el drama está impregnado por la mente intransigente de Brecht para comprender teóricamente la manifestación cutánea de la vida y no tomar nada, confiando en la fe y las normas aceptadas mundialmente. Pragnennya imagina la piel ricamente para explicaciones, pragnennya pozbutisya en presencia de pensamientos aburridos incluso se manifiesta claramente en p'essi.
En "La vida de Galileo": la extrañeza supradivina de Brecht frente al mayor antagonismo del siglo XX. Decidí ir hasta el día de hoy, si aparecían los primeros informes en la prensa sobre los experimentos de científicos alemanes en la galería de física nuclear. Ale no vipadkovo Brecht no se convirtió en el punto de la modernidad, sino en un punto de inflexión en la historia de la humanidad, si se destruyeron los cimientos de la vieja luz. A la hora - a finales de los siglos XVI-XVII. - ciencia vіdkrittya vpershe steel, como Brecht opovіdaє, nadbannyam calles, plazas y bazares. Pero después de las palabras de Galileo, la ciencia, en el extremo más profundo de la reconcepción de Brecht, se volvió superflua para nada más que creencias. La física y la astronomía podrían conducir a la gente contra la ventaja de los viejos dogmas, trabar el pensamiento y la iniciativa. El propio Ale Galilei, habiendo ahorrado su argumentación filosófica por su cuenta, al pensamiento de Brecht, habiendo ahorrado a la gente no solo el sistema astronómico científico, sino también desarrollos teóricos de gran alcance del sistema tsієї del sistema, yak zachіpayut nutrición fundamental de la ideología.
reht, a pesar de la tradición, demandar severamente a Galileo, a esa misma opinión, en la opinión de Copérnico y Bruno, que se cierne en manos de personas poco comunes y obvias para la piel de la prueba de la corrección del sistema heliocéntrico, vil tortura y sugiriendo la única idea correcta. Bruno murió por la hipótesis y Galileo sucumbió a la verdad.
Brecht "observa" la afirmación sobre el capitalismo como la epopeya de un increíble desarrollo de la ciencia. Sabes que el progreso de la ciencia se ha precipitado a lo largo de un solo canal, y todos los demás ríos se han secado. Sobre la bomba atómica que se lanzó sobre Hiroshima, Brecht escribió con gran respeto por el drama: "... fue una victoria, pero fue un caos: un asedio". Al crear "Galilea", Brecht soñó con la armonía de la ciencia y el progreso. Este subtexto está detrás de todas las grandiosas disonancias de p'esi; La especialidad de Galileo estalló para los alemanes: el sueño de Brecht de "construir" la especialidad ideal en el proceso del pensamiento científico. Brecht muestra que el desarrollo de la ciencia en el mundo burgués es el proceso de acumulación de conocimiento de las personas. En p'єсі, también se muestra que otro proceso - "acumulación de la cultura de una larga historia en las mismas especialidades" - habiéndose interrumpido, que el final del Renacimiento comenzó a partir del más importante "proceso de acumulación de pre-slidnitsky cultura" por parte de las fuerzas de la reacción, las masas nacionales se apagaron: "La ciencia ha salido de gabinetes".
La figura de Galileo en p'ess es un punto de inflexión en la historia de la ciencia. En esta especialidad, la presión de las tendencias totalitarias y utilitaristas burguesas está arruinando a la mano derecha, y el proceso vivo de perfección de toda la humanidad.
La maestría milagrosa de Brecht se manifiesta no solo en los problemas comprendidos innovadores y plegables de la ciencia, no solo en la creación brillante de la vida intelectual de los héroes, sino también en la creación de personajes poderosos y ricos en facetas, en el desarrollo de su vida emocional. Los monólogos de los héroes de "La vida de Galileo" evocan la "riqueza poética" de los héroes de Shakespeare. Todos los héroes llevan la resurrección en su mente.
P'esa-parábola "El buen hombre de Sesuan" (1941) está dedicada al endurecimiento de la cualidad eterna y natural del hombre: la bondad. La heroína principal del p'yesi Shen De Nemov destaca lo bueno, pero la prominencia no evoca ningún impulso externo, es inmanente. Brecht es un dramaturgo en decadencia dentro de la tradición humanista de los ilustradores. Mi Bachimo vincula a Brecht con la tradición cosaca y las leyendas populares. Shen De recompensa a Popelyushka, y los dioses, recompensan a la niña por su amabilidad, la mujer casada con hadas de esos cuentos de hadas. Ale tradicional material Brecht interpretación innovadora.
