Rembrandt: biografía, creatividad, hechos y vídeo. Rembrandt: todo lo que necesitas saber sobre el famoso artista holandés Rembrandt Harmens van Rijn breve biografía

La obra del brillante Rembrandt Harmens van Rijn es uno de los pináculos de la pintura con luz. La extrema amplitud del abanico temático, el profundo humanismo que inspira las creaciones, la verdadera democracia del misticismo, la inspiración continua de los más diversos estilos artísticos y el dominio incompleto dieron al artista la oportunidad de transmitir las ideas más destacadas y destacadas de la hora. El colorido de las pinturas de Rembrandt del período maduro y tardío, inspirado en tonos cálidos y cercanos, que brillan con matices sutiles, ligeros, tridimensionales y concentrados, que están influenciados por los propios objetos, sutilmente y la emotividad de sus creaciones. Pero los altos nobles sienten que tienen un valor especial, ya que añaden poesía y gran belleza a los discursos cotidianos.

Mi maestro, 1629-1630, Museo Getty, Los Ángeles, California

Jeremías, que llora la ruina de Jerusalén, 1630, Rijksmuseum

Minerva, hacia 1631, Museo Estatal, Berlín

Rembrandt pintó cuadros, retratos y paisajes históricos, bíblicos, mitológicos y cotidianos; Fue uno de los mayores maestros del grabado y aquel pequeño. Aunque Rembrandt no trabajó en ningún tipo de tecnología, en el centro de su respeto siempre estuvo una persona con su luz interior, sus vivencias. Rembrandt encontró a menudo a sus héroes entre representantes de la pobreza holandesa, que tenían los personajes más bellos y una riqueza espiritual incomparable. El artista llevó su fe en la humanidad durante toda su vida y es hora de intentarlo. Vaughn le ayudó a crear obras que expresan las mejores aspiraciones del pueblo holandés hasta el resto de sus días.

Vikingo de Proserpina, hacia 1631, Galería de imágenes, Dresde

Lección de anatomía del Dr. Nicholas Tulp, 1632, Mauritshuis, La Haya

Violación europea, 1632, Museo Getty, Los Ángeles

Rembrandt Harmens van Rijn nació en 1606 en Leiden, en la familia de Vlasnik Mlyn. Sus lectores fueron Swannburch y luego Lastman. 3 1625 Rembrandt comenzó a trabajar de forma independiente. Sus primeras obras siguen la influencia de Lastman, y también de los pintores de Utrecht, seguidores de Caravaggio. De hecho, el joven Rembrandt conocía su camino y aparecía claramente en los retratos que hacía de sí mismo y de sus seres queridos. En estas obras la ligereza se ha convertido en uno de los principales rasgos de la expresión artística. Han desarrollado diferentes manifestaciones de carácter, apariencia, expresiones faciales y rasgos individuales.

Daniel y el rey persa Ciro ante el ídolo de Baal, 1633, Museo Getty

Diosa de la guerra Bellona, ​​1633, Museo Metropolitano del Misterio, Nueva York

El perro guardián del barco y su escuadrón, 1633, Galería de Arte, Palacio de Buckingham

En 1632, Rembrandt se mudó a Ámsterdam e inmediatamente ganó popularidad con el cuadro “La lección de anatomía del doctor Tulp” (1632, La Haya, Mauritshuis). En esencia, este es un gran retrato grupal de médicos que dominaron al Dr. Tulpa y escucharon con respeto las explicaciones sobre el cadáver disecado. Este tipo de composición permitió al artista transmitir dibujos individuales de la piel del retrato y conectarlos con un gran grupo de una manera oscura y profunda concentración, para hablar sobre la realidad de la situación. A diferencia de los retratos de grupo de Hals, donde la piel de los retratos ocupa la misma posición, en el cuadro de Rembrandt todos los personajes están ordenados psicológicamente por la Tulpa, cuya pose se ve con una silueta ancha y un fuerte gesto con la mano. El color brillante revela el centro de la composición, enfatiza la riqueza del borde y promueve la expresión.

El éxito del primer cuadro trajo al artista una gran alegría, y con ello la suerte de trabar amistad con la patricia Saskia van Eylenburch. Uno tras otro, Rembrandt escribe grandes composiciones religiosas, similares a la nueva dinámica y patetismo de "El sacrificio de Abraham" (1635, San Petersburgo, Hermitage), retratos ceremoniales. Me encantarán las imágenes heroico-dramáticas, las escenas poderosamente efectivas, las exuberantes tiendas de quimera, los contrastes de luces y sombras, los ángulos agudos. Rembrandt a menudo describe a Saska como él mismo, joven, feliz y lleno de fuerza. Estos incluyen “Retrato de Saskia” (hacia 1634, Kassel, Pinacoteca), “Autorretrato” (1634, París, Louvre), “Autorretrato de Saskia de rodillas” (hacia 1636, Dresde, Pinacoteca). Rembrandt trabajó extensamente en el campo del grabado, incursionando en motivos de género, retratos, paisajes, creando toda una serie de representaciones de representantes de las clases sociales.

Judit recibida por Holofernes (cuadro anteriormente conocido como Artemisia), 1634, Museo del Prado, Madrid

Diana y las ninfas se bañan y cuentan la historia de Acteón y Calisto, 1635, Museo Wasserburg Anholt

Saskia van Eylenburch con traje arcadiano, 1635, National Gallery, Londres

Incluso antes de finales de la década de 1630, la lucha del artista por crear imágenes realistas en pinturas a gran escala era evidente. En medio de la vida y la toma de decisiones, surgió un tema mitológico en la pintura "Dana" (1636, la mayoría de las pinturas fueron reescritas a mediados de la década de 1640, San Petersburgo, Hermitage). Abrumado por el patetismo turbulento y los efectos externos, Rembrandt recurrió a la virulencia psicológica. La calidez de la combinación de colores se ha vuelto abundante y la luz ha jugado un papel aún mayor, lo que transmite una especial inquietud y compostura a la creación.

Personas de traje, 1633, Galería Nacional, Washington

Nevira Apostol Homi, 1634, DMII que lleva el nombre de A. S. Pushkin, Moscú

Sansón amenaza a su suegro, 1635, Museo Estatal, Berlín

A medida que la maestría realista del artista se desvanecía, crecían sus diferencias con el excesivo término medio burgués-patricio. En 1642, en el momento de la ejecución, una compañía de arqueros pintó un gran cuadro (3,87 x 5,02 m), en relación con la oscuridad de la hora, que más tarde tomó el nombre de “La Ronda de Noche” (Amsterdam, Rijksmuseum). En lugar de la tradicional fiesta con retratos de los participantes e imágenes de piel con todo detalle de las características individuales, como había sucedido antes, el artista representó la entrada de los arqueros en la marcha. Alzando la insignia, el capitán y el capitán caminaron al son del tambor a través de un amplio puente que cruzaba los antiguos gremios. Un destello de luz extremadamente brillante, bordes brillantes de la figura, revela a los participantes en la caminata y a una niña con un cinturón blanco, que se abre paso entre las filas de arqueros, apuntalando el malestar, la dinámica y la coherencia de la imagen. . Las imágenes de personas valientes, superadas por un celo heroico, se reflejan aquí en el rango digno de los holandeses, inspirados por el conocimiento de la unidad y la fe en su propia fuerza. Así, un retrato de grupo evoca el carácter de una pintura histórica, en la que el artista se esfuerza por valorar el presente. Rembrandt transmite su mensaje sobre los elevados ideales de la sociedad, sobre las personas que se levantaron para luchar por la libertad y la independencia nacional. Al final del día, la destrucción interna que erosionaba al país se hizo más evidente, el artista salió a gritar por una hazaña colosal. Rembrandt intentó crear la imagen de la heroica Holanda, emulando el espíritu patriótico de sus ciudadanos. Sin embargo, esa idea ya estaba lejos de la mente de su adjunto.

A lo largo de la década de 1640, aumentó la separación de los Mitzi del matrimonio burgués. Para quien hay aspectos importantes de su vida especial, la muerte de Saskia. Y en este mismo momento la creatividad de Rembrandt está alcanzando su madurez. Las espectaculares escenas dramáticas de sus primeras pinturas dan paso a la poetización de la vida cotidiana: las más importantes son las tramas líricas, como "El adiós de David a Jonatán" (1642), "La Sagrada Familia" (1645, pinturas de San Petersburgo , Hermitage), tales La profundidad de los sentimientos humanos apoya tanto los sentimientos sutiles como los fuertes. Parecería que en escenas sencillas y cotidianas, en gestos y manos sobrios y definidos con precisión, el artista revela toda la complejidad de la vida espiritual, recorriendo los pensamientos de los héroes. La escena del cuadro “La Sagrada Familia” no se puede trasladar de la pobre choza del pueblo, donde el padre está hacinado y la joven madre guarda cuidadosamente su sueño sin descanso. La piel aquí está cubierta por el aroma de la poesía, realzando el ambiente de silencio, calma y tranquilidad. La carne está manchada de ligereza, lo que ilumina la apariencia de la madre y lo invisible, los más finos tonos de cálido color dorado.

