Гуманізм ідейний зміст епохи. Характерні риси гуманізму. Поняття «Відродження» та періодизація епохи

культура гедонізм відродження

Термін «гуманізм» походить від латинського «humanitas» (людяність), вживалася ще в I ст. до н.е. відомим римським оратором Цицероном (106-43 до н. е.). Для нього humanitas - це виховання і освіту людини, що сприяє його піднесенню.

Як напрямок в культурі, гуманізм виник в XIV столітті в Італії і поширився в Західній Європі з XV століття. Відродження, або Ренесанс (від фр. Renaitre - відроджуватися) стало однією з найяскравіших епох в розвитку європейської культури, що охоплює майже три сторіччя із середини XIV ст. до перших десятиліть XVII в. Це була епоха великих змін в історії народів Європи. В умовах високого рівня міської цивілізації розпочався процес зародження капіталістичних відносин і криза феодалізму, відбувалося складання націй і створення великих національних держав, з'явилася нова форма політичного устрою - абсолютна монархія, формувалися нові суспільні групи - буржуазія і найманий робочий люд. змінювався і духовний світлюдини. Людина епохи Відродження був охоплений жагою самоствердження, великих звершень, активно включався в громадське життя, заново відкривав для себе світ природи, прагнув до глибокого її розуміння, захоплювався її красою. Для культури Відродження характерно світське сприйняття і осмислення світу, утвердження цінності земного буття, величі розуму і творчих здібностей людини, гідності особистості. Ідейною основою культури Відродження став гуманізм.

Родоначальником гуманізму одностайно вважається поет і філософ Франческа Петрарка (1304-1374). Петрарка був першим великим гуманістом, поетом і громадянином, який зумів прозріти цілісність перед возрожденческих течій думки і об'єднати їх в поетичному синтезі, що стала програмою прийдешніх європейських поколінь. Своєю творчістю він зумів прищепити цим прийдешнім різно племінним поколінням Західної і Східної Європи свідомість - нехай не завжди чітке - такого собі духовної і культурної єдності, доброчинність якого позначається і в сучасний наше століття. Всесвітньо відомою стала багаторічна історія любові Петрарки до Лаури, виражена поетом в прекрасному циклі канцон і сонетів, опублікованих під назвою «Книга пісень». Ця книга, а також інші поетичні твори Петрарки справили на сучасників настільки велике враження, що ще за життя він визнавався одним з видатних поетіві був увінчаний лавровим вінком.

У його творчості - початок багатьох шляхів, якими йшов розвиток ренесансної культури в Італії. У трактаті «Про невігластві власному та багатьох інших» він рішуче відкидає притаманну Середньовіччя схоластичну вченість, по відношенню до якої демонстративно проголошує своє нібито невігластво, бо вважає таку вченість абсолютно марною дня людини його часу. Однак Петрарки не тільки поет, а й своєрідний і цікавий мислитель, філософ. Саме він першим в Європі сформулював ідеї гуманізму, почав говорити про необхідність відродження античного духу, ідеалів античності. Недарма вже спочатку XV в. писали: «Франческа Петрарка був першим, на кого зійшла благодать, він визнав і усвідомив і вивів на світло витонченість стародавнього стилю, втраченого і забутого». Гуманізм приніс в етичну думку визнання саме цінності людської особистості і земного життя. Звідси поступово розвинулися ідеї щастя, справедливості і рівності людей. Свідомо чи несвідомо, але гуманістичне протягом доби Відродження сприяло утвердженню прав особистості і, зокрема, визнання права на щасливе життя. Не варто дивуватися, що в подальшому гуманізм органічно трансформувався в людинолюбство, яке пропагує м'якість у відносинах, співчуття, милосердя, дружелюбність, а згодом і терпимість до інакомислячих. Багато філософські течії ввібрали в себе риси гуманізму. Гуманізм як явище виявився історично змінюється системою поглядів. Зародившись в мистецтві, він відкрив дорогу науці, науково-технічної революції, сприяв економічному буму, освіті, соціальним перетворенням і революцій.

Гуманізм, який ознаменував собою нову еру в розвитку людського суспільства під назвою епоха Відродження. в ті часи перебувала під важким тягарем церковних забобонів, усяка вільна думка жорстоко придушувалася. Саме в той час у Флоренції і зародилося філософське вчення, що змусило поглянути на вінець творіння Божого по-новому.

Гуманізм епохи Відродження - це сукупність навчань, що представляють людини мислячого, що вміє не тільки плисти за течією, а й здатного чинити опір і діяти самостійно. Основним його напрямом є інтерес до кожного індивідуума, віра в його духовні і фізичні можливості. Саме гуманізм епохи Відродження проголосив інші принципи формування особистості. Людина в цьому вченні представляється як творець, він індивідуальний і не пасивний в своїх думках і вчинках.

Нове філософський напрямок взяло за основу античну культуру, мистецтво і літературу, акцентувавши увагу на духовну сутність людини. У середні століття наука і культура були прерогативою церкви, яка дуже неохоче ділилася накопиченими знаннями та досягненнями. Гуманізм епохи Відродження відкрив цю завісу. Спочатку в Італії, а потім поступово і по всій Європі стали утворюватися університети, в яких, поряд з теософскими науками, стали вивчати і світські предмети: математику, анатомію, музику і гуманітарні предмети.

Найвідомішими гуманістами є: Данте Аліг'єрі, Джованні Боккаччо, Франческо Петрарка, Леонардо да Вінчі, Рафаель Санті та Мікеланджело Буанаротті. Англія дала світові таких гігантів, як Вільям Шекспір, Френсіс Бекон. Франція подарувала і Іспанія - Мігеля де Сервантеса, а Німеччина - Альбрехта Дюрера і Ульріха фон Гуттена. Всі ці великі вчені, просвітителі, художники назавжди перевернули світогляд і свідомість людей і показали людини розумної, красивого душею і мислячого. Саме їм зобов'язані всі наступні покоління за подаровану можливість поглянути на світ інакше.

Гуманізм в епоху Відродження на чолі всього поставив чесноти, якими володіє людина, і продемонстрував можливість їх розвитку в людині (самостійно або за участю наставників).

Антропоцентризм відрізняється від гуманізму тим, що людина, згідно з цим течією, є центром світобудови, а всі, що розташовується навколо, має служити йому. Багато християн, озброївшись цим вченням, проголосили людини вищим створенням, при цьому зваливши на нього і найбільший тягар відповідальності. Антропоцентризм і гуманізм епохи Відродження дуже істотно різняться між собою, тому потрібно вміти чітко розмежовувати ці поняття. Антропоцентріст - це людина, яка є споживачем. Він вважає, що йому все зобов'язані чим-небудь, він виправдовує експлуатацію і не замислюється над знищенням живої природи. Його основним принципом є наступний: людина має право жити так, як йому хочеться, а решта світу має служити йому.

Антропоцентризм і гуманізм епохи Відродження були в подальшому використані багатьма філософами і вченими, такими як Декарт, Лейбніц, Локк, Гоббс та інші. Ці два визначення неодноразово бралися за основу в різних школах і течіях. Найзначнішим, звичайно, для всіх наступних поколінь став гуманізм, в епоху Відродження посіяв насіння добра, освіти і розуму, які ми і сьогодні, через кілька століть, вважаємо найважливішими для людини розумної. Ми, нащадки, насолоджуємося сьогодні великими досягненнями літератури і мистецтва Ренесансу, а сучасна наука ґрунтується на багатьох навчаннях і відкриттях, які зародилися в XIV столітті і існують досі. Гуманізм епохи Відродження спробував зробити навчити його поважати себе і оточуючих, а наше завдання - зуміти зберегти і примножити кращі його принципи.

Періодизація епохи Відродження. антропоцентризм - Головна ідеяРенесансу. Петрарка і Боккаччо - засновники нового світогляду. Макіавеллі і його твір «Государ». Мор і Кампанелла - засновники утопічного комунізму. Відкриття в природничо області. Піко делла Мірандола і Альберті - виразники думки про гідність людини. Мистецтво Відродження: живопис, скульптура, архітектура.

Відродження (франц. ренесанс;італ. Ріначіменто)- це період, а також гуманістичний рух в історії європейської культури, яке знаменує кінець середньовіччя і початок сучасності. Ренесанс виник в Італії в XIV ст., Поширився в західних країнах (Північне Відродження) і досяг найбільшого розквіту в середині XVI ст. До кінця XVI- початку XVII ст. помітний занепад Ренесансу, званий маньеризмом.

В епоху Відродження на перше місце піднімається людина, його індивідуальність. Душа воскресає в кожній людині, і світ сприймається нею світліше, яскравіше і радісніше, ніж в середньовіччі. Нова ідея сколихнула людство. Духовну енергію, яка накопичувалася протягом довгих середньовіччя, а дух стримував її всередині людської оболонки, епоха Відродження звільнила, розкріпачила і як би вдихнула в твори мистецтва, науки і філософії. На п'єдестал культури піднялася індивідуальність. Ренесанс відкрив людське «Я» і його велич. Нескінченний світ людина змогла побачити в собі як власний внутрішній світ. Антропоцентризм став провідною і головною ідеєю світогляду епохи Відродження.

Початок Відродження в Італії пов'язано з іменами письменників Петрарки і Боккаччо, розвивали традиції Данте в збагаченні мови «дольче стиль нуово» ( «солодкого нового стилю») і народного - «вульгарний».

Світські настрою, що намітилися в соціальній психології і моралі, стали однією з характерних рис духовної атмосфери, в якій формувалися гуманістичні ідеї. Народження нового світогляду, який став ідейним знаменням ренесансної культури, більшість дослідників пов'язують з ім'ям Франческо Петрарки, який кинув сміливий виклик схоластичної науці. У творчості Петрарки лежить початок багатьох шляхів, якими йшов розвиток ренесансної культури в Італії. Схоластики, заснованої на формально-термінологічному методі, Петрарка протиставляє наукове знання, що спирається на життєвий досвід, накопичений практикою людського буття; щастя в «Граді Божому» - земне людське щастя; духовної любові до Бога - піднесену любов до земної жінки.

Ідеї, які відображені в «Декамерон» Дж. Боккаччо, - це прославлення земних радощів, рівність людей незалежно від їх походження. У цьому творі також відображена думка про те, що шляхетний чоловік не за своїм соціальним походженням, а тим, які вчинки він робить.

Однією з головних ідей «Декамерона» є любов до себе. Вона приводила читача до підвищення ролі власної особистості. Показова в цьому відношенні канцони, яку заспівала одна з героїнь, коли були розказані новели першого дня: «Я від краси моєї в такому чарівність». Канцона говорить про безмежну любов до самого себе. Йдеться про насолоду багатствами: тілесними, душевними, духовними, своєї особистості. У цій канцоні відбилася епоха, вона відкрила людське «Я» як чудо з чудес.