Brecht se da cuenta de que la amabilidad está lejos de hacer que el vino se convierta en un triunfo fabuloso. El dramaturgo introduce las condiciones sociales en el cuento de hadas y la parábola. China, que ves en parábolas, es un alivio a primera vista de credibilidad, es simplemente "como un reino, como un poder". Y, sin embargo, el estado es capitalista. Proporciono la vida de Shen De - tse proporciona la vida del fondo del lugar burgués. Brecht muestra que durante todo el día las leyes cosacas, la Popelyushka vinícola, dejan de ser niños. El clima burgués es perjudicial para los peores seres humanos, que han sido achacados al capitalismo; Brecht considera la ética burguesa como una profunda regresión. Los pisos son fatales para Shen De y el amor.
Shen De vtіlyuє en p'єsі la norma ideal de comportamiento. Shoї Entonces, por el contrario, solo se entiende firmemente por los intereses del poder. Shen De es adecuado para bagatma mirkuvannyami y diyami Shoi Entonces, sopló, solo al ver a Shoi Entonces realmente puede dormir. Necesidad de proteger el pecado en el mundo de las personas endurecidas y malas, baiduzhi uno a uno, para corregir Shoi Tak. Bachachi, como un muchacho bromeando, estoy en un viento pomiya, te juro que aseguraré el pecado futuro para inculcar en la lucha libre más alta.
Dos mirando a la heroína principal: tse brillantemente escenificado "reconocido", la demostración principal del dualismo del alma humana. Ale tse i condenado al dualismo, más la lucha del bien y el mal en las personas, para Brecht, es menos que el nacimiento de las "malas horas". El dramaturgo trae a casa lo que es el mal en principio: cuerpo extraterrestre en las personas, que el malvado Shoi Tak es solo una máscara, y no el disfraz correcto de la heroína. Shen De nunca se vuelve realmente malvado, no puedes inculcarte pureza espiritual y suavidad.
Las parábolas de Zmіst llevan al lector no solo al pensamiento sobre la ruina de la atmósfera del mundo burgués. Esta idea, según Brecht, ya no es suficiente para el nuevo teatro. El dramaturgo duda en pensar en los caminos del mal. Los dioses y Shen De eluden en p'єsі a un compromiso, el hedor de nibi no puede podolayut la inercia de la mente de su medio. Tsіkavo, que los dioses, de hecho, recomiendan a Shen De la misma receta, por lo que se reveló en el "Triproshova Romanі" Mekhіt, que saqueó almacenes y compró productos a un precio barato para sacos pobres, ryatuyuchi ellos mismos en la cara del hambre. Pero el argumento final de la parábola no concuerda con el comentario del dramaturgo. El epílogo de una nueva manera brilla y visvitlyuє los problemas de p'yesi, para profundizar en el salvajismo del "teatro epichny". El lector y el mirón parecen más ricos que los peregrinos, los dioses inferiores y Shen De, ya que no entendieron por qué la bondad es grande. El dramaturgo habla mudo en la decisión final: vivir solo es bueno, pero falta; obscenidad para la gente - vivir sabiamente. Y qué significa: inspirar un mundo sensato, un mundo sin explotación, un mundo de socialismo.
"Caucasian Kreidyan Kolo" (1945) es también la más familiar para las parábolas de Brecht. Ofendido p'yesi para recitar el patetismo del shukan ético, para conocer a la gente, en la que la grandeza espiritual y la bondad se revelaron con mayor frecuencia. Así como Brecht describió trágicamente la imposibilidad de un ideal ético en la vida cotidiana del mundo de Vlasnitsky en "El hombre bueno de Sezuan", luego en el "Caucasian Kreidyan Kolі" delineó la situación heroica, como si mostrara a las personas un enderezamiento intransigente. de la moralidad
Solía ser, todo en p'єсі es clásicamente tradicional: la trama no es nueva (el propio Brecht había ganado previamente en el cuento "The Augsburg Kreidyan Kolo"). Las peras de Vakhnadze y en su esencia, e inspiran para sus propios ojos, llaman a las mentes de las asociaciones con Sikstinskaya Madonna y con las heroínas de los cuentos de hadas y la canción. Ale p'єsa tsya innovador, y єї svoєridnіst tіsno pov'yazane z principio principal del realismo de Brekhtiv - "alienación". La ira, la arrogancia, la timidez, la conformidad se suman al ambiente ingobernable de la vida, la carne. Pero para Brecht solo hay un poco de visibilidad. El monolito del mal al borde del alemán en p'єsі. Toda la vida de los alemanes está impregnada de corrientes del mundo humano. El elemento de luz en el hecho mismo de la fundación de la mente humana y la mazorca ética.
En las ricas entonaciones filosóficas y emocionales de la lírica del "Círculo", en la vitalidad de los diálogos plásticos y animados y los interludios de canciones, en la suavidad y la luz interior de las imágenes, y claramente en la tradición goetheana. Las peras, como Gretchen, llevan en sí mismas el encanto de la eterna feminidad. La gente bonita y la belleza del mundo de los tontos pesan uno a uno. Las personas más ricas y universalmente dotadas, más bellas para el nuevo mundo, más significativas, calientes e inconmensurablemente valiosas se invierten en las vidas de hasta nuevas personas. Muchos cruces sugerentes se colocan en un camino como Pera y Simón, pero el hedor es insignificante en pares con fuerza, reivindicando a una persona por su don humano.