Cristo y María Magdalena en la tumba, 1638, Colección Real, Windsor

Agatha Bas contra el fondo de una ventana, 1641, Galería de arte, Palacio de Buckingham

Predicador Cornelis Claes Anslo y su escuadrón Eltje Gerritsdr Schouten, 1641, Museo Berlín-Dahlem

Profundo significado interno de imágenes similares de las obras gráficas de Rembrandt: pequeñas y grabados. Particularmente fuerte es la democracia de su mística de las expresiones en el grabado “Cristo que cura a los enfermos” (hacia 1649, “Arkush con cien florines”, llamado así por el alto precio, que aumentaba en las subastas). La penetración de las imágenes de los enfermos y los que sufren, de los casados ​​y de los pobres, que representan la autosuficiencia, es ricamente agravada por los fariseos. La verdadera escala monumental, la pequeñez, los contrastes de ligereza más sutiles y agudos, la riqueza tonal resaltan sus grabados a pluma, tanto temáticos como paisajísticos.

Un gran lugar en el período tardío lo ocupan las composiciones simples, la mayoría de las veces retratos de familiares y amigos, a quienes el artista respeta para revelar la luz espiritual de los retratados. Hendrick Stoffels escribe muchas veces, revelando su amabilidad y simpatía, nobleza y utilidad, como, por ejemplo, La ventana blanca de Hendrick (Berlín, Museo). A menudo sirvo de modelo para mi hijo Tito, un joven corpulento y afectuoso con una apariencia espiritual más baja. El retrato con un libro (hacia 1656, Viden, Museo de Arte e Historia) representa una hornacina atravesada por pasillos somnolientos. Los más penetrantes son el retrato de Breuning (1652, Kassel, Galería), una joven de cabello dorado, apariencia rubicunda, radiante de luz interior, y el retrato del retraído e ingenioso Jan Six (1654, Amsterdam, colección de Six), quien pataleando pensando, adivinando.

Autorretrato con sombrero de fieltro, 1642, Colección Real, Castillo de Windsor, Londres

Baño de Betsabé, 1643, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

Retrato de una dama con los brazos entrelazados (¿Hendrickie Stoffels?), alrededor de 1650, Colección Real, Londres

A este tipo de retratos se suman los autorretratos tardíos del artista, que reflejan la riqueza de características psicológicas, la expresión de las esquivas rocas del alma. La noble sencillez y la grandeza se representan en el “Autorretrato” del Museo Vidensky (hacia 1652); En el “Autorretrato” del Louvre (1660), el artista se describió a sí mismo como una figura mundana, y somos seriamente sumativos. Al mismo tiempo, se publica el retrato de una abuela, amiga de su hermano (1654, San Petersburgo, Hermitage), un retrato-biografía que habla de una vida importante, de días valientes que perdieron sus huellas promocionales en un rostro arrugado y trabajaron. manos, fue pintado ї bachila ricamente y las mujeres que sobrevivieron. Al concentrar la luz en el rostro de las manos, el artista vuelve la mirada hacia ellas, revelando la riqueza espiritual y la humanidad de quienes retratan. Quizás todos estos retratos no desaparezcan: con el destino de la piel, la promesa se hizo menos frecuente.

Los diez años restantes son la hora más trágica de la vida de Rembrandt; Decepcionado por un luchador ineficaz, se instala en el barrio más pobre de Amsterdam, perdiendo a sus amigos más cercanos y a sus seres queridos. Hendrick y su hijo Titus están muriendo. No importa las desgracias que le sucedieron, no pudieron detener el desarrollo del genio creativo del artista. Naiglibshi crear milagros Fue escrito solo a esta hora. El retrato de grupo “Sindika” (el mayor del taller de sastre, 1662, Amsterdam, Rijksmuseum) completa los logros del artista en este género. Su vitalidad reside en la profundidad y características de la piel de los retratos, en la naturalidad de la composición, clara e igualmente importante, en la rapidez y precisión en la selección de los detalles, en la armonía del estilizado esquema cromático y finalmente en la Toda la imagen de un grupo de personas que comparten una variedad de intereses, que se roban. El ángulo inusual refuerza la naturaleza monumental de la imagen, el significado y la pureza de lo que se ve.

Una joven se prueba unos pendientes, 1657, Hermitage, San Petersburgo

Artajerjes, Aman y Esther, 1660, DMII que lleva el nombre de A. S. Pushkin, Moscú

Retrato de familia, 1668, Museo del Duque Anton Ulrich, Braunschweig

Hasta el período tardío, hay una serie de grandes pinturas temáticas del maestro: “La Voz de Julius Civilis” (1661, Estocolmo, Museo Nacional), una composición histórica que representa al líder de la tribu bátava, que era respetado antes que los kami. de los Países Bajos, que levantaron a la rebelión al pueblo del siglo I y También pinturas basadas en escenas bíblicas: “Artajerjes, Amán y Ester” (1660, Moscú, DMII). La trama de la parábola bíblica sobre el hijo pródigo, presentada anteriormente por el artista, aparece en uno de sus grabados. Sólo hasta el final de su vida llega Rembrandt hasta su profunda revelación. En la imagen de un hombre cansado y arrepentido que cayó en problemas ante su padre, se conocen las expresiones del trágico camino de la vida, y la imagen del padre que perdonó al hijo pródigo se inculca en una felicidad más accesible para las personas, que Parece renovar el corazón. Simplemente se desvela la grandeza de la composición, donde los personajes principales son silenciosamente iluminados por la luz interior, donde el gesto de las manos del padre, el hijo recién nacido, expresa su bondad despiadada, y la figura de la mandrina, que apareció en ore lahmitti, que cayó ante el padre, - con todas sus fuerzas kayattya, tragedias shukan y desperdicio. Otros personajes están colocados en un plano diferente, en el fondo, y su somnolencia y reflexión muestran aún más claramente el odio hacia el khanniya y el perdón total del padre secular, que privó a la gente del gran mandamiento del artista holandés.

El fluir de la mística de Rembrandt fue magnífico. Muchos estudiosos le atribuyen su creatividad, incluido el más cercano a la comprensión del lector Carel Fabritius y el del artista holandés más importante. Se ha producido el mayor influjo del misticismo de Rembrandt en el desarrollo de todo el misticismo realista mundial. En aquel momento, así como el más grande artista holandés, habiendo entrado en conflicto con la burguesía, murió en el pasado, otros pintores, habiendo dominado el arte de transmitir fielmente lo representado, pudieron lograr una vida plena y prosperidad. Habiendo concentrado sus obras en la galuzia de uno u otro género de pintura, crearon a partir de ellas muchas obras importantes en su galuzia.

😉 ¡Hola queridos lectores! El artículo “Rembrandt: biografía, creatividad, hechos y vídeos” trata sobre la vida del artista holandés, el gran maestro de la luz, el mayor representante de la Edad de Oro de la pintura holandesa.

Biografía de Rembrandt

Rembrandt Harmens van Rijn nació a mediados del verano de 1606 en Leiden y en esta familia recibió mucha mirra. El apodo de "van Rijn" - "del río Rin", allí había personas cuya patria estaba.

La madre Cornelia era hija de un panadero. El padre y la madre tenían la misma edad y eran iguales sociales. Posiblemente esto se debe al hecho de que la paz y la tranquilidad han llegado a la familia. Si quieres llamar a las cabinas silenciosas, no puedes llamarlas silenciosas, a pesar de que hay una docena de Shibeniks creciendo aquí. Nueve de Rembrandt.

Los padres trabajaron toda su vida para criar a sus hijos. El padre murió a los 62 años y la madre sobrevivió diez años. Los tres hermanos del artista se convirtieron en morshniks y Rembrandt es el único que logró la iluminación.

El sublime de 13 años llegó con éxito a la Universidad de Leiden. En relación con el inicio de la guerra, eliminamos la línea de la convocatoria al ejército. De repente empieza a pintar.

Autorretrato de Rembrandt en el 23rd Rock

Johannes Orpers, alcalde de Leiden, en uno de los libros publicado en 1641 dedicó varias filas a la vida de Rembrandt. Era una breve biografía sobre el artista. Está claro que Jacob van Swanenburch enseñó por primera vez a Rembrandt durante casi tres años.

Luego a las 1624 r. Fui a Ámsterdam durante seis meses para pintar cuadros históricos de P. Lastman. A 1625 frotar. pintura volviendo a Batkivshchina y sabiendo buen amigo en el particular de Jan Lievens. Varias rocas crearon sus creaciones a la vez y, a veces, sus pinturas eran tan similares que puede resultar imposible identificar al autor.

Ámsterdam

Sichni RUR 1632 Rembrandt se mudó a Ámsterdam. Durante tres décadas, la población de este lugar se triplicó y alcanzó la cifra de 150 mil. El pintor juzgó que su presa en este gran lugar se remonta a las montañas.

Anteriormente escribí hacer cosas pequeñas sobre temas religiosos y retratos. En Amsterdam, trabajó en grandes negocios y obtuvo una enorme popularidad. Hace casi dos años, Rembrandt vivió con Hendrik van Eylenburch, que vende tejidos del misticismo. Trabajé con él inmediatamente después de mi llegada.

saskia

Vlitku 1634 frotar. el artista se hizo amigo de la prima de Eulenbyurch, Saskia. Vaughn era huérfana, pero sufrió pocas pérdidas de vidas. Rembrandt en esa época también se convirtió en un gran pintor.