Розвитку літератури сприяло відкриття друкарства (1450-і рр.). Це було велике винахід, яке дозволило значно збільшити видання книг, на відміну від листування їх в скрипторіях, а також вивести з-під монополії церкви нові тиражі.

Духовенство все більше стало втрачати свій авторитет і позиції. Критичне ставлення до Біблії нідерландського гуманіста Еразма Роттердамського (1469-1536) та інших мислителів внесло революційний внесок в розвиток Реформації. «Похвала глупоті» Еразма активно вплинула на зміну ставлення до Церкви і існуючим звичаям у суспільстві. А в творі «Зброя християнського воїна» були сформульовані християнські моральні принципи для проведення політики сучасного государя, що є, за його словами, «слугою народу». Зміні світогляду опутствовалі кровопролитні війни. Це призвело до відділення ряду європейських країн від католицизму, тобто до появи різних форм протестантизму. Відкрито проти єдиновладдя духовенства виступив у своїй книзі «Государ» Макіавеллі (1469-1527). Він вважав, що незважаючи на те, що республіка є найбільш прогресивною формою правління, в сформованій політичній ситуації роз'єднання і розбратів в Європі вона непридатна. Об'єднати народ в єдину державу зможе лише сильна государ. Він повинен бути при цьому наділений цілковитої влади, бути «сильним як лев і хитрим як лисиця», застосовувати всі можливі засоби для утримання влади в своїх руках, бо велика «мета виправдовує засоби». «Батогом і пряником» він повинен завоювати любов народу, змусити поважати себе за силу і владу. У своїй книзі Макіавеллі закликав до того, щоб церква займалася тільки духовними питаннями, вихованням моральності, а державна влада повністю повинна стати світською. Такі заяви Макіавеллі були настільки єретичними, сміливими і зухвалими, що йому дивом вдалося уникнути багаття інквізиції. Але слово, що відбиває потреби бурхливо розвивається дійсності, було сказано, і за ним пішли історичні події.

Ганс Гольбейн молодший. Дурість, що спускається з кафедри. Серія малюнків «Похвала глупоті».

Роздуми про справедливо влаштованому державі в епоху Відродження спричинили створення цілого соціального спрямування - утопічного комунізму. Його представниками стали Томас Мор (1478-1535) і Томмазо Кампанелла (1568-1639).

У своєму творі «Утопія» (в перекладі - місце, якого ніде немає) Мор, а потім і Кампанелла в «Місті Сонця» обгрунтовують тезу соціальної справедливості на християнських принципах моралі. Всі громадяни їх держав повинні осязательно працювати, мати обмежений робочий день, не мати приватної власності, користуватися спільно виробленими благами, сприяти стирання межі між «містом і селом», сприяти суспільному вихованню дітей і максимального прояву індивідуальних здібностей. І Мор, і Кампанелла розуміли, що високого рівня прогресу суспільства можна домогтися за активного сприяння держави в розвитку наук, техніки і духовності. Епоха Відродження давала яскравий приклад цьому.

Ідея необхідності знання законів природи в другій половині XV ст. глибоко впроваджується в науки, тепер уже не тільки гуманітарні. Багато відкриття в науці, зроблені в цей період, змінили життя людства, сприяли міжкультурної комунікації. Географічні відкриття (в їх числі і відкриття Америки Колумбом в 1492 р) створили передумови для колонізації Африки, Азії, Нового світла і розвитку торгівлі з ними. Початок же XVI в. відноситься до часу розквіту епохи великих географічних відкриттів, результатом яких стала карта світу, який ми її сьогодні знаємо. З цього часу докорінно змінився характер контактів народів різних континентів світу.

Природознавство стало в XV в. осередком вільнодумства, збагативши гуманістичний світогляд поряд сміливих і оригінальних ідей. Важливою ланкою в осягненні навколишнього світу був визнаний досвід, науковий експеримент, що зміцнило реалістичні тенденції в ренесансному підході до світу і людині.

Але затверджувалися вони нелегко, часом вимагаючи в жертву переконання і людське життя. Так в книзі Миколи Коперника «Про обертання небесних сфер», вперше в світі містилося геліоцентричне навчання - основа сучасних уявлень про будову Сонячної системи. Микола Коперник (1473-1543) - великий польський астроном. Він уникнув суду інквізиції і її багаття, тільки завдяки природної смерті. Він обезсмертив своє ім'я тим, що відмовився від загальноприйнятої, старої і панувала в його час системи Клавдія Птолемея, згідно з якою Земля-центр Всесвіту і основа світобудови. Коперник вважав, що Земля - ​​це звичайнісінька планета і обертається навколо Сонця. Над вченням він трудився близько тридцяти років, знову і знову перевіряючи свою фантастичну ідею. Він був ревний католик, обережна людина, саме тому не поспішав з публікацією рукописи. Коперник отримав перший екземпляр своєї праці в день смерті, 24 травня 1543 г. Він присвятив книгу Папі, Святішому повелителя, великого понтифіка Павлу III, і писав, звертаючись до нього, в передмові: «Я досить добре розумію, Святіший Отець, що, як тільки деякі дізнаються, що в цих моїх книгах, написаних про обертання світових сфер, я надав земній кулі деякі рухи, вони негайно ж з криком ганьбитимуть мене і такі думки. Чи не до такої ж міри мені подобаються мої твори, щоб не звертати уваги на судження про них інших людей. Але я знаю, що роздуми людини-філософа далекі від міркувань натовпу, так як він займається пошуком істини в тій мірі, як це дозволено Богом людського розуму ... Мене, довго зволікав і навіть виявляв небажання, захопили мої друзі. Вони говорили, що чим безглуздіше в даний час здасться багатьом моє вчення про рух Землі, тим більше воно здасться дивним і заслуговує подяки після видання моїх творів, коли морок буде розвіяний яснейшімі доказами ». * У цей час церква була прямо зацікавлена ​​в реформі календаря, і близький друг Коперника єпископ вважав, що церква зацікавлена ​​мати правильно встановленої послідовністю часу і теорією в науці про рухах.

* Цит. За кн. : Владимиров С. В., Волков В.А.Розум проти догми. М., 1982. С. 50.

На зміну обережного і мудрому Копернику прийшли захоплені і палкі пропагандисти його справи Джордано Бруно і Галілео Галілей. Частково завдяки їм в 1582 році була проведена календарна реформа, і понині всі ми живемо за Григоріанським календарем, відповідному розрахунками Коперника.

Але тільки на початку 1960-х гг.в церковних колах розгорілася дискусія з вимогою реформ. Невідповідність канонів католицької церкви і реальному життібуло вже не страхітливим, а просто смішним. 14 червня 1966р. на II Ватиканському соборі Індекс заборонених книг, в який входила і книга Коперника «Про обертання небесних сфер», був скасований. Проіснувавши понад 400 років, він зіграв свою негативну роль, гальмуючи прогрес науки і філософської думки так, як тільки міг.

Епоха Відродження в цілому породила багатьох геніїв, пасіонаріїв, як назвав би їх Л. Н. Гумільов, - людей, в яких жила неймовірна енергія таланту і життя. Серед титанів, породжених епохою Відродження, людство свято зберігає імена, які дала Італія: Леонардо да Вінчі, Рафаеля, Мікеланджело, Тиціана, політичного діяча Макіавеллі, філософів Альберті, Бруні, Валла, Фичино, Миколи Кузанського), зодчих Брунеллески і Браманте, Франція подарувала історії Рабле і Монтеня, Англія - ​​Мора, Бекона, Сіднея, Шекспіра. Іспанія - Сервантеса, Польща - Коперника. Німеччина - Беме, Мюнцера, Кеплера. У творах всіх цих авторів є думка про те, що гармонійність створеного світу виявляється скрізь: в діях стихій, хід часу, положенні зірок, природі рослин, тварин.

Культура епохи Відродження відбиває синтез рис античності і середньовічного християнства, а світоглядною основою секуляризації культури виступає гуманізм. Він проявляється і у вченні про «гідність людини» Манетти (1396-1459), і у вченні про «свободу волі» Лоренцо Валла (1407-1457), і в поглядах на людину як мікрокосм Піко делла Мірандоли (1463-1494). Гуманістичний антропоцентризм проявляється також і в філософському вченні Миколи Кузанського і пантеїзмі Фичино і Джордано Бруно.

Альбрехт Дюрер.Большая голова Христа.

Рафаель

Всі італійське мистецтво 15-16 ст. в самій своїй суті перейнято гармонією, грацією, почуттям міри; розум і логіка панують в ньому над почуттям, смиряють самі нестримні пориви. І є художник, при цьому з найбільших у всій світовій історії, який знайшов точку опори для своїх найвищих устремлінь.

Цей художник - Рафаель. Син художника і поета - гуманіста, Рафаель Санті рано досяг вищих почестей. Уже й самих ранніх його творах помітні зачатки нового ідеалу.

Прикладом цього може служити «Мадонна Конестабиле». Це одна їх смаих ранніх у Рафаеля втілень образу Мадонни, який обіймав в його мистецтві важливе місце. На відміну від майстрів 15 століття, в картині молодого Рафаеля намітилися нові якості, коли гармонійне композиційне побудова не тільки не сковує образи, а, навпаки, сприймається як необхідна умова того відчуття природності і свободи, які вони породжують.

У ще більш високій мірі ці якості позначилися в кращому з його ранніх творів - «Зарученні Марії», в якій дуже наочно проявилося майстерність художньої організації всіх елементів картини.

Творчий прогрес Рафаеля був настільки швидким, що майстерня Перуджіно стала для нього занадто тісною. У 1504 році художник перебрався до Флоренції. Він із захопленням вивчає створення таких майстрів як Леонардо і Мікеланджело. Мистецтво для Рафаеля полягає в тому, щоб представити з усією очевидністю і досконалою ясністю істини теології та історії. З точки зору живописця, мистецтво повторює акт божественного одкровення. Правильність зображуваних форм Рафаель виводить не з ідеальних уявлень, а з життєвого досвіду. Прекрасне є не що інше, як краще серед того, що існує в природі і відшукується шляхом відбору і порівняння.

В цілому успіхи Рафаеля у Флоренції були настільки значними, що зробили його ім'я широко відомим. У 1508 році його запрошують в Рим до папського двору. Ставши як би офіційним живописцем папського двору, він мимоволі наближається в своїх творах до вираження всеосяжного релігійного ідеалу, - ідеалу неземної, мирної краси і загальної гармонії душі і тіла.

Рафаелю були доручені розписи апартаментів тата - так званих станиць (тобто кімнат). Кращі з ватиканських фресок Рафаеля належать до найбільших створінням ренесансного мистецтва. Вони дають можливість простежити основні закономірності еволюції творчості Рафаеля і мистецтва цього періоду в цілому.

Натомість міфології, який прикрашав ці стіни, Рафаель відразу вніс сюди атмосферу Відродження. У чотирьох великих композиціях він зобразив алегорично Релігію, Мистецтво, Філософію і Право.