Justo después del regreso a la emigración en 1948, Brecht comenzó a conocer nuevamente la Patria y prácticamente a crear su propia visión de un teatro dramático innovador. Vin participa activamente en el derecho a revivir la cultura alemana democrática. La literatura de la NDR fue inmediatamente arrebatada en la personalidad de Brecht por el gran escritor. La actividad del yoga no estuvo exenta de dificultades. Su lucha con el teatro "aristotélico", su concepción del realismo como "alienación" era irrazonable desde el lado del público y desde el lado de la crítica dogmática. Ale Brecht escribió en ci rocs que aprecia la lucha literaria "como una buena señal, una señal de progreso y desarrollo".
La controversia culpa a p'єsa, el camino final del dramaturgo, - "The Days of the Komuni" (1949). Brecht, vimogams of the "epicny theatre". Brecht mismo crea p'єsu para su teatro. En los "Days of the Komuni", el escritor de tradiciones victoriosas de dramas clásicos e históricos en trazos cortos (la elección del dibujo y la cantidad de episodios contrastantes, "Days of the Comuny" es un drama de pasiones políticas, en el que hay una atmósfera de debate, reuniones populares, її héroes - oradores y tribunos, її diya rozrivaє vuzki marco de vistavi teatral ", especialmente "Robes'era". Y al mismo tiempo "Dni Komuni" - no repetido, "épico", la televisión de Brekhtiv. namіka i "epichny" rozpovid, "conferencia" profunda sobre los días de la heroica Comuna parisina; tse i yakrave en la creación de la historia, i análisis científico.
El texto de Brecht es lo primero para una representación viva, necesita cobijo teatral, carne escénica. No solo necesita actores-actores, sino también especialidades con un brillante divi de Orleans, Grusha Vakhnadze o Azdak. Puede prohibir qué características especiales se necesitan para cualquier dramaturgo clásico. Ale en las actuaciones de Brecht es un stand tan especial; parece que el mundo de las creaciones es para ellos, creaciones por ellos. El teatro mismo tiene la culpa y puede crear la realidad de este mundo. ¡Realidad! La pista її - el eje de lo que persh para todo ocupó a Brecht. Realidad, no realismo. El artista-filósofo, siguiendo un pensamiento simple, pero nada obvio. Hablar de realismo es imposible sin expresar amor por la realidad. Brecht, como todos los actores del teatro, sabiendo que el escenario no tolera las tonterías, cuelga sin piedad como un foco silencioso. Vaughn no permite que la frialdad se disfrace de montaña, de vacío, de dignidad, de inutilidad, de significado. Brecht trohi habiendo continuado con este pensamiento, vin hot, que el teatro, el escenario, no dejaría que diferentes ideas sobre el realismo se disfrazaran bajo la realidad. Sob realism in rozumіnі kintsіvok sin importar qué tipo de género no se acepta como la realidad de la usima.
Підводячи підсумок, можна сказати, що Брехт актуальний і сьогодні - умінням бачити світ у всій його складності і суперечливості, своїм загостреним почуттям соціальної справедливості, яку він називав хлібом народу, і прагненням зробити людину добрішою, а середовище її проживання світліше, привітніше.
1 Los primeros poemas de Brecht: "Baal" (1918), "Tambores en la noche" (1922), "La vida de Eduardo II de Inglaterra" (1924), "En la niebla de la jungla" (1924), "¿Quién es el soldado , que es el otro" (1927).
2 So y p'єsi: "Roundheads and gostrogolovі" (1936), "Car'єra Arthur Uї" (1941) y en.
3 Vityag z roboti Bertolt Brecht "Maly Oragon para el teatro". A este robot se le pone comida, como si se tratara de formular una teoría estética, basada en toda una serie de representaciones teatrales, que ya se construyen desafiantemente desde hace diez años.
Lista de referencias
- Brecht B. Maliy Organon para el teatro. M, 1990.
- Brecht B. Matinka Coraje y її niños. la vida de galileo
- Volgina O. O. Bertolt Brecht: Indicador biográfico. m., 1969
- Zatonsky D. V. Discute sobre el realismo y Bertolt Brecht. - En el libro: Zatonsky D.V. Espejo misterioso. M, 1975
- Kliuev V.G. Mirada teatralmente estética a Brecht. M, 1966.
- Fradkin I. M. Bertolt Brecht. Modo y método. m., 1965
- Schumacher E. Vida de Brecht. m., 1965
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