Los jóvenes estaban muy emocionados. Vivieron durante varios meses en la cabaña de Eulenbuerch y luego añadieron una nueva y maravillosa cabaña para su familia.

“Sasky en la imagen de Flora” - pintura de Rembrandt, 1634

En el transcurso de 5 años, Saska dio a luz a tres hijos, pero todos murieron en la infancia. A las 1641 rublos. dio a luz a un cuarto hijo. Era un niño cuyo padre le puso el nombre de Tito. Sin perdió la vida, pero los médicos no pudieron salvar a su madre, Saska, del río 29.

Durante esta hora, Rembrandt estaba trabajando en la finalización del famoso cuadro "La guerra de la noche". La vida ya ha sido triste. Estaba inmensamente avergonzado por la muerte absorta de su amado amigo y no pudo dejar de hablar durante mucho tiempo, todo el tiempo sus pensamientos se centraban en la tragedia.

"Nichná Varta". 1642. Lienzo, oliya. 363×437cm

Tiene mucho talento para los retratos ceremoniales. Si trabajas constantemente en ellos, terminarás desperdiciando a muchos de tus asistentes. Decidieron no molestarse si Rembrandt tomaba en sus manos su encantador penzel, sino que se lo regalaba a otros artistas.

"Dana" (1636-1647). Rembrandt trabajó en el cuadro ¡11 rocas!

Hendrik Stoffels

El artista trabajó con gran esfuerzo en sus lienzos, sobre todo en temas bíblicos. En momentos importantes, Rembrandt a menudo descendía a la religión, cuando tenía que pensar en su hijo, que aún era un bebé.

Dudarás en contratar a una niñera, Gertie Dirks. Gertie llamó al artista desde la habitación en ruinas para hacerse amiga de ella. Este incidente fue una bendición: el artista tuvo la oportunidad de ser generoso. El tribunal estaba en sesión. Como resultado, se descubrió que estaba equivocada y se la condenó a 5 años.

Hendrick Stoffels (1655)

Tres años más tarde, Rembrandt se casó con su joven sirviente Hendrik Stoffels. Hendrik dio a luz a un hijo, que murió antes de nacer, y a una hija, Cornelia. Obviamente, la hija recibió el nombre de la madre del maestro.

La situación financiera del artista era deplorable. Prácticamente no pagó contratos muy bien remunerados por retratos ceremoniales, sino que gastó enormes sumas de dinero en la colección. Había pinturas de la época del Renacimiento, bronces, bustos, trajes antiguos, divas similares...

Los destinos restantes de la vida.

Nacido en 1652 - 1654 Holanda libró una guerra con Inglaterra, que expuso por completo el tesoro del soberano. El comercio comenzó a recuperarse, lo que inmediatamente apareció en el precio. creaciones artísticas. Rembrandt vendió parte de la colección, pero eso no ayudó.

A las 1656 rublos. Rembrandt ya no pudo saldar todas las deudas que había acumulado sin desperdiciar el hielo hasta arruinarlo. No hay ninguna razón para estar detrás de la llamada operación “transferencia Borg”. El artista demostró que los Borg se acumularon por una razón objetiva.

Al artista, después de haber vendido mayno y yoma, se le permitió perder el budinka, que anteriormente usaba Volodiv, hasta 1660 rublos. Después de esto, el maestro alquiló apartamentos económicos en algún barrio pobre.

Retrato de Tito, hijo de Rembrandt, 1657.

Titus ya ha crecido y al mismo tiempo ha creado una empresa de venta de creaciones artísticas. Ale Rembrand nunca pudo saldar todas las deudas, aunque todos lo respetaban a nivel local. Nacido en 1661 - 1662 Rembrandt recibió dos encargos muy bien remunerados: el lienzo “La Zmova de Julius Civilis” y el retrato “Sindy” para el gremio de pañeros.

Los destinos restantes del artista fueron sumarios. A 1663 rublos. Hendrik murió, luego Titus y su nuera. El 4 de 1669, el propio Rembrandt Harmens van Rijn, uno de los más grandes artistas, perdió este mundo. Yomu Bulo 63 rocas.

Cuyo video tiene información adicional “Rembrandt: biografía”

Dodatkovo sobre el tema "Rembrandt: biografía", una película dirigida por Oleksandr Kordi. Viyshov en la pantalla 1936

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

El mayor representante de la minería del oro, artista, grabador, gran maestro de la ligereza, todo en un solo nombre: Rembrandt.

Rembrandt nació el 15 de junio de 1606 cerca de Leiden. Este gran artista holandés hizo bien en infundir en sus obras todo el espectro de experiencias humanas con tal intensidad emocional que el misticismo creador de imágenes había conocido anteriormente.

Vida

En virus en la rica familia del posible gobernante de Mlyn Harmen Gerritsson van Rijn. Además, en las principales termas del Rin había dos casetas más, así como en el pueblo de Cornelia Neltje. La madre de la futura artista era hija de un panadero y sabía cocinar. La familia de su madre, después de la Revolución holandesa, se mantuvo fiel a la religión católica.

En Leiden, Rembrandt asistió a la Escuela de Latín de la universidad, pero no le gustaban las ciencias exactas y mostró su mayor interés por la pintura. Teniendo en cuenta este hecho, sus padres en 13 Rocks le dieron a Rembrandt una lectura de la creación icónica del pintor histórico de Leiden Jacob van Swanenburch, que era católico. Las obras de Rembrandt, variadas en género y tema, están imbuidas de ideas de moralidad, belleza espiritual y el valor de una persona extraordinaria, la comprensión de su inevitable complejidad. luz interior la riqueza de mi riqueza intelectual, la profundidad de mis experiencias emocionales. Hay muy poca información que nos haya llegado sobre Jacob, por lo que los historiadores y místicos no pueden decir con seguridad sobre la infusión de Svanenberg en la manera creativa de Rembrandt.

Luego, en 1623, comenzó su nacimiento en Amsterdam con el pintor de moda Pieter Lastman, después de lo cual, dirigiéndose a Leiden, abrió la maestría del maestro en 1625 con su compatriota Jan Lievens.

Peter Lastman realizó una pasantía en Italia y se especializó en temas históricos, mitológicos y bíblicos. Una vez que Rembrandt abrió su taller y comenzó a reclutar estudiantes, en una hora nos hicimos muy conocidos. Cuando uno se maravilla ante las primeras obras del artista, se puede comprender inmediatamente que el estilo de Lastman, una pasión por la severidad y la frivolidad, ha tenido una gran influencia en el joven artista. Por ejemplo, el robot yogo “Matando las piedras de St. Stephen" (1629), "Escenas de viejas historias"(1626) y "El bautismo del eunuco" (1626), incluso de manera brillante y sobrenaturalmente barvística, Rembrandt pintó cuidadosamente los detalles de la piel de la luz material. Quizás todos los héroes se paren frente a los espectadores en una quimera de adornos similares, mostrando maldad, lo que crea una atmósfera de mayoría, pompa y santidad.

En 1628, el artista de veinte años fue reconocido como el maestro “más famoso del mundo”, conocido como retratista.

En el cuadro “Yuda convierte a los Srebniks” (1629) – exclamaron las palabras del famoso pintor Kostyantin Huygens, secretario del estatúder Frederik Hendrik de Orange: “... con triple temblor compasivo el cuerpo es el eje al que doy prioridad la buena amapola para todas las horas.

Gracias a las conexiones con Kostyantin, Rembrandt posee una gran cantidad de misterios traviesos: por mediación de Hagens, el Príncipe de Orange obtiene del artista varias obras religiosas, como “Cristo ante Pilato” (1636).

El mayor éxito del artista llega a Ámsterdam. El 8 de junio de 1633, Rembrandt conoce a la hija de un rico burgués, Saska van Eylenburch, y gana su puesto en el matrimonio. El artista pintó la mayoría de sus lienzos durante una visita a la capital de los Países Bajos.

Ámsterdam: un puerto valiente y un lugar industrial, donde acudían bienes y maravillas de todo el mundo, donde la gente se enriquecía con el comercio y áreas bancarias, donde bromeaban directamente sobre las afueras de la Europa feudal y donde el bienestar de los posibles burgueses se combinaba con el mal opresivo, conecta con el artista.

El período de la obra de Rembrandt en Ámsterdam comenzó con un éxito rotundo, que le trajo "La lección de anatomía del doctor Tulp" (1632, La Haya, Mauritshuis), que cambió la tradición del retrato de grupo holandés. Una demostración esencial de quienes desean un artista, la profesión secreta de Rembrandt, contrastando la dramaturgia de una escena muy elevada, cuyos participantes son miembros del gremio de cirujanos, que escuchan a su colega y se involucran telectual y espiritualmente activamente en el proceso. de la investigación científica.