Кожна з фресок - апофеоз вічної краси. Кожна - апофеоз щастя людини, перетвореного, возносящегося душею і думкою до божества. Важко знайти в історії мистецтв будь-якої іншої художній ансамбль, який виробляв би враження такої образної насиченості в плані ідейному і зображально-декоративному, як ватиканські станиці Рафаеля. На відміну від Леонардо Рафаель томит нас своїми таємницями, чи не ламає своїм всевидением, а ласкаво запрошує на ладиться земної красою разом з ним.

«Рафаель усвідомлював, - пише Вазарі, - що в анатомії він не може досягти переваги над Мікеланджело. Як людина великого розуму, він зрозумів, що живопис не полягає тільки в зображенні голого тіла, що її піклування ширше ... Не будучи в змозі зрівнятися з Мікеланджело в цій галузі, Рафаель постарався зрівнятися з ним в інший ».

Рафаель прагнув до вищого синтезу, до променистому завершення всього, що було перед ним, і це синтез він знайдений і втілений.

Минуле зливається з сьогоденням. Поети класичної давнини спілкуються з поетами Відродження ( «Парнас»). Світському і церковному законодавству віддається хвала ( «Юриспруденція»).

Але найкращою фрескою станиць і найбільшим творомРафаеля взагалі слід визнати «Афінську школу». Композиція ця - одне з найяскравіших свідчень торжества в ренесансному мистецтві гуманістичних ідей і їх глибоких зв'язків з античною культурою. Образ же досконалої людини знайшов конкретне вираження це - Аристотель.

На картині великий портик в стилі ренесанс. На вершині широких сходів стоять поруч Платон і Аристотель, зайняті суперечкою. Платон - представник ідеалізму - вказує рукою на небо. Він схожий на біблійного пророка. Аристотель, навпаки, простягає руку вниз, вказуючи на землю, і як би доводячи, що основою системи повинно служити вивчення явищ природи на землі.

Аристотель - найпрекрасніше творіння землі. Його обличчя, повернене в бік Платона, на тлі пливуть хмар, світиться розумом і добротою. Спокій, помірність, справжня сила, що повеліває людськими пристрастями, відображені в його образі. Ідеальний тип людини, народжений натхненням Бальдассаре Кастільоне і генієм Рафаеля вознесений до істинного досконалості, знайшов в ньому найбільш незбиране, закінчене уособлення.

З усіх боків ці фігури оточені групами філософів, учених і учнів. Вони жадібно вслухається в диспут двох великих вчителів, інші зайняті своїми суперечками. Особливу рельєфність придбали характеристики дійових осіб.

Тут фігурують різні школи. Піфагор, Геракліт, Демокріт, Сократ і т.д. Неможливо перелічити всіх зображених тут в живих і виразних позах.

Вся картина являє собою цілий світ науки, філософії і буде вічно викликати захват і здивування глядача незвичайною красою гармонійного цілого і що лежить на ній печаткою натхненного автора.

Як і раніше, важливе місце в тематиці Рафаеля займав образ Мадонни. Флорентійські мадонни Рафаеля - це і прекрасні, миловидні, зворушливі й чарівні юні матері. Мадонни, створені ним в Римі, тобто в період повної художньої зрілості, набувають інших рис. Це вже володарки, богині добра і краси, які обіцяють світу ту натхненну гармонію, яку вони собою висловлюють. «Мадонна в кріслі», «Мадонна з рибою», «Мадонна дель Фоліньо» та інші, знаменують нові пошуки Рафаеля, його шлях до досконалості у втіленні ідеального образу Богоматері.

«Сикстинська Мадонна» (так названа по імені монастиря, для якого був написаний цей вівтарний образ) - сама знаменита картинаРафаеля.

Марія йде по хмарах, несучи свою дитину. Слава її не підкреслена. Ноги босі. Але як володарку зустрічає її, ставши навколішки, тато Сікст, одягнений у парчу, святая Варвара опускає очі з благоговінням, а два янголятка спрямовують вгору мрійливо-замислений погляд.

Вона йде до людей, юна і велична, щось тривожне затамувавши у своїй душі; вітер колише волосся дитини, і очі його дивляться на нас, на світ з такою великою силою, немов він бачить і свою долю, і долю всього людського роду.

Це не реальність, а видовище. Недарма сам художник розсунув перед глядачами на картині тяжка завіса. Видовище, що перетворює реальність в велич речей, мудрості і красі, видовище піднесене душу своєю абсолютною гармонією, підкорює і облагораживающее нас, то саме видовище, якого прагнула і знайшла, нарешті, Італія Високого Відродження у мрії про кращий світ.

У погляді ж Сікстинської Мадонни є щось таке, що немов дозволяє нам зазирнути їй в душу. Вона дивиться не на нас, а повз або крізь нас, - є відтінок тривоги і того виразу, яке з'являється у людини, коли йому раптом відкривається його доля. Драматизм образу матері оттеняется в його єдності з образом немовляти Христа, якого художник наділив недитячою серйозністю і прозорливістю.

«Сикстинська Мадонна» дає наочний приклад, властивий рафаелевскіх образам рухів і жестів. У русі її рук, несучих немовляти, вгадується інстинктивний порив матері, що притискає до себе дитину, і разом з тим відчуття того, що син її не належить тільки їй, що вона несе його в жертву людям.

Рафаель вирвав образ Мадонни з вузької сфери католицьких поглядів і втілив його в плоть і кров. З іншого боку, в красі людини він знайшов божество.

Стан душі, вже покинула землю і гідною неба, є глибоке, постійне відчуття, піднесене, постігнувшей таємниці неба, безмовне, незмінне щастя, яке все полягає в словах: відчуваю і знаю!

«Сикстинська Мадонна» - втілення того ідеалу краси і добра, який погано надихав народну свідомістьв століття Рафаеля і який Рафаель висловив до кінця, розставивши завісу, той самий, що відокремлює буденне життя від натхненною мрії, і показав цей ідеал світу, всім нам і тим, хто прийде після нас.

Творчість Рафаеля мало великий вплив на розвиток європейського живопису. Чи справедливі слова, що належать одному художника Кастільоне: «закінчилася його перша життя: його друге життя - в посмертної його слави - триватиме вічно в його творах і в тому, що будуть говорити вчені в його хвалу».

Ренесанс відкинув філософію, що спирається па поняття людини-раба і протиставив іншу філософію, що спирається на поняття людини-владики, людини, що пізнає і підкорює світ (С. Д. Артамонов).

Мистецтво Відродження виникло в умовах перехідного часу від феодалізму до капіталізму. У міру подальшого утвердження капіталістичних відносин в Європі культура Відродження неминуче повинна була розпастися. Її розквіт був пов'язаний з тим періодом, коли підвалини феодального суспільного укладу життя і світовідчуття були, особливо в містах, грунтовно розхитані, а буржуазно-капіталістичні відносини ще не склалися в усій їх торговельної прозаичности, з усією їх підлої «мораллю» і бездушним лицемірством.

На першому етапі Відродження особиста праця ремісника, особливо в області виробництва предметів домашнього вжитку, ще не був повністю витіснений, знищений мануфактурою; підприємливий купець або банкір не перетворився ще в безликий придаток до свого капіталу. Особиста кмітливість, сміливість, спритність не втратили ще свого значення. Тому цінність людської особистості визначалася не стільки «ціною» її капіталу, але і її дійсними якостями. Активну участь кожного городянина в суспільного життястворювало особливо сприятливі обставини для розквіту особистості діяльної, повної енергії.

На зміну критеріям церковної моралі, ідеалу людини середньовіччя (ченцю-аскету або воїну-лицареві «без страху і докору») приходить ідеал яскравої сильної особистості, яка прагне до щастя на землі, охопленої пристрасним прагненням розвинути і затвердити творчі здібності своєї активної натури.

Величезне значення у формуванні культури Відродження мало звернення до великого спадщини античності, в повному обсязі втраченим ще в середньовічній Європі. Пафосом античної культури стало радісне і пристрасне прагнення до пізнання реального світу в усьому його чуттєвому чарівності. Але образ людини Відродження з самого початку відрізнявся більшою індивідуалізацією і психологічної конкретністю, ніж в мистецтві античної класики.

У XVI ст. в Італії вперше з'явився термін гуманіст, а в XIX ст. - гуманізм (в перекладі з латинської «людяність:»). Представники нового (напрямки цими термінами хотіли показати світський характер своєї павуки і літератури, звільнення їх від засилля богослов'я.

Красою природних людських почуттів, поезією реального людського життя пронизане все мистецтво Відродження XV- XVI ст.

В архітектурі ідеали життєствердного гуманізму, прагнення до гармонійно ясною красою форм проявилися в спорудах світського призначення. Ратуші, лоджії, ринкові фонтани, будинку піклування отримують особливо широке поширення і набувають підкреслено монументальний і світський характер. Яскравим прикладом архітектури нового типу може служити Виховний будинок італійського зодчого Філіппо Брунеллески (1377-1446). Побудований у Флоренції. Його відкрита в бік площі колонада з красивими напівциркульними арками висловлювала привітність і гостинність.

Поряд з цивільної архітектурою, яка обслуговує громадські інтереси міста, складається зовсім новий вид архітектури. Житло багатого бюргера перетворюється в монументальний, пронизаний духом святкової життєрадісності палац - палаццо. Палаццо поряд з ратушами і храмами в значній мірі визначали архітектурне обличчя ренесансного міста в Італії.

Особливе значення мало звернення до античної ордерної системи, розумність, логічність побудови архітектурної споруди, виявлення тектонічної логіки будівлі. Не менше значення мала і гуманістична основа ордерної системи, співвідносність її масштабів і пропорцій з масштабами і пропорціями людського тіла.

Учень і послідовник Брунеллески Леон Баттіста Альберті (1404-1472) розробив планомірне застосування античних ор-Дерова і показав у своїй споруді палаццо Руччелаи у Флоренції способи їх застосування і поєднання.

Дуже характерно для Відродження широке звернення до святково-урочистим архітектурних споруд, на тлі яких виступає в монументальних скульптурних і живописних творах образ людини, що панує над світом або активно бореться в ньому для досягнення своїх цілей. Звідси і земної, світський характер, властивий більшості церковних споруд, що створюються в Італії протягом XV-XVI ст.

Яскравим прикладом цього може служити собор св. Петра в Римі. Спроектований великим італійським зодчим Донато д "Анджело Браманте (1444-1514) у вигляді центрально-купольного споруди у формі грецького хреста із закругленими гілками, потужним сферичним куполом над средокрестием, собор повинен був представляти абсолютно новий тип католицькою храму, де простір переважає над масою, створюючи незвичайний ефект «легкості» і легкості споруди. Після смерті Браманте в спорудженні собору брали участь майже всі відомі архітектори, що знаходилися в Римі в першій половині XVI ст. Будівництво його набувало особливого значення у зв'язку з прагненням тат зміцнити позиції католицизму і папської держави. Будівля повинно було затьмарити собою руїни язичницьких храмів і попередні йому християнські споруди.