Rembrandt, infundido por la belleza de su ropa, también pintó a menudo retratos. Tres días después de la boda, van Rijn retrató a la mujer como una oveja con un capelus de ala ancha. Saskia apareció en las pinturas del holandés en un ambiente hogareño y tranquilo. La imagen de esta mujer de mejillas regordetas aparece en muchos lienzos, por ejemplo, la chica misteriosa del cuadro “Night Warta” recuerda mucho a la kohana del artista.

Los años veinte de Rembrandt fueron un período de fama, riqueza y felicidad familiar. Habiendo abandonado el lavado impersonal, habiéndose entregado a los estudios, sumergido apasionadamente en la colección de obras de pintores italianos, flamencos y holandeses, esculturas antiguas, minerales, algas, animales antiguos, objetos del misticismo nogo; Cuando trabajaba en pinturas, las colecciones de exhibiciones a menudo servían al artista como atrezzo.

Las obras de Rembrandt de este período son extremadamente diversas; Puedo hablarles sobre el sonido inocente, a veces doloroso, de la comprensión artística de lo espiritual y esencia social personas de su misma naturaleza y que demuestran tendencias inaccesibles, llevan paso a paso al artista a un conflicto con el matrimonio.

En retratos “para mí” y autorretratos, Mitets experimenta libremente con la composición y los efectos de luz, cambiando de tonalidad. chicle colorido, Vistiendo a sus modelos con ropas fantásticas o exóticas, diferentes posiciones, gestos, accesorios (“Flora”, 1634, San Petersburgo, State Hermitage).

El famoso cuadro fue pintado en 1635. historia bíblica“El Sacrificio de Abraham” fue muy apreciado por la comunidad secular.

En 1642 nació Van Rijn, quien canceló su contrato con la Asociación de Fusileros para realizar un retrato de grupo y decorar la nueva caseta con lienzos. La pintura recibió el título de “Nichna Varta”. El lienzo estaba obstruido por el hollín, y recién en el siglo XVII los descendientes se dieron cuenta de que la actividad que estalla en el lienzo ocurre todos los días.

Rembrandt describió minuciosamente los detalles de la piel de los mosqueteros que existen en Rusia: en el primer momento la hora se detuvo cuando la milicia emergió del oscuro patio, de modo que van Rijn los capturó en el lienzo.

Los viceministros no se dieron cuenta de que la pintura holandesa seguía los cánones desarrollados en el siglo XVII. Estos retratos grupales eran ceremoniales y los participantes representaban un rostro completo sin estática.

Se cree que esta pintura fue la causa de la quiebra del artista en 1653, como resultado de lo cual atrajo clientes potenciales.

Los cambios trágicos en la suerte particular de Rembrandt (la muerte de sus hijos recién nacidos, su madre, en 1642, la enfermedad y la muerte de Saskia, que lo privó de su hijo Tito de nueve mil años), la decadencia del desarrollo material a través de su Es Más fácil e innecesario sacrificar la libertad de espíritu y la creatividad por los ricos gustos de la burocracia y la desnudez es un conflicto importante entre el artista y el patrimonio.

Información sobre la vida privada de Rembrandt en la década de 1640. Se salvaron pocos documentos. Nicholas Mas, de Dordrecht, conoce bien este período de estudio. Quizás el artista siguió viviendo a lo grande, como antes. La familia de la difunta Saskia estaba preocupada por cómo habían resuelto sus asuntos. La niñera de Titus, Gertie Dirks, presentó una demanda contra Titus por violar las reglas; Por el bien de este incidente, el artista tuvo que volverse generoso.

Por ejemplo, en la década de 1640, Rembrandt se centró en su joven sirviente Hendrick Stoffels, una imagen que aparece en muchos retratos de ese período: (“Flora” (1654), “La mujer que se baña” (1654), “Hendra” " Ventana blanca" (1655). El consejo parroquial condenó a Hendrik por “matrimonio pecaminoso”, ya que en 1654 tuvo una hija, Cornelia, con el artista.

El artista dedica mucho tiempo a trabajar en retratos grabados del burgomaestre Jan Six (1647) y de otros destacados burgueses. Todos los métodos y técnicas de grabado se utilizaron en la preparación del grabado cuidadosamente decorado "Cristo que cura a los enfermos", más conocido como "Arkush con cien florines", tan magnífico para el siglo XVII. Este es el precio de venta. Encima, este grabado, que refleja la sutileza del gris marrón claro, fue trabajado durante los siete años comprendidos entre 1643 y 1649.

En 1653, debido a dificultades materiales, el artista transfirió todo lo que tenía a su hijo Tito, tras lo cual se declaró en quiebra en 1656. Después de la venta por 1657-58 rublos. budinki ta lane (se conserva un gran catálogo de las colecciones artísticas de Rembrandt) el artista se mudó a las afueras de Amsterdam, al barrio judío, después de terminar su vida.

La muerte de Tito en 1668 fue uno de los últimos golpes para el artista; El propio Yogo falleció a través del río.

Rembrandt Harmens van Rijn murió en 1669. Yomu Bulo 63 rocas. Era viejo, enfermo y casado. El notario no tuvo oportunidad de dedicar más de una hora a recopilar una descripción del camino del artista. La descripción fue breve: “tres sudaderas gastadas, todos los calcetines, diez boinas, accesorios para pintar, una Biblia”.

hacer artini

El turno del hijo pródigo

La famosa pintura es "El turno del hijo pródigo", una de las obras restantes de Rembrandt. Fue escrito en el momento de su muerte y se convirtió en la cima de su talento.

Esta es la pintura más grande de Rembrandt sobre un tema religioso. Cuadro de Rembrandt basado en la parábola del Nuevo Testamento sobre el hijo pródigo.

Escuchamos la parábola del hijo pródigo de Lucas en el Evangelio. Vaughn habla de un joven que perdió la cama de su padre y desperdició la recesión. En medicina, disolución y bebida, pasando los días sin emborracharse en el corral, comiendo de la misma corteza y de los cerdos. Constantemente en graves problemas, el joven recurre a su padre, dispuesto a convertirse en el último esclavo. En lugar de ignorancia, puedes encontrar una bienvenida real, en lugar de ira: un amor paternal tierno, profundo y que todo lo perdona.

1669 rublos. Rembrandt representa un drama humano ante los espectadores. Farbi yacen sobre el lienzo con trazos gruesos. El hedor es oscuro. Al artista no le importan otros personajes, déjalos ser y no pocos. Uvaga znovu prikuta do papa ta sina. Un anciano, encorvado por el dolor, atrocidades antes de mirar las acusaciones. Los ojos de esta persona están blancos y cansados ​​por llorar y, a menudo, tiene los dientes bien limpios. El pecado nos da la espalda. Se enterró como un niño en el padre regañado del rey. No sabemos cuál es su acusación. Ale tacones rotos, el cráneo desnudo del Volotsyuga, la pobre palabra es decir terminar. Como las manos del padre que aprietan los hombros del joven. A través de las manos tranquilas que perdonan y alientan, Rembrandt se eleva ahora para reconocer la parábola mundial sobre la riqueza, las adicciones y el vadi, la misericordia y el perdón. “...Me levantaré, iré donde mi padre y le diré: ¡Padre! He pecado contra el cielo y contra ti, y ya no soy digno de ser llamado hijo tuyo; recíbeme delante de tus mercenarios. Levántate y ve con tu papá. Y si aún estaba lejos, habiendo tratado a su padre, se volvió misericordioso; Y habiendo escapado, echándose sobre su cuello y besándolo”.

Otros 4 personajes aparecen en la imagen. Estas siluetas oscuras, que están claramente marcadas en los pulgones oscuros, y quiénes son, son un misterio. Dekhto los llamó "hermanos y hermanas" del personaje principal. Es característico que Rembrandt sea único en el conflicto: el artista habla de los celos del hijo de las orejas, pero la armonía del cuadro no se destruye de ninguna manera.

Van Gogh incluso dijo con precisión sobre Rembrandt: “Es necesario morir varias veces para pintar tan pequeño... Rembrandt penetra tan profundamente en el calabozo que puede hablar de objetos para los que no existe una palabra en la vida cotidiana. ¿Por qué a Rembrandt se le llama encantador? Y esto no es sólo un oficio.

Nichna Varta

El título, como se lo conoce tradicionalmente, corresponde al retrato de grupo de Rembrandt “El avance de la compañía de fusileros del capitán Frans Banning Cock y el teniente Willem van Ruytenburgh”, pintado en 1642.

El lienzo del maestro holandés esconde una serie de “sorpresas”. Se desprende claramente del hecho de que el nombre de la imagen, que nos resulta familiar, no refleja su eficacia: la patrulla, las imágenes que aparecen en ella, en realidad no son nada nuevas, sino sórdidas. Lo que pasa es que la obra de Rembrandt fue barnizada varias veces, lo que la hizo muy oscura. Además, durante al menos 100 años (desde principios del siglo XVIII hasta principios del XIX), el lienzo decoró una de las salas del Ayuntamiento de Ámsterdam, donde colgaba justo enfrente de la chimenea, el río cerca del El río estaba cubierto con un arco. No es de extrañar que ya antes mazorca XIX Durante un siglo, el nombre “Night Warta” estuvo firmemente establecido detrás de la pintura: en ese momento, la historia de esta creación fue olvidada en gran medida y todos coreaban que el maestro representaba la hora más oscura del día. Recién en 1947, durante la restauración en el Rijksmuseum de Ámsterdam, donde se conserva el cuadro hasta el día de hoy, quedó claro que su colorido era mucho más claro, pero se aceptó que era más importante. Es más, las frases cortas que arrojan los personajes indican las que ocurren entre el mediodía y los dos años del día de la derecha. Sin embargo, los restauradores no quitaron todo el barniz oscuro por temor a dañar la pintura, lo que mataría inmediatamente a Sutinkov.

El título correcto del lienzo es “La entrada de la compañía de fusileros del capitán Frans Banning Kok y el teniente William van Ruytenburg”. Este es un retrato grupal de milicianos mosqueteros de uno de los distritos de Ámsterdam. De 1618 a 1648, la Guerra de los Treinta asoló Europa y los nativos de las ciudades holandesas tomaron las armas para proteger sus hogares. Las obras de Rembrandt, junto con los retratos de otras compañías de fusileros, no bastan para decorar la sala principal de Klovenirsdoleni, el cuartel general de los fusileros locales. Todos los diputados quedaron decepcionados: el retrato ceremonial de Rembrandt no era un retrato ceremonial monumental, sino una pintura de género, y el hedor fue detectado por la fuerza por individuos poderosos, la mayoría de las veces medio ocultos por otros personajes. ¡Vamos! Incluso el artista tiene 18 familiares (vestidos de cuero para su retrato, unos 100 florines de oro, una gran suma en aquella época) y apretuja a otras 16 personas sobre el lienzo. Se desconoce quién apesta.

Museo – Ámsterdam museos historicos?

Tres crestas

Uno de los famosos grabados de Rembrandt, hay cinco etapas. Sólo el tercero está firmado y fechado, por lo que Rembrandt ha decidido prestar atención a los del medio. El quinto campamento es incluso raro, al parecer sólo hay cinco ejemplares.

El grabado representa el dramático momento de la muerte de Cristo en la cruz del Calvario, descrito en los Evangelios. En este grabado, Rembrandt utilizó la técnica del corte y las “uñas secas” a una escala sin precedentes, lo que realzó el contraste de la imagen.

2 Senos 2008 en la subasta de Cristo, este grabado (etapa IV) se vendió por 421.250 libras esterlinas.

Znyattya z khresta

En 1814, Alejandro I adquirió la galería Malmaison, que le pertenecía, a la emperatriz Josefina. Algunas de las pinturas eran similares a las de la famosa galería de Kassel, incluida la exposición "Crecido desde la cruz". Anteriormente, estas pinturas estaban en posesión de Madame de Roover en Delft y, junto con otras pinturas de la colección, fueron adquiridas por el Landgrave de Hesse-Kassel Luis VII. En 1806, la galería fue enterrada por Napoleón y entregada a Josefina.

El defensor del Landgrave de Hesse-Kassel Luis VII, gran aliado de Alejandro I, presentó en 1815 al emperador una solicitud para la devolución de los cuadros enterrados por Napoleón. Esto fue decididamente rechazado por Alejandro I, quien pagó una miseria por las pinturas y mostró en todos los sentidos el respeto de Josefina y su hija Hortensia. En 1829, Hortense, que entonces ostentaba el título de duquesa de Saint-Leu, compró treinta cuadros similares a los de la galería Malmaison.
El tema de la “Revelación de la Cruz” es pequeño en el misticismo europeo y en la gran tradición iconográfica. La pintura del altar de Rubens en la catedral de Amberes, ampliamente vista gracias al grabado de Worstermann, fue la más admirada.

El pensamiento creativo de Rembrandt sigue aquí esta tradición, vikorystas y, al mismo tiempo, ganando constantemente otros caminos. Inusual en el avanzado desarrollo del misticismo europeo, el hedor es aún más característico del especial estilo creativo de Rembrandt, y no en vano “La toma de la cruz” recuerda tanto a “Los Nevers del apóstol Homi”.
Rubens describió el dolor de un grupo de grandes y hermosas personas por un gran y hermoso héroe; La turbulenta escena nocturna de masas de Rembrandt. Numerosas figuras aparecen ahora en la oscuridad, luego desaparecen en la luz, y parece que ahora se desploman, vivas, juzgando la crucifixión y las travesuras de su madre. No hay nada ideal en la apariencia de las personas, muchas de ellas son groseras y feas. Parece que son aún más fuertes, pero más bien gente corriente, no iluminada por esta catarsis presentada, como en el cuadro de Rubens.

Cristo muerto es un ser tan humano, como un hedor; Las fuerzas mismas de este dolor, sufrimiento y muerte adquieren un significado especial. La clave para reemplazar la imagen tal vez no sea tanto Cristo como aquel que levanta y presiona la mejilla de una persona.
Desde el punto de vista artístico de Drobov, aparece una composición inquieta y pintura famosa Rubens, y los robots activos del propio Rembrandt, que se conocen al mismo tiempo. Por ejemplo, la parte menos significativa de “Never the Apostle Homi” parece más armoniosa. Sin embargo, en “El amanecer de la cruz”, el poder de Rembrandt sobre el tema bíblico y evangélico emerge más claramente.

La obra del joven Rembrandt sigue el modelo de su prototipo con dibujos básicos. Para nosotros, no fue creada ni formal ni esencialmente como una antigua imagen de oración. El tamaño de las oficinas de las direcciones no se corresponde con el público en general, sino con la experiencia individual. Esta brutalización hasta el punto de un aparente conocimiento de una persona, el establecimiento de un estrecho contacto espiritual con el espectador, impulsó al artista a crear un nuevo sistema de habilidades y técnicas artísticas. Rembrandt describió la escena de la leyenda del Evangelio como trágica. verdadera esperanza, reduciendo fundamentalmente el patetismo místico y heroico.

Llevando al límite de la amplitud y la veracidad de la imagen, Rembrandt mostró la densa multitud de personas, abrumadas por el dolor, que bromean sobre su conflictividad una a una antes de una muerte terrible. El color tonal marrón oliva impregna toda la composición, y el flujo de luz revela un centro semántico dramáticamente central. La mayor profundidad del sufrimiento está imbuida de la imagen de la Madre de Dios, que cayó sin siquiera atisbarla en la peor apariencia de trabajadora. En el extremo izquierdo de la espaciosa diagonal se encuentra otro grupo de dolientes: las mujeres extienden con reverencia el sudario y envuelven sus vendas rectas según la edad de la muerte. El cuerpo de Cristo, sostenido por lo viejo, - la infusión de carne humana atormentada - nos clama como en un sueño profundo.

Niña judía se llama

Una de las pinturas restantes y más misteriosas de Rembrandt. Fue nombrado así por el coleccionista de Ámsterdam Van der Hop en 1825. Respetó respetuosamente el hecho de que en sus imágenes hay un padre que le da mucha diversión a nuestra hija judía. Posiblemente, este sea el retrato principal, aunque algunos de los personajes son claramente similares al antiguo, el bíblico, que en el nombre del título era como Artajerjes y Ester, Jacob y Raquel, Abram y Sara, Booz y Rut.

Saskia como Florya

Un cuadro de Rembrandt, pintado en 1634, que, muy probablemente, representa el séquito del artista Saska van Eulenbuch en la imagen de la antigua diosa italiana de las flores, el florecimiento, la primavera y los frutos silvestres de la flora.

En 1633, Saskia van Eylenburch pasó a ser el nombre de Rembrandt van Rijn. El encantador retrato de la joven Saskia realizado por la elegida Florya es silencioso, pero es un testimonio promocional de la “época de primavera y khanya” del brillante pintor.

Pensativa, o invariablemente feliz, la apariencia de la niña parece totalmente coherente con la de su prometido. Ya no hay ningún niño sueco que pueda maravillarse ante la luz de Dios sin un turbo. Se enfrenta a un serio desafío: ha tomado un nuevo camino y tiene muchas posibilidades de cambiar de opinión y cambiar de opinión antes de entrar en su vida adulta. Luciendo un tocado y un bastón, señala con locura a Flora, la antigua diosa romana de la primavera. La descripción de la diosa fue escrita con notable maestría, pero acorde con el gran talento de Rembrandt, la expresión de ternura es evidente en la forma en que el artista la retrató.

El amado escuadrón trajo ligera felicidad y prosperidad al trasero del modesto artista. A Rembrandt le encantaba vestir a Saska con oxamita, costura y brocado, al mismo tiempo, salpicada de diamantes y perlas, observando con amor cómo juega su encanto, juvenil ante la feliz elección.