У 1546 р керівництво будівництвом собору перейшло в руки великого генія італійського Відродження Мікеланджело Буонарроті (1475-1564). Незважаючи на багато зміни, привнесені в проект попередниками, Мікеланджело досяг більшої неподільності всієї композиції, де основне місце (центральний купол з барабаном, оточеним колонадою) отримало безумовне переважання над другорядними осередками споруди (чотири малих куполи). Таким чином, Мікеланджело повернувся до центричного плану, в чому проявилося торжество гуманістичних ідеалів.

Якщо в Італії розрив із середньовічною архітектурою носив більш відкритий і послідовний характер, то на північ від Альп (Нідерланди, Німеччина) новий тип архітектури ренесансного міста створювався в основному шляхом переробки готичної архітектури в дусі більшої гармонійності і підвищеної святковості форм.

В епоху Відродження мистецтво відігравало виняткову роль в культурі і визначало, в значній мірі, обличчя епохи. Окремі цехи, змагаючись один з одним, прикрашали храми і площі прекрасними творами. Представники багатьох патриціанських пологів як з особистого честолюбства і політичного розрахунку, так і з прагнення до повноти насолоди своїми багатствами споруджували чудові палаци, будували дорогі громадські споруди, влаштовували для громадян пишні святкові видовища і ходи.

Художники, скульптори, архітектори, рухомі духом благородного змагання, прагнули в своїх творах досягти найбільшого досконалості.

Характерною рисою мистецтва епохи Відродження з'явився небувалий розквіт реалістичного живопису. Живопис вперше розкриває закладені в ній можливості широкого охоплення життя, зображення діяльності людини і навколишнього його середовища.

Захоплення наукою сприяло оволодінню анатомією людини, розробці реалістичної перспективи, першим успіхам у справі передачі повітряного середовища, майстерності побудови ракурсів, т. Е. Необхідну суму знань, які дозволили художникам реалістично правдиво зображувати людину і навколишнє його дійсність. Тому геніальний художник Леонардо да Вінчі був і великим ученим. А роботи кращих вчених і мислителів були не тільки пройняті духом своєрідною поезії і образності, як наприклад, у француза Френсіса Бекона в його «Новому Органоне», але часто потаємна суть поглядів цих учених на суспільство висловилася в формі художньої літератури ( «Утопія» Томаса Мора ).

Італійські вчені висунули ідеал універсальної людини, що володіє основними знаннями в усіх галузях культури. Властива Ренесансу ідея універсалізму привела також до думки про культуру загальнолюдської, що долає вузькі рамки країн і націй. «Той, хто всьому вивчився, ніде не чужий; навіть без стану і друзів він - громадянин будь-якого міста і сміливо може зневажати все мінливості долі », - писав Гіберті, один з гуманістів XV в.

Мистецтво Відродження вперше в історії реалізму знайшло шлях до створення образу, в якому поєднувалося яскраве розкриття індивідуального своєрідності особистості з виявленням найбільш типових і характерних якостей людини. Реалістичний портрет Відродження нерозривно пов'язаний з періодом його найвищого розквіту, з іменами ван Ейка, Леонардо да Вінчі, Рафаеля, Дюрера, Тиціана. Портрет Відродження пронизаний пафосом утвердження особистості, свідомістю того, що різноманітність і яскравість індивідуальності її є необхідна умова нормально розвивається.

Вирішуючи нові за своїм характером завдання, живопис розвивала і вдосконалювала свої технічні засоби. Широкий розвиток, особливо в Італії, в монументальному живописі отримала фреска (Джотто, Мазаччо, Рафаель, Мікеланджело). Майже повністю зникла мозаїка, що досягає багатьох колірних ефектів, але менш пристосована для реалістичної передачі обсягів і форм. Техніка темпери, особливо в мистецтві раннього Відродження, досягає свого найвищого досконалості.

До найбільшим створінням ренессанского мистецтва належать ватиканські фрески Рафаеля. Загальна ідейна програма фрескових циклів в станцах (кімнатах) Ватикану, за задумом папи Юлія II, повинна була служити прославлянню авторитету католицької церкви і її глави - римського первосвященика.

Тема розпису станці делла Сеньятура (кімната підпису - тут скріплювалися печаткою папські укази) - чотири області духовної діяльності людини. Богослов'я представляє фреска «Диспут», філософію - «Афінська школа», поезію - «Парнас», правосуддя - «Мудрість, Помірність і Сила».

Кращою фрескою станц і найбільшим твором Рафаеля взагалі слід вважати «Афінську школу». Знамениті філософи минулого - Діоген, Зенон, Сократ, Піфагор, Платон і Аристотель - уособлюють собою світ творчої творчої енергії в ім'я духовної свободи і пізнання Всесвіту.

Подальший розвиток станцовой живопису, інтерес до пластично виразної ліплення форми, а також пробуджений в. 20-30-і рр. XVI ст. інтерес до емоційно загострене мазку викликали збагачення техніки олійного живопису. В її розвитку особливу роль зіграли майстри Північного Відродження: Ян ван Ейк, Рогир ван дер Вейден, Боутс, Ієронім Босх і т. Д.

У XVI ст. техніка олійного живописустає панівною. Найбільшими майстрами цієї техніки були представники венеціанської школи: Джорджоне, Тіціан, Веронезе, Тінторетто.

Розширення кола споживачів мистецтва привело, особливо в північних країнах Європи, до розквіту гравюри. Удосконалюється гравюра на дереві, різцева гравюра па металі, зароджується і досягає своїх перших успіхів офорт. Гравюра і офорт зайняли значне місце в творчості Рембрандта, Дюрера, Гольбейна і Брейгеля.

Велике значення для розквіту гравюри мало відкриття і широке поширення друкарства. Гравюра широко використовувалася для художнього оформлення та ілюстрування друкованої книги. Ряд видавців у Італії, Нідерландах, Німеччині, Франції створює неповторні за своїм високій майстерності художні видання. Французький юрист Де Ту писав: «Франція більш зобов'язана Роберу Етьєну, вдосконалять-вавшего книговидавництво, ніж найбільшим полководцям, що розширив її кордони».

Відносно кола сюжетів образотворче мистецтво Відродження в основному продовжує звертатися до традиційних мотивів, почерпнутих з християнських міфів і сказань, широко доповнюючи їх сюжетами з античної міфології.

Великий художник німецького Відродження Альбрехт Дюрер писав, посилаючись на авторитет античних майстрів: «Не вбивайте зі зла благородного мистецтва, яке було знайдено і накопичено з великим трудом і старанням. Адже мистецтво велике, важко і благородно, і ми можемо звернути його на славу Божу. Бо як вони дали свого ідола Аполлону пропорції найгарнішою людської фігури, так ми хочемо тими ж заходами скористатися для Господа нашого Христа, прекрасного у всьому світі ». Далі Дюрер стверджує своє право на втілення образу Марії в образі прекрасної жінки Венери і Самсона в образі Геракла.

По суті це означало рішучу зміну всього змісту старих християнських сюжетів і мотивів. Краса природних людських почуттів, поезія реальному житті рішуче витісняли містичну відчуженість образів середньовіччя.

Значна частина творів, написаних на релігійні теми, мала культове призначення, т. Е. Призначалася для церков і соборів. Але за своїм змістом ці твори носили підкреслено реалістичний характер і по суті своїй були присвячені утвердженню земної краси людини.

Така, наприклад, Сикстинська мадонна Рафаеля Санті (1483-1520), виконана для монастиря в П'яченці. Надзвичайну принадність мадонни сучасники позначили терміном «грація» (витонченість). «Для того, щоб написати красуню, - говорить Рафаель в одному зі своїх листів, - потрібно бачити багато красивих жінок; але т. к. красуні рідкісні, а правильний вибір важкий, то художник користується «якоїсь ідеєю», яка складається у нього в голові і якій він намагається дотримуватися ».

Разом з тим виникають в якості самостійних жанрів і чисто світські пологи живопису: індивідуальний і груповий портрет. У період пізнього Відродження починають формуватися жанри пейзажу і натюрморту.

У скульптурі, особливо в статуях, присвячених міфологічним, біблійним, а також і реальним сучасним діячам, затверджуються в героїзованої і монументального формі типові риси і якості людини того часу, розкривається пристрасна сила і енергія його характеру.

Яскравим прикладом може служити гігантська мармурова статуя Давида (5,3 м) Мікеланджело. Великий скульптор всупереч біблійного міфу і усталеною традицією зобразив цього переможця не виявили хлопчиком, а юнаків, і не після перемоги, а перед битвою. Спеціальна комісія найбільших художників в 1504 р вирішила встановити цю статую перед палацом Синьорії у Флоренції як символ того, що «правителі повинні мужньо захищати народ і справедливо ним керувати».

Широке поширення отримує перспективний багатофігурний рельєф. У ньому художник поєднував пластичну наочність скульптури і властиву живопису глибину перспективно побудованого простору, прагнув зобразити складні події з участю великої кількості людей.

Яскравою ілюстрацією може служити рельєф «Битва кентаврів» - одна з перших, що дійшли до нас, скульптурних робіт Мікеланджело. Незважаючи на те, що твір виконано сімнадцятирічним юнаком, в ньому висувається основна тема мистецтва Мікеланджело - тема боротьби як апофеоз героїчної людини, його сили і краси.

Якщо на початкових етапах Відродження всі види мистецтва ще тісно пов'язані з художнім ремеслом, то до початку Високого Відродження відбувається виділення живописця і скульптора з середовища ремісників. Майстер живопису або скульптури - це артист, яскрава, обдарована творча особистість, повністю відокремилася від решти маси ремісників. У разі успіху він - багач, який займає чільне місце в суспільстві. Але свобода творчості таїла в собі і небезпеку невлаштованості особистої долі, елементи конкуренції та суперництва. Нове положення художника в суспільному житті також таїло в собі небезпеку розриву між «високим» і «ремісничим» мистецтвом.

Значно пізніше ця небезпека особливо згубно позначилася на прикладних мистецтвах. У період же Відродження взаємозв'язок була ще повністю порушена. Наприклад, варто лише згадати чудові ювелірні вироби скульптора пізнього Відродження Челліні, діяльність француза Палліса, що з'єднав в своїй особі великого вченого-гуманіста і майстри майоліки.

Не випадково, що в епоху Ренесансу не тільки розцвітали майже всі відомі раніше види прикладного мистецтва, а й отримали подальший свій розвиток такі його галузі, як ювелірна справа, художнє скло, розпис по фаянсу і т. Д. Життєрадісність і милозвучність фарб, витончене благородство форм, глибоке почуття єдності стилю характерні для прикладного мистецтва Відродження.