Museo – Ermita Soberana

estilo Z

Profundamente humanista en su esencia y completamente en su forma artística única, la creatividad de Rembrandt se convirtió en una de las cimas del desarrollo de la civilización humana. Las obras de Rembrandt, variadas en género y tema, están imbuidas de ideas de moralidad, belleza espiritual y el valor de una persona excepcional, la comprensión de la inevitable complejidad de su luz interior, la riqueza de su riqueza telektualnogo, experiencias espirituales glibini yogo. Derritiéndose ante misterios sin resolver, las pinturas, pequeños y grabados de este maravilloso artista se sustentan en las penetrantes características psicológicas de los personajes, las ventajas filosóficas de la acción, la absoluta veracidad de las decisiones artísticas insatisfactorias. Esta interpretación de historias de la Biblia, mitos antiguos, recuentos antiguos y el pasado de la tierra natal como una comprensión real de la historia de las personas y los matrimonios, acontecimientos de la vida profundamente relevantes de personas específicas en. Permitió una interpretación libre y ricamente significativa de imágenes y temas tradicionales.

Kohanna de Rembrandt

La famosa musa de Rembrandt Saskia era la joven hija del burgomaestre de la ciudad de Leeuwarden. Este mineral blanco y rojo creció en la gran y muy próspera patria. Cuando la niña cumplió 12 años, la madre de la familia falleció. La niña, como antes, no sabía lo que llevaba puesto, y cuando llegó el momento, se convirtió en una prometida incluso envidiable.

El artista característico del artista conoció al primo de la joven, el artista Hendrik van Eulenburg, que hasta entonces había sido anticuario. Rembrandt está literalmente enamorado de una chica: piel delicada que brilla, cabello dorado... Permítanme continuar manteniendo una conversación tranquila. Zhartoma instó a cierto pintor a pintar su retrato. Y eso es todo lo que necesitamos: Saskia es un modelo ideal para los sujetos de Rembrandt en tonos oscuros y apagados.

Rembrandt comienza a pintar un retrato. Siempre se comunica con Saska durante las sesiones. Según su principio, se utiliza para hacer fortuna en paseos elegantes y fiestas especiales. Una vez finalizado el trabajo del retrato y asentadas las partes de la ardilla, Rembrandt lo comprende: el eje es aquel con quien quieres ser amigo. En 1633, el nombre de la artista se convirtió en Saskia van Eulenburgh, y el 22 de junio de 1634 surgieron muchas cosas divertidas.

El camino de Saska abre el camino del artista. mayor matrimonio. El padre burgomaestre privó a su amada de una pérdida colosal: 40.000 florines. Con una pequeña porción de esta cantidad se podría pasar mucho tiempo sin problemas.

Felizmente, los recién casados ​​comenzaron a limpiar los dormitorios. Poco después comencé a adivinar el museo. Las paredes estaban decoradas con grabados de Miguel Ángel y pinturas de Rafael. Saskia servía para cualquier cosa, realmente amaba al hombre. Y ésta, por su cuenta, la cubrió de ropa, pagando los sanitarios más caros. Me di cuenta, habiendo decidido tomar una fotografía de mi imagen favorita. Se podría decir que Rembrandt se convirtió en su propio cronista. vida familiar. El primer día de luna de miel de su amigo, se pintó el famoso “Autorretrato de Saska de rodillas”.

En 1635, nació el primer hijo en la misma familia, aunque vivió poco tiempo, lo que fue un duro golpe para la joven madre.

Vona no quería separarse del cuerpo de su hijo por mucho tiempo, ahuyentó a todos, sin soltar al niño muerto. Su desafortunada madre caminaba con él por la casa, charlando y llamándolo con todos los dulces nombres con los que solía llamar a Rembrandtus durante sus primeros días felices.

Rembrandt se dio cuenta de que además de pasar tiempo delante del caballete, podía vivir sin Saskia. Sólo con ella te sientes humano: es un trabajo vivir y sólo amas a Saska y a nadie más.

Tras la muerte de Rembranthus, Saskia pasó dos días más cuidando a sus hijos en presencia del pueblo. Sólo un cuarto hijo, Titus, que nació en 1641, pudo vivir los importantes destinos de la infancia. El niño les pidió que respondieran el acertijo sobre la fallecida Ticia, la hermana de Saskia.

Sin embargo, las lentas cortinas tuvieron un efecto perjudicial en la salud de Saskia. Cuando el artista pinta paisajes como los de la década de 1630, explica que en aquella época, debido a la enfermedad de sus compañeros, Rembrandt estaba a menudo detrás de escena con ella. Hay muy pocos retratos de la década de 1640.

Saskia van Eulenburgh murió en 1642. Fue hace más de treinta años. Trunya parecía estar viva...

Durante esta hora, Rembrandt estaba trabajando en el famoso cuadro “Nichna Varta”.

Casa Museo de Rembrandt

Museo de Arte en la calle Jodenbreestraat, cerca del barrio judío de Ámsterdam. El museo abrió sus puertas en 1911 en Budinka, donde Rembrandt alcanzó la cima de la fama en 1639 y donde vivió hasta su quiebra en 1656.

A lo largo de sus 20 años de vida (de 1639 a 1658) en la calle Jodenbrestraat, Rembrandt pudo crear muchas obras hermosas, hacerse famoso, coleccionar una colección única de pinturas y rarezas de todo el mundo, añadir a los estudiosos, las rosas pasan el Acampa el primer escuadrón, envía a los principales subcomandantes, recluta grandes borgs y déjalos ir a la cabina con un martillo.

Rembrandt también tuvo la oportunidad de vender la mayor parte de su lujosa colección de pinturas y antigüedades, que incluía obras de grandes artistas europeos, bustos de emperadores romanos e incluso cofres de guerra japoneses, además de Ir al lugar humilde. Habiendo sobrevivido a ambos escuadrones y a la muerte de su poderoso hijo, Rembrandt murió en la pobreza y en sí mismo.

Dos siglos y medio después, en 1911, por orden de la reina Guillermina, los edificios se transformaron en un museo que, por ejemplo, es similar al Museo Van Gogh: en primer lugar, no es una galería de arte, sino una galería actualizada. apartamento del gran artista: una magnífica cocina en Según la primera versión, el dormitorio principal y el dormitorio de invitados están en el otro, el espacio más grande de la mansión es un estudio en el tercero, y en la colina está la habitación principal de sus estudiantes.

El entrevistador proporcionó una descripción adicional de la mina, elaborada por el notario en el momento de la subasta de toda la mina del artista, y de las pequeñas del propio artista, en qué vinos describió su vida.

Aquí podrá ver algunas de sus características especiales, muebles del siglo XVII y otras magníficas piezas expuestas al nivel de un grabador de alta calidad o rarezas extranjeras.

El museo exhibe todos los grabados del gran Rembrandt: 250 de 280, los maravillosos autorretratos del artista, los pequeños que representan a su padre, el escuadrón y el hijo de Titus, las maravillosas vistas de Ámsterdam y sus alrededores.

Particularmente digno de mención es el baño del museo: allí se pueden ver los pequeños de Rembrandt con un tema similar: una mujer sentada entre los arbustos y un hombre de pie en una posición característica de ese objeto en particular.

Rembrandt: todo lo que necesitas saber sobre el famoso artista holandés actualizado: 13 de noviembre de 2017 por: sitio web

"Flora" (1641, Dresde)

La parábola del rico (1627, Berlín)

Facturación de 30 sribnyaks de Yuda (1629, colección privada)

Autorretrato (1629, Boston)

Jeremías llora la ruina de Jerusalén (1630, Ámsterdam)

Retrato de un anciano (1631, Hermitage)

Ana la profetisa (1631, Ámsterdam)

Apóstol Petro (1631, Israel)

Tormenta en el mar de Galilea (1663, Boston)

Autorretrato de Saskiy (1635, Dresde)

Benquet de Belsasar (1638, Londres)

Predicador y su escuadrón (1641, Berlín)

“Saski con el capelus rojo” (1633/1634, Kassel)

Niebla Kamyaniy (1638, Ámsterdam)

Retrato de María Trip (1639, Ámsterdam)

Sacrificio de Manoa (1641, Dresde)

Divcina (1641, Varsovia)

Ronda de noche (1642, Ámsterdam)

Sagrada Familia (1645, Ermita)

Flora (1654, Nueva York)

El turno del hijo pródigo (bl. 1666-69, Hermitage)

Saskia (1643, Berlín)

Zmova Yulia Civilisa (1661, Estocolmo)

Una joven se prueba unos pendientes (1654, Hermitage)

Síndicos (1662, Ámsterdam)

Nombrado judío (1665, Amsterdam)

Retrato de Maertena Soolmansa (1634, colección privada)

Alegoría de la música. 1626. Ámsterdam.

Auto retrato
Martín Lauten
Un hombre con un vestido similar.