Підсумувати все вищевикладене можна словами великого Гегеля: «Відродження наук, розквіт образотворчих мистецтв і відкриття Америки і шляхи в Ост-Йндію можна порівняти з ранкової зорею, яка після довгих бур вперше знову віщує прекрасний день. Цей день був днем ​​торжества загальності, який, нарешті, настає після тривалої, багатою наслідками і жахливої ​​ночі середньовіччя. Цей день ознаменований розвитком науки, мистецтва і прагненням до відкриттів ... »

5. давньоруського мистецтва (IX-XVII ст.)

Давньоруська мистецтво - створення колективного багатоликого генія народної традиції.

Н. А. Дмитрієва

Понад сімсот років охоплює період давньоруської художньої культури. Витоки її сходить до життя східнослов'янських племен докиївські періоду. Через різноманіття культурних явищ і форм проглядаються і загальні риси: сильний вплив релігії (християнсько-язичницьке двовір'я), традиційність і замкнутість (локальність), а також переважне канону і анонімність (имперсональность).

Мистецтво Стародавньої Русі включає в себе мистецтво Київської держави, потужного Володимиро-Суздальського князівства, Новгородської боярської республіки і мистецтво Москви, яка очолила боротьбу за об'єднання країни після тяжких випробувань монголо-татарської навали.

Давньоруська держава - наша національна гордість, яскраве втілення ідеалів російського народу. Прагнення до душевної чистоти і здатність до співчуття, стійкість і богатирський розмах, любов до рідної землі, працьовитість, терпимість і сприйнятливість - ці найкращі риси національного характеру живили великі твори давньоруського мистецтва.

Правдивість і щирість, тяга до гармонії і єднання з народним життям, з рідною природою, особлива щирість і задушевність, глибинне проникнення в людини і його призначення становлять самобутній внесок давньоруських майстрів в скарбницю загальнолюдських цінностей.

Русь домонгольської (IX - початок XII ст.)

Освіта давньоруської держави - Київська Русь - завершилося до IX століття. Одне з найбільших держав середньовічної Європи - Русь-історично представляло собою зону політичних, торгових і культурних контактів між Скандінавіейі Візантією, Західною Європою і Арабським Сходом і творчо засвоювала вплив ззовні, спираючись на власну культуру, сформовану в епоху язичництва.

Невідомий російський автор «Слова про ідолів» (XII ст.) Виділив три етапи розвитку слов'янського язичництва. На першому слов'яни «клали треби (жертви) упирям і берегиням, злим і добрим духам, що керував стихіями. На другому етапі поклонялися найдавнішого землеробського божества Всесвіту Роду і Рожаниця, божествам благополуччя і родючості. Свято Рода і Рожаниць - це свято врожаю. Рід давав життя всьому живому і став джерелом кореневих понять: народ, природа, рідня, родина ... На третьому етапі склався державний культ князівсько-дружинного бога війни Перуна, раніше почитавшегося богом грози, а рід став покровителем сім'ї, будинки ».

Серед найважливіших божеств в доперуново час - Сварог (бог неба і небесного вогню), його сини - Сварожич (бог земного вогню) і Дажбог (бог сонця і світла, подавач всіх благ), серед солярних богів (сонячних) - Коляда, Купало, Ярило , пізніше - Хорс. Стрибог вважався богом повітряних стихій, а Велес (Волос) - покровителем худоби і багатства. Культ Велеса був поширений у всіх слов'янських землях, його ім'ям клялася вся Русь. У дружинної середовищі Велеса вважали покровителем мистецтва - музики і пісень; недарма в «Слові о полку Ігоревім» легендарний співак Боян названий Велесова онуком.

Місцем відправлення культу служили капища, требища, храми, в яких волхви (жерці) молилися, здійснюючи обряди, і приносили богам жертви.

Духовні устремління наших предків найяскравіше проявилися в культі природи, глибоко поетичному і розвиненому. Життя стародавнього слов'янина підпорядковувалася календарно-землеробського кола і супроводжувалася урочистими святами. Новий рік слов'яни починали з березня, коли, за переказами, світлі боги приступали до створення свого благодатного царства, був створений світ і перша людина. Масляна і закликання весни, семик, або русальна тиждень, літнє свято Івана Купали, зимовий Коляди і т. Д. Супроводжувалися обрядовими іграми з хоровими піснями і танцями. Саме в фольклорі і декоративно-прикладному народному мистецтві збереглася найбільше художня культура древніх слов'ян, століттями що підживлювала і музичну культуру, і російську словесність. Адже з язичницьким минулим пов'язано народження і казок, і билинного епосу.

Художня культура слов'янських племен, а також античного і скіфського Причорномор'я сприяла створенню самобутньої культури середньовічної Русі. З іншого боку, вона формувалася в процесі творчого сприйняття християнської культури візантійського зразка.

Насаджуваний зверху перехід від язичницького багатобожжя (політеїзм) з його первісним рівністю до єдинобожжя (монотеїзму) християнської релігії, що освячувала централізовану владу і соціальну нерівність, тривав століттями. Християнство на Русі стверджувалося іноді силою, але частіше воно пристосовувалося до язичницького світогляду.

Згідно з літописом, в 980 м київський князь Володимир Святославич, побачивши «помилки язичництва», здійснив другу, вирішальне (після прийняття християнства київськими князями Аскольдом і Діром ще в 860-і рр.) Хрещення Русі. Вибір віри, за переказами, носив естетичний характер: послів Володимира потрясли краса, велич і пишність візантійського богослужіння.

З прийняттям християнства починається формування офіційної, державної культури і складний процес взаємодії її з народною культурою.

Прийняття православ'я, подібним богослужіння на національних мовах, сприяло поширенню писемності, а також формуванню давньоруської літератури, її питали як усна народна творчість, так і перекладна література Греції, Єгипту, Іудеї і Сирії. Серед літературних жанрів виділяються літописи ( «Повість часів них років» ченця Києво-Печерського монастиря Нестора), житія святих ( «Житіє преподобного Феодосія Печорського» Нестора), повчання (Володимира Мономаха) і «ходіння» (ігумен Данило про паломництво в Палестину). Вціліло небагато літературних пам'яток Київської Русі, але вони свідчать про громадянськість, патріотизм, благородство образів реальних історичних осіб і подій.

В цілому мистецтву раннього середньовіччя, домонгольської пори, властива така відмінна риса як монументальність форм. Особливе місце займає архітектура. Засвоюючи візантійську хрестово-купольну форму храму, російські майстри використовували також традицію дерев'яного зодчества - многоглавие.

Перший, згаданий в літописі, відомий кам'яний храм Київської Русі - храм Успіння Богородиці, або Десятинна церква - величезна 25-глава шестистолпное спорудження. Навколо нього розташовувалися княжий палац, хороми дружини і міської знаті. Під час навали церква була зруйнована.

Найвідоміший з пам'ятників - Софія Київська. Цей головний собор, побудований за Ярослава Мудрого, являє собою пятинефний, пятіапсідний, 13-купольний храм. Інтер'єр багатий і мальовничий. За зразком Софії Київської зводили Софійські собори в Новгороді і Полоцьку. Хоча кам'яне будівництво велося на Русі X-XI ст. в основному візантійськими зодчими, ці споруди відрізнялися від візантійських многоглавия, пірамідальні і новими будівельними матеріалами.

Живопис Київської Русі також представлена ​​монументальними формами - мозаїкою і фрескою. Систему розпису храмів російські майстри сприйняли від візантійців, внісши і національні риси. Мальовничий канон є «євангеліє для неписьменних». Мозаїки покривали центральний купол, подкупольное простір (Христос Вседержитель в центральному куполі і Богоматір Оранта в вівтарній апсиді). Інша частина храму прикрашена фресками (сцени з життя Христа, Богоматері, проповідників, мучеників і ін.). Унікальні світські фрески. Наприклад, два групових портрета Ярослава Мудрого з сім'єю, фігури скоморохів, музикантів і т. П.

В XI ст. час першого розквіту переживає іконопис. Було створено безліч творів цього виду станкового живопису. Збереглося ім'я знаменитого іконописця Алімпія Печерського, йому приписують створення ікони Оранти Ярославській, або Великої Панагії. Ікони шанували як видимий символ невидимого світу. За доданню, найдавніші ікони з'явилися чудесним чином ( «Спас Нерукотворний») або написані з натури (Богородиця євангеліста Луки).

Церква вимагала дотримання іконописного канону. Умовність листи: площинність, подовжена фігур, зворотна перспектива і позачасовий, золотий фон як символ божественного світла - підкреслювали піднесену духовність образів. Богослов'я в образах, барвах, жестах, написах і текстах - таке призначення ікони. Щоб слідувати іконографічному канону, майстри користувалися іконописні оригіналами, а також розумними (словесний опис сюжету) і лицьовими окреслять.

Розквіт культури домонгольської Русі (XII - початок XIII ст.)

Після розпаду Київської держави утворився ряд самостійних князівств - Володимиро-Суздальське, Новгородська республіка і ін .; єдиний історико-культурний процес розділився на кілька потоків, але збереглася споконвічна духовну єдність Русі.

У цей час народилося велике «Слово о полку Ігоревім» і «Моління Данила Заточника». Архітектура відрізняється зменшенням обсягів і спрощенням конфігурації кам'яних будівель. У Новгороді склався власний тип храму. Торговому місту була чужа київська вишукана розкіш. Традиційною стає невелика кубічної, формиодноглавая церква з однією або. трьома апсидами без різьбленого декору, т. к. місцевий камінь погано піддавався різьбі (церква Спаса на Нередице).

Під Володимиро - Суздальського князівства особливо активно кам'яне будівництво велася при Андрій Боголюбський. Знаменитий Успенський собор - величний п'ятиглавий храм, прикрашений різьбленим аркатурним поясом - будинок Богоматері. А при впадінні Нерлі в Клязьмі, на високому штучному пагорбі піднеслася церква Покрова, пам'ятник світової архітектури. Присвячений новому свята Богородичного циклу, цей храм, за переказами, побудував князь Андрій Боголюбський, сум про смерть сина Ізяслава. Одноглавая церква Покрова вражає гармонією пропорцій і поетичністю образу, спрямованістю до неба.

З заходом Київської держави відійшло в минуле і дороге мистецтво мозаїки, або «мерехтливої» живопису.

У цей час на Русі з'являється ікона «Богоматір Розчулення» з Візантії, що отримала назву «Володимирська Богоматір», (ГТГ), саме для неї будували Успенський собор у Володимирі. Драматична доля ікони і дивовижна краса і проникливість зробили її однією з найславетніших на Русі.

Новгородська школа цього періоду може бути представлена ​​іконами візантійсько-київської традиції. Це «Спас Нерукотворний» (ГТГ). На російських військових хоругвах зображували саме цей образ Христа-тріумфатора. Монументальна ікона «Устюжское благовіщення» (ГРМ). Широко відома і ікона «Ангел золоті Влас» (ГРМ). Суворість і значимість образів, поєднання контрастних кольорів, укрупнення форм - відмінні риси новгородської школи.

На найвищому рівні розвиток давньоруської культури було перервано монголо-татарською навалою.

Російська культура другої половини XIII-XV ст.

Якщо час з 1240 року до середини XIV ст. відзначено помітним занепадом у всіх областях культури в зв'язку з навалою і вторгненням західних феодалів (німецьких, товариських, датських, угорських, литовських і польських), то період з 2-ї половини XIV в. до кінця XV в. являє собою підйом національної самосвідомості, прагнення до об'єднання руських земель на чолі з Москвою. Розгром Візантії і встановлення на Балканах турецького панування посилили значення Московської Русі як центру православ'я.

Боротьба проти монголо-татар стала головною темою фольклору в билинах і новому жанрі історичної пісні (наприклад, про Авдотье-Рязаночке, яка очолила будівництво нової Рязані). Провідним жанром у літературі, стає військова повість ( «Слово про погибелі землі російської», «Повість про розорення Рязані Батиєм»), а пізніше виникають історичні твори про перемогу над татарами ( «Сказання про Мамаєвому побоїще», літописна повість про Куликовську битву, « Задонщина », близька« Слову о полку Ігоревім »).

Самостійне розвиток новгородського зодчества призвело до створення простого і конструктивно ясного, класичного типу одноглавого храму з багатим зовнішнім декором (церква Федора Стратилата, Спасо-Преображення па Ільїна), аналога йому немає в архітектурі інших країн.

У Пскові розвивалося в основному оборонне зодчество. Фортеця Ізборськ - одне з найбільших споруд Стародавньої Русі. XV ст. - час бурхливого розвитку Псковської архітектури, було зведено 22 церкви.

У «послекуліковскій» період кам'яне будівництво і в Московському князівстві набуває великого розмаху. Будувалися церкви в Москві, Коломиї, Звенигороді, Можайську, Дмитрові, раннемосковского зодчество створило новий тип одноглавого храму башнеобразной конструкції на високому цоколі, зі складним верхом, увінчаним ярусами кілевідних закомар і кокошників, з куполом на високому барабані і системою сходів до перспективних порталів (Троїцький собор Троїце-Сергієва монастиря, Спаський собор Спасо-Андронникова монастиря в Москві).

Тривала ізоляція Русі від Візантії і роз'єднаність російських земель підштовхнули формування в XIII в. новгородської і ростовської шкіл живопису, а в XV .в. - товариський, псковської, московської та Вологодської. Найбільше збереглися новгородські пам'ятники. Своєрідним «бунтом» проти візантійської традиції стали краснофонние ікони ( «Святі Іоанн Ліствичник, Георгій і Власій», ГРМ). Від парадного мистецтва в них яскраві фарби, орнаментальність, графічне побудова форми ( «Нікола Ліпенскій», Новгородський музей).

У XV в. монументальна фресковий живопис Новгорода переживає розквіт. Величезний вплив справив на неї великий византиец Феофан Грек. У 1378 році він розписав церква Спаса па Ільїна.

У куполі - Христос Пантократор (Вседержитель), і барабані - про роки, в апсиді - причащання (євхаристія) і святителі. Мальовнича ма нера Ф. Грека відливається міццю і сміливістю: широкі удари пензля, впевнено покладені відблиски (як знаки божественної енергії), переважання червоно - коричневих і жовтих охр - все виражальні засоби на-мовані на втілення пристрасного духовного горіння.

До числа оригінальних ікон відноситься новгородське «Отечество», трактуюшее Трійцю не у вигляді трьох ангелів Бог батько - це посивілий старець на престолі, Бог-син - юнак, що Дух святий - голуб. Така конкретна форма знадобилася для боротьби з єрессю, що відкидали догмат Святої Трійці. У XV в. з'являється новий тип двох-тричастинній ікони, що сприймаються як історична картина ( «Чудо від ікони Знамення пресвятої Богородиці» пли «Битва новгородців з суздальцями»).

Московська живопис за розмахом і розгалуженості в XIV-- XV ст. не знала собі рівних. На час переїзду Ф. Грека в Москву тут склалася самобутня художня традиція. Московські майстри вчаться у Феофана, але не наслідують йому. Під керівництвом грецького майстра були розписані церква Успіння Богородиці, Архангельський та Благовіщенський собор Московського Кремля. Краща зі збережених ікон кола Феофана - «Богоматір Донська» з Успенського собору Коломни з «Успінням Богородиці» на звороті (ГТГ).

У роботі над створенням іконостасу Кремлівського Благовіщенського собору зустрілися Феофан Грек і Андрій Рубльов - найбільший художник Древньої Русі. Високий іконостас - це російське національне явище, в його становленні відіграли велику роль ці видатні іконописці.

Повнота єднання з Богом в молитві - цю ідею в хоровому звучанні втілює композиція іконостаса, спаяна також і художніми засобами загального ритму і колірного ладу. Ряди ікон (чини) співвідносилися з архітектурою храму і живописом на стінах. Читається п'ятиярусний іконостас «хронологічно»: зверху - праотеческий ряд старозавітної церкви від Адама до Мойсея з новозавітної Трійцею в центрі; нижче -пророческій ряд і Богоматір з немовлям на центральній іконі; далі святковий чин подій з життя Христа і Богородиці від різдва її до успіння; потім деісусний ряд ікон моляться Спаса (в центрі) про милість; внизу розташовувався місцевий чин - радий ікон, особливо шанованих в даній місцевості, і храмова ікона (праворуч від царських врат).

Кисті Феофана Грека в Благовіщенському соборі належать 7 ікон деисуса, а 7 ікон свят, мабуть, написані Андрієм Рубльовим. Про це геніального іконописця відомо небагато. В Успенському соборі Володимира він брав участь у створенні монументального іконостаса в 6 м заввишки з 61 ікони, в числі кращих його ікон «Богоматір Володимирська». Дивом зберігся Звенигородський чин: «Архангел Михаїл», «Апостол Павло», «Спас» - геніальний образ Христа - вчителі істини.

Найдосконаліше творіння А. Рубльова - «Трійця», писана в похвалу духовному вчителю Сергія Радонезького для Троїцького собору Троїце-Сергієва монастиря. Зміст ікони не обмежена богословськими ідеями про таїнство причастя і триєдність божества, вона несе в собі і величну ідею соборності, духовного єднання людей як умови справжньої свободи людства.

Російська культура кінця XV-XVI ст.

Після двох з половиною століть майже повної ізоляції культура молодого Російської держави увійшла в зіткнення з ренесансною культурою Заходу, зміцнюючи своє становище серед європейських держав.

Поряд з історичною піснею з'являється народна балада ( «Гнів Івана Грозного на сина», «Оборона Пскова»). Розвивається світська публіцистика і історична література, пройнята ідеєю зміцнення самодержавства і його союзу з церквою. З'являється і новий жанр гостросюжетної повісті, його героєм став активний торговий люд.

Висування Москви супроводжувалося розмахом будівництва. Поруч з искуснейшими майстрами зі всієї Русі працювали і кращі зодчі Європи, створюючи загальноруський архітектурний стиль. У Кремлі на місці старих храмів часів Івана Калити зводилися нові. Першим був побудований Успенський собор (італійський архітектор Аристотель Фіораванті) - величний хрестово-купольний пятиглавий храм з єдиним внутрішнім простором. Благовіщенський собор, домову церкву великих князів будували псковські майстра. Серед традиційних образів святих умовні портрети великих російських князів і візантійських імператорів. Архангельський собор (італійський архітектор Альовіза Новий) поєднав в собі традиційні елементи і риси італійської палацової архітектури XV ст. (Раковини в закомарах, орнаментовані портали, круглі венеціанські вікна). У цьому соборі - державному некрополі - ховали великих князів і царів. Завершує ансамбль Соборної площі Грановита палата (Марко Руффо, П'єтро Антоніо Соларі), що мала 500-метровий квадратний зал, перекритий чотирма хрестовими склепіннями з потужним опорним стовпом посередині.

На початку XVI ст. в кам'яному архітектурі виникає новий тип шатрового храму, яка відродила традицію російського дерев'яного зодчества. Знамениті два храми, пов'язані з ім'ям Івана Грозного. Церква Вознесіння в Коломенському споруджена в честь народження маленького Івана IV (майбутнього Грозного) - спадкоємця престолу; церква-пам'ятник на славу рідної землі. Варіантом шатрового храму був і собор Василя Блаженного

(Покрова на рові) - храм меморіальний в пам'ять підкорення Казанського ханства, побудований зодчими бармен і Постніков під стінами Кремля. Навколо центрального шатрового «стовпи» вісім менших, увінчаних вигадливими главами - багатонаціональна казкова кам'яна поема. Це був злет архітектурного генія російського народу. Стоглавим собор 1551 шатрові будівлі як такі, що суперечать візантійським зразкам були заборонені.

Серед живописців другої половини XV ст. виділяється Діонісій. Він і продовжує «рубльовської» напрям, і відступає від нього. Мирянин, мабуть, знатного походження, Діонісій очолював велику артіль, що виконувала князівські, монастирські і митрополичі замовлення. Відомі його ікони «Спас в силах» і «Розп'яття» (ГТГ) і житійні - митрополитів Петра і Алексія. Самим чудовим пам'ятником Діонісія є фрески Різдвяного собору Ферапонтова монастиря па Вологодчине, об'єднані яскраво-блакитним тоном - радісне славослів'я в фарбах. Місце рублевской глибини і простоти займає у Діонісія святкова урочистість, врівноважена і декоративна. Після Діонісія епічна пісня Стародавньої Русі поступово затихає. Постановами Стоглавого собору мистецтво стає знаряддям в руках церкви, а вона сама - знаряддям деспотичного самодержавства. В умовах церковного нагляду загасало справжня творчість, переважав шаблон і ремісництво.

Засобами мистецтва держава прагнула возвеличити офіційні політичні ідеї в іконопису історико-алегоричного жанру про урочистому повернення Івана Грозного з підкореної Казані - «Благословенне воїнство небесного царя». Ідея «Москва - Третій Рим» втілилася в розписах Новодівичого монастиря.

Саме в XVI в. склалася культура великоруської народності і починається історія культури російського народу у власному розумінні слова, а розвиток давньоруської художньої культури вступає в завершальну фазу.

6. ХУДОЖНЯ КУЛЬТУРА Стародавнього Риму

Століть і племен упокорюючи суперечка, ... Всім давши участье на вселенському бенкеті. Рим над землею крило своє простяг. Всі істини, що виступали до світла, Під гул перемог, під покровом римських прав, переплавляли владно в новий сплав. -... Рим до кінця виконав працю владики, Він був здійснений, коли під крик і крики Сонм варварів Імперію звалив.

В. Брюсов. «Світоч думки»

Свободою Рим зріс, а рабством погублений.

А. Пушкін. «Лицинию»

Римська цивілізація стала епохою найвищого розквіту античної культури і разом з тим її останньою сторінкою. Римське держава пройшла шлях від сільської громади на р. Тибр до світової держави. «Вічне місто» поширив свою владу від Британських островів до берегів Північної Африки, від геркулесових стовпів (Гібралтар) до глибинних областей Азії.