Retrato de Hendrickje Stofells

***

Auto retrato
Remolque, sospecho del escuadrón de ladrones. 1626. Ámsterdam.
El asno de Balaam. 1626. París.
Sansón y Dalila. 1628. Berlín.
Yuna Saksia. 1633. Dresde.
Saxia van Eylenburch. 1634. Ámsterdam.
Retrato de Jan Utenbogart. 1634. Ámsterdam.
Flora. 1633-34. Ermita. San Petersburgo.
Vikingo de Ganímedes 1635. Dresde.
Cegamiento de Sansón 1636. Frankfurt am Main. El sacrificio de Abraham. 1635. Ermita. San Petersburgo
Andrómeda.1630-1640. La Haya.
David y Jonofan.1642. Ermita. San Petersburgo.
Mlyn.1645. Washington.
Bodegón con pavo real. Década de 1640. Ámsterdam.
Retrato de un viejo guerrero. 1632-34. Los Angeles.
Susana y anciano.1647. Berlín-Dahlem.
Lyudina en Golden Sholom. 1650. Berlín-Dahlem.
Aristóteles de un busto de Homero. 1653. Nueva York.
Virsheba. 1654. Museo del Louvre. París.
Retrato de Jan Sixto. 1654. Ámsterdam.
Zvinuvachennya Josipa. 1655. Washington.
Hendrik, ¿por qué entrar por el río? 1654. Londres.
Bendición de Jacob.1656. Kassel.
Recitación del apóstol Pedro. 1660. Ámsterdam.
La ventana blanca de Hendrick.1656-57. Berlina.
El evangelista Mateo es un ángel. 1663. Museo del Louvre. París.
Frederic Reel a caballo.1663. Londres.
Retrato de una anciana. 1654. Ermita. San Petersburgo.
Zmova Bataviv.1661-62. Estocolmo.
Retrato de Jeremías Dekker.1666. Ermita. San Petersburgo.
Autorretrato.1661. Ámsterdam. Rembrandt Harmens van Rijn(Rembrandt Harmensz van Rijn) (1606-1669), pintor, pintor y grabador holandés. La creatividad de Rembrandt, adoptada de la profunda comprensión filosófica de la vida, la luz interior de personas con una gran riqueza de experiencias espirituales, marca el pináculo del desarrollo de la mística holandesa del siglo XVII, uno de los picos de esa cultura artística. La brillantez artística de Rembrandt se revela en su diversidad: pintó retratos, naturalezas muertas, paisajes, escenas de género, pinturas basadas en temas históricos, bíblicos y mitológicos, Rembrandt maestro nunca antes visto pequeño y grabado. Tras un breve estudio en la Universidad de Leiden (1620), Rembrandt decidió dedicarse al misticismo y comenzó a pintar con J. van Swanenburch en Leiden (hacia 1620-1623) y P. Lastman en Amsterdam (1623); en 1625-1631 ejercieron en Leiden. Las pinturas de Rembrandt del periodo de Leiden están marcadas por el espíritu de independencia creativa, aunque en ellas también hay una importante infusión de Lastman y los maestros del caravaggismo holandés (“Traído al templo”, hacia 1628-1629, Kunsthalle, Hamburgo). En las pinturas "Apóstol Pablo" (hacia 1629-1630, Museo Nacional, Nuremberg) y "Simeón en el templo" (1631, Mauritshuis, La Haya), la luz se utilizó por primera vez como una forma de realzar la espiritualidad y las diferencias emocionales en las imágenes. En la iglesia, Rembrandt trabajó minuciosamente en el retrato, capturando las expresiones faciales del rostro humano. En 1632, Rembrandt se mudó a Ámsterdam y de repente se hizo amigo de la rica patricia Saskia van Eylenburgh. La década de 1630 es un período de felicidad familiar y de gran éxito artístico para Rembrandt. El cuadro "La lección de anatomía del doctor Tulp" (1632, Mauritshuis, La Haya), en el que el artista resolvió de forma innovadora el problema del retrato de grupo, impartiendo una inocencia vital a la composición y uniendo los retratos en una sola figura, amplió a Rembrandt. popularidad Sí. En los retratos pintados sobre cuadros, Rembrandt van Rijn transmitió cuidadosamente la apariencia, la vestimenta y el costo (cuadro “Retrato de un burgrave”, 1636, Galería de Dresde).

Existen grandes diferencias en la composición del autorretrato de Rembrandt y los retratos de personas cercanas a él, en quienes el artista experimentó audazmente con la búsqueda de la diversidad psicológica (autorretrato, 1634, Louvre, París; “Saskia Smiling”, 1633 , Galería de imágenes, Dresde). Durante este período, habiendo completado el famoso “Autorretrato de Saskov” o “Feliz Pareja”; cerca de 1635, Galería de Arte, Dresde), que rompe audazmente con los cánones artísticos, que se ve como una composición viva sin término medio, una manera libre de pintar, una tonalidad mayor, llena de luz, una gama deliciosa.

Las composiciones bíblicas de la década de 1630 ("El sacrificio de Abraham", 1635, Hermitage estatal, San Petersburgo) llevan la huella de la pintura barroca italiana, que se manifiesta en la dinámica cada vez mayor de la composición ї, la nitidez de los ángulos, la luz. contrastes de colores. Un lugar especial en la obra de Rembrandt de la década de 1630 lo ocupan las escenas mitológicas, en las que el artista sonreía ante los cánones y tradiciones clásicos (“El asedio de Ganímedes”, 1635, Pinacoteca, Dresde).

Para alegrar las opiniones estéticas del artista, se utilizó la monumental composición "Dana" (1636-1647, State Hermitage, San Petersburgo), en la que entra en polémica con los grandes maestros del Renacimiento: la figura desnuda de Dana, Far De los ideales clásicos, ahora somos orgullosamente realistas indiscriminadamente, pero con la belleza ideal físico-sensible de las imágenes de los maestros italianos, contrastando la belleza de la espiritualidad y la calidez de la sensibilidad humana. Durante este período, Rembrandt trabajó extensamente en las técnicas de aguafuerte y grabado (“La mujer ocupada”, 1631; “El vendedor de los jodidos”, 1632; “La pareja Mandrivna”, 1634), creando una manera sonriente y elegante. aceitunas yunks.

En la década de 1640, se estaba gestando un conflicto entre la creatividad de Rembrandt y las exigencias estéticas interconectadas del matrimonio cotidiano. Apareció por primera vez en 1642, cuando la pintura "Night Warta" (Rijksmuseum, Ámsterdam) provocó protestas de los viceministros, que no aceptaron la idea principal del maestro: en lugar del tradicional retrato de grupo, creó una composición heroica. Detrás de escena, el gremio de arqueros se encuentra detrás de la señal de alarma. . en esencia, un cuadro histórico que despierta pistas sobre la lucha libre del pueblo holandés. La marea de las palabras de Rembrandt se desvanece y el entorno de su vida queda oscurecido por la muerte de Saskia. La creatividad de Rembrandt pierde su efecto exterior y sus anteriores notas de mayoría. Escribe sobre la calma, la calidez y la intimidad de las escenas bíblicas y de género, revelando matices sutiles de las experiencias humanas, una intimidad aparentemente espiritual y controvertida (“David y Jonathan”, 1642, “St. family”, 1645, - resentimiento en Hermitage, St. . Petersburgo.

Cada vez es más importante, tanto en la pintura como en la gráfica de Rembrandt, un sutil juego de colores claros que crea una atmósfera especial, dramática y cargada de emociones (la monumental lámina gráfica “Cristo que cura a los enfermos” o “Arkush cien florines ", alrededor de 1642-1646); y paisaje de dinámica de luz "Tres árboles", aguafuerte, 1643). La década de 1650, que para Rembrandt incluyó experiencias de vida difíciles, marca el período de madurez creativa del artista. Rembrandt se está expandiendo cada vez más hacia el género del retrato, representando a las personas más cercanas a él (numerosos retratos de otro de los amigos de Rembrandt, Hendrik Stoffels; "Retrato de una anciana", 1654; State Hermitage, San Petersburgo; "Sin Titus en Reading, ” 1 657, Museo de Historia de los Misterios, ).

Cada vez más artistas añaden imágenes de gente sencilla, de ancianos, para servir a la sabiduría inculcada de la vida y la riqueza espiritual (llamado “Retrato del escuadrón del hermano del artista”, 1654, Museo Estatal misterios de creación de imágenes, Moscú; "Retrato de un anciano vestido de rojo", 1652-1654, Hermitage, San Petersburgo). Rembrandt respeta la apariencia de sus manos, flotando en la oscuridad con una luz suave y rosada, la expresión facial helada y pegadiza disipa el flujo de pensamientos y sentimientos; A veces, trazos de lápiz ligeros y a veces pastosos crean la superficie de la imagen, que brilla con tonos claros y brillantes.

A mediados de la década de 1650, Rembrandt conocía el arte maduro. Los elementos de luz y color, independientes y a menudo inspirados en las primeras obras del artista, ahora fluyen juntos de manera mutuamente consistente. La masa caliente de color marrón rojizo, luego ardiente y luego temblorosa, de farbi portador de luz, que se apaga, realza la expresividad emocional de las obras de Rembrandt, a pesar de que brillan con la calidez de los sentimientos humanos. En 1656, Rembrandt se convirtió en un comprador desesperado y todo se vendió en una subasta. Se mudó al barrio judío de Ámsterdam, donde se ganó la vida al margen de un entorno tranquilo. Creadas por Rembrandt en la década de 1660, las composiciones bíblicas fomentan su comprensión del sentido de la vida humana. En episodios que expresan la combinación de oscuridad y luz. alma humana(“Assur, Haman and Esther”, 1660, DMII, Moscú; “The Fall of Haman” o “David and Uriya”, 1665, Sovereign Hermitage, San Petersburgo), la paleta está impregnada de calidez, la pincelada es pastosa, el estilo de escritura es intenso, la sombra y la luz son intensas, la textura plegable de la superficie barvy revela historias complejas y experiencias emocionales, afirmación del triunfo del bien sobre el mal.