Римська культура (VIII ст. До п. Е. - V ст. П. Е.) Була явищем значно складнішим, ніж грецька. В її формуванні взяли участь багато племен і народів, підкорилися римської влади - населення Італії, грецьких областей, елліністичних держав (Єгипет, Пергам і ін.). Сформувався синтез грецької та римської культур - позднеантичная греко-римська культура (I-V ст. Н. Е.). Саме вона лягла в основу середньовічної цивілізації Візантії, Західної Європи та багатьох слов'янських держав.

Саме слово «Рим» стало синонімом величі, слави і військової доблесті, багатства і високої культури. «Всі дороги ведуть до Риму», - говорила відома приказка про столицю світу. І звістка про падіння «Вічного міста» (476 р. Н.е..) Була подібна удару грому, який влучив у сучасників.

У Римі завжди панувало уявлення про особливу богообраності римського народу і самою долею призначених йому перемоги. Патріотизм, готовність пожертвувати життям за батьківщину, повагу і любов до героїчного минулого, традицій предків - на цьому стояла римська ідеологія.

Справами, єдино гідними римлянина, особливо знатного патриція, визнавалися політика, війна, землеробство і правотворчість. Державне управління і право, дорожнє будівництво і військове мистецтво досягли у римлян досконалості, література і мистецтво успішно прижилися на грецькому стовбурі. Однак на працю скульптора дивилися як на ремесло, про що свідчить анонімність римського скульптурного портрета, зокрема.

В античний гуманізм римляни внесли риси аналітичного світорозуміння: сувора проза, точність і історизм мислення лягли в основу культури, далекої від піднесеної поетичності міфотворчості греків. Практицизм пронизує всі сфери римської культури.

Якщо геній грецького народу - геній художній, то римський геній-політичний, постійно прагнув до розширення сфер свого впливу і державних інтересів. Зовнішня історія Риму - історія безперервних війн. Внутрішня історія неспокійна і кривава. Чи не вщухала боротьба між плебеями і патриціями, між політичними партіями, аристократичними сім'ями.

Вся писана історія, легенди і релігія, різні види мистецтва повинні були стверджувати ідею військової могутності римлян, нібито спочатку зумовленого, вічного і непорушного.

Особливий вплив на розвиток римської художньої культури зробила релігія, що пройшла шлях розвитку від релігії громад (фамільної, сусідської та громадянської) до світової релігії християнства в епоху кризи рабовласницької імперії.

«Греція, узята в полон, переможців диких полонила» - ця фраза римського поета Горація говорить і про запозичення римлянами грецького пантеону богів.

Саме у греків римляни перейняли звичай зводити богам статуї і поклонятися їм і храмах. Грецького Зевса ототожнили з римським Юпітером, його дружину Геру з Юноной, Аїда з Плутоном, Ареса з Марсом, Афродіту з Венерою, Артеміду з Діаною, Афіну з Мінервою, Гефеста з Вулканом, Гермеса з Меркурієм, Посейдона з Нептуном, Діоніса з Вакхом і т . д.

Саме грецька скульптура, точніше її копіювання римськими майстрами, зіграла особливу роль в утвердженні і поширенні імператорського культу з часів Октавіана Августа. Однак в центрі римської міфології та релігії - «Римський міф», який формувався напередодні переможних Пунічних воєн з Карфагеном і після них. Незважаючи на величезну військову перевагу Риму, країни з більш древньою культурою вважали римлян «варварами». Назріла необхідність обґрунтувати «законне» місце серед «великих держав». Звідси захоплення грецької культурою, прагнення пов'язати походження римлян і італіків з греками і троянцями. Множилися розповіді про героїчні діяння «предків»: про героя Енея, сина богині кохання Венери, спасшемся з-під Трої, про його нащадків Ромула і Рема, вигодуваних вовчицею, і т. П.

Антична традиція приписує заснування Риму, що відбулося в 753 р. До н.е. е., легендарному Ромулу, коли Рем перескочив борозну, що позначила межі нового міста, і був під час сварки вбили братом. Ромул став першим римським царем, а нове місто одержало його ім'я.

З поширенням імператорського культу цезарів сенат ще за життя зараховував імператора до сонму богів, засновуючи для нього храми. Особистість володаря символізувала могутність Риму. Його культ об'єднувався з культом богині Рома, опікала Вічне місто.

Підкорені Етрурія і Греція обдарували Рим досягненнями в архітектурі, які римська архітектура втілила з небаченим раніше розмахом містобудування відповідно до стратегічних планів і імперськими амбіціями. Римська архітектура грандіозна, велична, помпезна і володіє конкретно-історичним змістом, а також високим ступенем практичної доцільності, новизною методів будівництва та конструктивних рішень. До числа римських досягнень відноситься винахід бетону, широке використання арки і зведення сферичного купола.

Потреби римського суспільства породили нові типи споруд: амфітеатри для гладіаторських ігор і звірячої цькування, терми - грандіозні римські лазні, тріумфальні арки і колони, імператорські форуми і святилища (Баальбек) і ін. Палаци, особняки, вілли, театри, храми, мости, надгробні пам'ятники і т. п. отримали на римському ґрунті нове архітектурне рішення. Раціоналізм, що лежить в основі римської архітектури, виявлявся в просторовому розмаху, цілісності гігантських архітектурних комплексів, суворій симетрії геометричних форм.

Всесвітньо відомі римські водогони-акведуки, перша з мощених доріг - Аппієва - «цариця доріг», що будувалася понад 100 років, з 312 р. До н.е. е., і названа на VII ст. одним з чудес світу.

Збереглися меморіальні тріумфальні арки імператорів Тита (в честь взяття ним Єрусалиму) і Костянтина Великого. Оригінальним пам'ятником стала і 30-метрова колона імператора Траяна перед його храмом, прикрашена двохсотметровий стрічковим рельєфом, що дав яскраві зразки історичного рельєфу, з документальною точністю передає картини похідного життя і епізоди воєн з бійками.

Безперечно, самі грандіозні пам'ятники античного Риму-Колізей і Пантеон.

Саме гігантське видовищна споруда Стародавнього Риму - амфітеатр Флавіїв (75-82 рр. Н. Е.) - у своїй кам'яній чаші вміщував близько 50 тисяч глядачів.

Назва Колізей походить від що стояв поруч колоса - статуї Нерона, пізніше переробленої в фігуру Геліоса. Зовнішній вигляд Колізею з його могутнім пружним овалом виконаний суворої енергії. Це відчуття народжують не тільки масштаби будівлі (висота близько 50 м, діаметр 156 м і 188 м), а й урочиста міць простих аркових ритмів. Чотири яруси прикрашені елементами трьох ордерів: внизу - тосканским (запозиченим уетрусков), вище - іонічними напівколонами, третій ярус і четвертий (потужний кам'яний пояс нагорі) в корінфському стилі; кам'яне кільце завершуючи аркову композицію амфітеатру, створює відчуття стримуваної сили. Навіть в руїнах, без статуй, колись його прикрашали, Колізей дихає непохитною міццю.

За грандіозності задуму і широті просторового рішення з Колізеєм суперничає Пантеон (118-125 рр.) - «храм усіх богів», побудований грецьким зодчим Аполлодором з Дамаска при імператорі Адріані і присвячений найголовнішим римським богам.

Усередині в семи нішах сиділи Юпітер, Марс, Венера, Рома і інші божества. Пантеон являє собою монументальну гладкостінну ротонду, увінчану напівсферичним куполом, вхід в храм прикрашений широким шеснадцатіколонним портиком: композитного (змішаного) ордера. Деяка ваговитість, масивність зовнішнього вигляду храму скупається небувалим простором залитого світлом з круглого дев'ятиметрового отвору, прозваного «око Пантеону», величного кульового простору (діаметр круглого храму і висота трохи більше 40 метрів). Інтер'єр Пантеону викликає почуття спокою і величної піднесеної гармонії. До кінця XIX в. його купол залишався найбільшим в світі. В епоху Середньовіччя Пантеон був перетворений в християнську церкву, а в, 1520 року в ньому поховали великого Рафаеля. Це велична будівля, немов частинка Всесвіту, античний космос, стало останнім шедевром архітектури в період розквіту імперії і вершиною римського зодчества.

Також до явищ світового значення і цінності відноситься римський скульптурний портрет - історія Стародавнього Риму в особах, історичний «документ» небувалого піднесення і трагічної загибелі великої імперії. Своїм походженням римський портрет пов'язаний з похоронним культом завойованих етрусків, з грецької елліністичної скульптурою, а також з римським культом предків: звичаєм знімати з померлого воскову маску і зберігати скульптурні портрети членів прізвища. Звідси вражаюча достовірність, навіть «натуралізм» і нещадна правдивість пластичних характеристик. Особливо це відноситься до великої галереї римських імператорів.

В епоху ранньої імперії римське мистецтво, виконуючи офіційний замовлення на піднесення і обожнювання особистості імператора, навчалося лестити влади.

Збереглися скульптурні портрети Августа до образі республіканського полководця (з Прима Порта), статуї в традиціях героїзованої грецької класики, Август, який здійснює урочистий обряд жертовного узливання У тозі, накинутою на голову, і, нарешті. Август в образі Юпітера (за зразком сідаючого на троні фідіевского Зевса Олімпійського). На одному полюсі нещадні портрети порочних тиранів Нерона, Калігули, Каракалли, галерея «солдатських імператорів», а на іншому - скульптурні образи Траяна, Веспасіана, Адріана, Антонія, Пія, які прагнули до розумної державної діяльності. До кращих людям Риму належав і імператор-філософ Марк Аврелій, в його філософських міркуваннях зникло спокій колись впевненого в собі римлянина, володаря світу, шукає опори думка гарячково блукає, охочіше схиляючись до гірко-іронічною покірності сліпої долі, проповідуваної стопками. Однак саме Марка Аврелія, аж ніяк не героїчному імператору, був створений перший з дійшли до нас кінний пам'ятник.

Безсумнівно, скульптурної емблемою Рима є знаменита бронзова Капітолійська вовчиця, відлита, імовірно, етруською майстром. Вона була поставлена ​​на Капітолійському пагорбі в ознаменування повалення етруських царів після майже столітніх воєн.

Видатна сторінка давньоримської художньої культури пов'язана з «золотою латиною». Найбільш плідним «століття Августа» виявився саме для римської поезії. Її розквіт пов'язаний з іменами Вергілія, Горація і Овідія.

Вергілія Марона називають «римським Гомером» за створення епічної поеми «Енеїда» про мандри "троянця Енея і його супутників. В той же час в поемі присутня і інший герой дух Риму. В центрі« Енеїди »ідеал його безсмертя, заснованого на божественному промислі. загибель Трої, трагічне кохання Енея і цариці Карфагена Дідони, подорож героя по загробному царству, де Енею відкривається його місія - підстава Великого міста, і інші події відтворені в національному епосі римського народу. у дванадцяти книгах «Енеїди» нерозривно сплітаються прославляння Риму і імператора Августа , вихваляння міфічних предків, патріотизм і проникливе розуміння людських почуттів.