Se adopta la pintura histórica "Zmova de Julius Civilis" ("Zmova de Batavius", 1661, fragmento conservado, Museo Nacional, Estocolmo) con sus cualidades dramáticas y heroicas. En los últimos días de su vida, Rembrandt creó su obra maestra: la pintura monumental "El turno del hijo pródigo" (hacia 1668-1669, State Hermitage, San Petersburgo), que encarnaba todas las cuestiones artísticas y morales y éticas del obra posterior del artista. Con maestría hostil, crea en un todo nuevo una gama de sentimientos humanos complejos y profundos, consistentes finca artística revelando la belleza de la comprensión, el canto y el perdón humanos. El momento culminante de la transición de la tensión al colmo de la pasión se siente en poses escultóricamente expresivas, gestos tacaños, en un tono emocional, que arde brillantemente en el centro de la imagen y el fondo, que se desvanece en el espacio sombreado. El gran artista, pintor y grabador holandés Rembrandt van Rijn murió el 4 de junio de 1669 cerca de Ámsterdam. El fluir de la mística de Rembrandt fue magnífico. Muchos estudiosos le atribuyen la creatividad, incluidos los más cercanos a la comprensión del lector Carel Fabricius, y el mundo del artista holandés menos importante. Se ha producido el mayor influjo del misticismo de Rembrandt en el desarrollo de todo el misticismo realista mundial.

¿Por qué es famoso Rembrandt Harmens van Rijn? Mi nombre puede ser visible en la piel. pueblo santificado. Se trata de un talentoso artista, grabador holandés, un perfecto maestro de la ligereza, uno de los mayores representantes de la edad de oro, una época destacada de la pintura holandesa, que cayó en el siglo XVII. Sobre la vida y obra de este superdotado y la publicación del artículo.

camino de mazorca

Rembrandt van Rijn vino a este mundo en 1606 rock. Nacido en la familia de una posible luna de miel. Yo era el noveno hijo, el más pequeño de la familia. Los padres de Yogo fueron consagrados. Pronto se dieron cuenta de que el niño estaba dotado por naturaleza de inteligencia y talento, y en lugar de artesanía decidieron llevarlo "a la ciencia". Entonces Rembrandt fue a la escuela latina, comenzó a escribir, leer y leer la Biblia. A la edad de 14 años se graduó con éxito de la escuela y se convirtió en estudiante de la Universidad de Leiden, que en ese momento era famosa en toda Europa. Los jóvenes eran los mejores en pintura y nuevamente los padres demostraron sabiduría y visión de futuro. Los apestosos sacaron a mi hijo de la universidad y lo enviaron a estudiar con el artista Jacob Isaac Svanenburch. Tres años más tarde, Rembrandt van Rijn logró el éxito en el campo de la pintura, y el propio Peter Lastman, que se había convertido en un fanático de la escuela de pintura de Ámsterdam, se dedicó a desarrollar su talento.

Afluencia de autoridades

Las primeras obras de Rembrandt van Rijn estuvieron moldeadas por la influencia de autoridades como el maestro de pintura holandés Pieter Lastman, el artista alemán Adam Elsheimer y el artista holandés Jan Lievens.

La severidad, la austeridad y el respeto por los detalles, el poder de Lastman, son claramente visibles en obras de Rembrandt como "El golpe de las piedras de San Esteban", "El bautismo del eunuco", "Una escena de la historia antigua". , “David ante Saúl”, “Alegoría de la Música”.

Jan Lievens es amigo de Rembrandt y trabajó codo a codo con él en su estudio de 1626 a 1631. Sus robots tienen mucho para elegir y sus estilos son tan similares que, según los estudiosos místicos, las manos de los maestros a menudo se confunden.

El héroe de nuestro artículo está guiado por Adam Elsheimer, quien comprende la importancia de la ligereza para transmitir el estado de ánimo y las emociones en el lienzo. La infusión del pintor alemán es claramente evidente en las obras "La parábola de las riquezas insensatas", "Cristo en Emaús", "Simeón y Ana en el templo".

Mostrando individualidad. Éxito

En 1630, Harmen van Rijn murió y fue separado por los hermanos mayores de Rembrandt. El joven artista trabajó una hora más en la oficina del maestro de su padre y luego, a las 16.31, se fue feliz a Ámsterdam.

En la capital del reino organizó un taller y comenzó a especializarse en el arte del retrato. El dominio de la alta luminosidad, las expresiones faciales características, la singularidad del modelo de piel: todo esto caracterizó la formación del estilo especial del artista. Rembrandt van Rijn comenzó a alejarse del mercado de masas, logrando el éxito comercial.

En 1632, la familia decidió realizar un retrato de grupo. Como resultado, el mundo empezó a leer "La lección de anatomía del Dr. Tulpa". La obra es ingeniosa, ya que Rembrandt rechazó un gran pago, ya que esto lo glorificaba y, en última instancia, confirmaba la madurez creativa del artista.

Musa

A la hora de su visita social, un joven artista de moda representará a la alcaldesa de la ciudad, Saskia. No tanto el presente de la muchacha (no era famosa por su belleza, aunque era bonita y alegre), sino la cuantiosa dote de Rembrandt, y poco después de conocerse, los jóvenes se hicieron amigos, y luego se hicieron amigos. La amistad permitió que el héroe de nuestro estatus se marchara durante la mayor parte del matrimonio.

Los jóvenes vivían bien. Rembrandt van Rijn pintó retratos anónimos de sus amigos y ella también convocó a la creación de la obra maestra de Dan. Tu llegada a esa hora fue enorme. Compró una mansión en la zona más prestigiosa de Ámsterdam, la equipó con muebles lujosos y creó una gran colección de obras de arte.

La puta dio a luz a cuatro hijos, a excepción de su pequeño hijo Titus en 1641. En 1642, Saskia murió de una enfermedad. Parece que se llevó consigo la suerte del maestro.

Alabado sea extinguido. los problemas de la vida

A partir de 1642, el destino del artista traza un destino malvado. Rembrandt Van Rijn alcanza el florecimiento de su talento. Sus lienzos, sin embargo, son cada vez menos populares, a medida que los diputados y estudiantes pierden gradualmente su popularidad. Los biógrafos explican en parte el precio del taxímetro: se le anima categóricamente a seguir el ejemplo de sus asistentes y hacer lo que le diga su corazón. Otro motivo de la extinción de la gloria del gran pintor es, no en vano, su maestría y virtuosismo, que los habitantes no pudieron comprender ni apreciar.

La vida de Rembrandt está cambiando: poco a poco pasa de una lujosa mansión a una modesta casita en las afueras de la ciudad. Continuará gastando enormes cantidades de dinero en la creación de la mística, lo que le llevará a la quiebra total. Los asuntos financieros están en manos del hijo mayor Titus y Hendrik, la hija de Rembrandt, con quien tuvo una hija, Cornelia.

"La compañía del capitán Frans Baning Cock": un lienzo de 4 metros, el cuadro más grande del maestro, "Mujer, por qué se baña", "Flora", "Tito con la boina roja", "Adoración de los pastores". - esta es la obra del maestro, escrita por él en un período importante de su vida

vida de la creación

Ud. Por las rocas restantes La vida de Rembrandt van Rijn, cuya biografía se publica en el artículo, alcanzó la cima de su creatividad. Se adelantó dos siglos a sus contemporáneos y transfirió las líneas de desarrollo de la mitología del siglo XIX a la era del realismo y el impresionismo. La característica destacada de sus obras posteriores es el monumentalismo, la composición a gran escala y la claridad de las imágenes. Los cuadros "Aristóteles con el busto de Homero" y "Zmova Julia Civilis" son especialmente característicos de esta actitud. Los lienzos "El cambio del hijo pródigo", "Artajerjes, Amán y Ester" y "El nombre de los judíos" están impregnados de un profundo drama. El maestro escribió muchos autorretratos con los destinos restantes de su vida.

Rembrandt van Rijn, cuyas pinturas son verdaderas obras maestras de la mística, murió en 1969. Hubo funerales tranquilos en la iglesia Westerkerk de Ámsterdam. Sólo fue apreciado por unos pocos cientos de personas.

Rembrandt Harmens van Rijn: pinturas de genios

Durante su corto viaje por la Tierra, Rembrandt pintó alrededor de 600 cuadros, creó alrededor de 300 aguafuertes (grabados sobre metal) y quizás 1.500 pequeños. La mayor parte de su obra se conserva en el Rijksmuseum - Museo de Arte de Ámsterdam. Hallazgos de su lienzo:

• "Lección de anatomía" (1632).
• "Autorretrato de Saska" (1635).
• "Dana" (1636).
• "Nichná Varta" (1642).
• "El turno del hijo pródigo (166(7?)).

Rembrandt es uno de los más grandes artistas de la historia. Nadie ha podido jamás replicar su estilo característico. Los talentos de este talentoso hijo de Miroshnik se vieron privados de su inestimable destrucción: obras maestras del misticismo mundial.