Якщо Вергілій створив класичний римський епос, то Горацій (Квінт Горацій Флакк), друг і сучасник Вергілія, створив класичну римську лірику.

Горацій також оспівував доблесть предків, закликав сучасників бути гідними батьків, однак охочіше він згадував про давню красу звичаїв, вчив насолоджуватися «золотою серединою» скромного достатку, писав про любов, про веселих гулянках з друзями. Чи не кращі вірші Горацій присвятив поезії, серед його «Од» виділяється знаменитий «Пам'ятник»; натхненний цієї одою А. С. Пушкін написав вірш «Я пам'ятник собі воздвиг нерукотворний ...»

Праця та Горація проклав дорогу їх молодшому сучасникові Публій Овідій Назон. «Співак любові і пристрасті», блискучий поет, Овідій страждальцем скінчив свій вік, засланий Октавіаном Августом на суворі тоді берега Чорного моря і забутий. Мабуть, імператор був незадоволений поезією Овідія, яка не відповідала його політиці.

Головний поетичний працю Овідія «Метаморфози» - зібрання античних міфів про перетворення одних тіл в інші. Так, самозакоханий Нарцис став квіткою; ожила прекрасна статуя дівчини, яку виліпив Пігмаліон і запалився до неї любов'ю; німфа Дафна, переслідувана Аполлоном, перетворилася на лаврове дерево і т. д, В результаті народилося багаті зібрання (понад двісті) найпоетичніших образів грецької та римської міфології.

Латинська мертвий, але без нього немислима сучасна, світова культура. Той, хто вивчає латину, засвоює світову культуру. На початку X ст. до н. е. на латині говорило лише населення невеликої області на Аппенінах, потім архаїчну латинь змінила класична, ця мова досяг розквіту в прозі Цицерона і Цезаря, в римській поезії. В епоху середньовіччя на основі латині сформувалися романські мови (італійська, французька, іспанська, португальська, румунська і т. Д.), А латинь стає мовою католицької церкви і павуки. І сучасна наука тісно пов'язана з латиною; поряд з грецькою мовою вона служить джерелом утворення наукової термінології.

Крилаті латинські вислови прикрашають і збагачують мова современ-ного культурного людини. Через латину «терра інкогніта» ( «невідома земля») римської культури та історії стає все більш зрозумілою. «Урбі ет орбі» ( «місту і світу») - до загального відома звучали слона Цезаря: «Вени, види, віці (« прийшов, побачив, переміг »), а також закон політики:« індивід пов імпера »(« розділяй і володарюй »). Однак «Гомо са-Єнсен» ( «людина розумна») римського суспільства розумів, що головне в житті - пізнати самого себе ( «Носце ТЕ ипсум»), життя рухається через подолання, через терни до зірок ( «Пер аспера пекло астра») . І вічно в душі людини іскра надії - «поки дихаю, сподіваюся» ( «Дум спіра, Спера»), хоча знаю, що «проходить земна слава» ( «Сік транзит глория мунді»), а далі сілентіум - мовчання і безмовність.

Мабуть, духовним заповітом: греко-римського світу можуть стати слова грецького мудреця Біанта - «Омпіа меа мекум порто» ( «Все моє ношу з собою») - справжнє багатство людини в його внутрішній зміст.

7. ХУДОЖНЯ КУЛЬТУРА СТАРОДАВНЬОЇ ГРЕЦІЇ

На землі древньої Еллади дитинство людства ... розвинулося всього прекрасніше і володіє для нас вічною красою, як ніколи не повторюється ступінь.

"Художню культуру Стародавньої Греції називають античної (з лат.,« Древньої »). Так стали називати греко-римську культуруітальянскіе гуманісти епохи Відродження як найбільш ранню з відомих їм. Поняття збереглося як синонім класичної давнини і відокремлює греко-римську культуру від стародавнього Сходу.

Історію і культуру античного світу прийнято ділити на декілька періодів.

1. Егейське мистецтво (крито-мікенська культура) - 3-2 тис. До н. е.

Мистецтво Греції - гомерівський період - XI-VIII ст. до н. е .; архаїчний - VII-VI ст. до н. е .; класичний - V-IV ст. до н. е .; еллінізму - кінець IV- I ст. до н. е.

Мистецтво етрусків - VIII-II ст. до н. е.

Мистецтво Риму - епоха царів - VIII-VI ст. до н. е .; республіки - V-I ст. до н. е .; імперії - I ст. до н.е.-V ст. н.е.

Егейська культура, що склалася в басейні Егейського моря, охоплює о. Крит, материкову Грецію (Мікени і Тірінф), узбережжя Малої Азії (Троя) і Кикладские острова.

Розкопки англійця Артура Еванса на Криті (з 1900 по 1941 рр.) Відкрили світові невідому досі «догреческого» культуру, названу їм мінойської по імені легендарного царя Мі-носа.

Потужна морська держава зі столицею в Кноссі створила оригінальну палацову культуру, в якій органічно сплелися природні і релігійні мотиви. Найцікавіша сторінка ей-ського мистецтва - Кносський палац, за переказами, пов'язаний з царем Міносом, лабіринтом і страшним Мінотавром.

Мабуть, цей палац був адміністративним і релігійним центром держави, його головною житницею і «будинком» торгівлі. Центральний великий двір оточували 300 різних приміщень, розташованих на різних рівнях і з'єднаних безліччю сходів, поряд з якими знаходилися світлові колодязі. Найважливішим конструктивним елементом архітектурної композиції палацу служили так звані ірраціональні дерев'яні колони, вони звужувалися донизу і яскраво раскрашивались (червоним кольором - стовбур, чорним - кругла капітель). Палац террасообразной розростався, як би повторюючи обриси гористій місцевості, вписуючись в критський ландшафт.

Головною прикрасою палацових покоїв був фресковий живопис, яка у вигляді фризів або панелей заповнювала стіни. Яскрава барвиста палітра критських художників близька колірним переливам морської хвилі. Живопис (на відміну від єгипетської) справляє враження абсолютної розкутості і внутрішньої свободи митця. Знамениті фрески, які розповідають про святах: «Дами в блакитному», «Парижанка», «Цар-жрець», «Акробати з биком».

Критські керамісти також створили вишукані твори. Серед них вази стилю «Камарес» (знайдені в однойменній пе-щере). Наприклад, ваза з восьминогом, де сферична форма посудини гармонійно поєднується зі звивистими лініями в зображенні морської тварини. Невідомі монументальні пам'ятники Криту. До нас дійшли лише зразки дрібної пластики з кольорового фаянсу і слонової кістки ( «Богиня зі зміями»). В цілому мистецтво Криту залишає враження святкового, барвистого, декоративного і по-східному площинного і орнаментального.

Загибель критської цивілізації обумовлена, мабуть, двома причинами. В середині XV ст. до н. е. Крит відчув сильне землетрус і наслідки виверження підводного вулкана Санторін на о. Фера. Зіграло свою роль і завоювання острова греками-ахейцями. Естафету егейської культури прийняла материкова Греція.

На відміну від критської, микенская цивілізація була більш суворою і мужньою. Вона створила монументальну оборонну архітектуру (акрополів в Мікенах і Тиринфе з «циклопічної» кладкою степ, грандіозні Левові ворота в Мікенах, прикрашені геральдичної композицією з двома левами).

Ще в 1876 р німецький археолог Генріх Шліман відкрив в Мікенах скельні «шахтні гробниці» з безліччю виробів із золота, срібла і слонової кістки; знайдені і грандіозні «купольні гробниці», або толоси.

У палацової архітектури з'являється новий тип приміщення-мегарон. Його композиція з портиком, вестибюлем і залом, в центрі якого розташовувався осередок, оточений чотирма колонами, передбачає архітектуру грецького храму.

Микенская держава була сметена- на рубежі XII-XI ст. до н. е. новим навалою з півночі: дорійці вогнем і мечем пройшли по Пелопоннесу, пізніше заснували Спарту. Однак дорійська хвиля минула область Аттика, населену ионийскими племенами, які відіграли особливу роль в розквіті Еллади.

На тлі загального занепаду грецької культури і повільного відродження виділяються в гомерівський період два види мистецтва: вазопись і епічна література. Кращими зразками вазопису є великі дипилонские вази (знайдені поблизу Діпілонскіх воріт в Афінах) - надгробні амфори і кратери, прикрашені стрічками геометричного орнаменту з сюжетними схематичними композиціями між ними.

Головним джерелом знань про цю епоху служать два шедевра давньогрецької літератури - «Іліада» і «Одіссея» Гомера. Перша розповідає про події останнього року десятирічної війни греків-ахейців з троянцями і про прийдешнє взяття Трої. До середини XIX в. Трою (Іліон) вважали вигаданою, але її існування довів Генріх Шліман, здійснивши мрію свого життя. У другій поемі мандри царя острова Ітака Одіссея розгортаються на тлі фантастичних оповідань перших грецьких мореплавців про дивина невідомих західних морів. Вважається, що обидві поеми виросли з епічних пісень давньогрецьких співаків (аїдів, або рапсодов), їх можна назвати «енциклопедією старовини» за багатством історичного, міфологічного, морально-філософського, легендарного і естетичного змісту.

В «Іліаді» три групи дійових осіб: 1 - троянці на чолі з царем Приамом, його сини - великий герой Гектор і Паріс (після викрадення їм Олени, дружини спартанського царя Менелая, і починається троянська війна), цариця Гекуба і дружина Гектора - Андромаха . 2 - греки-ахейці, очолювані Агамемноном, великий герой Ахілл, на початку поеми гнівається на Агамемнона, відмовляється битися з троянцями, що призводить до загибелі його друга Патрокла від руки Гектора, бажаючи помститися за друга, Ахілл вбиває мужнього троянця, пізніше повертаючи (за викуп ) його тіло старця Приаму; Тризна по Гектору і завершується поема засудження війни і жорстокої помсти ... 3 - олімпійські боги, активно втручаються в життя людей.

В епоху архаїки зародилися грецька філософія і наука, основні жанри літератури, театр, ордерна архітектура і архаїчна скульптура.

Відмінною особливістю культури стародавніх греків був агон - змагання. У 776 р. До н.е. е. вперше були влаштовані Олімпійські ігри (в області Олімпія, названої на честь Зевса). На п'ять днів проголошувався священний світ. «Олимпионик» (тричі переміг) нагороджувався оливковою гілкою і правом на установку статуї в священному гаю храму Зевса Олімпійського. На честь Аполлона атлети змагалися в Пифийских іграх в Дельфах, нагородою служив лавровий вінок. У Истмийских - в честь морського бога Посейдона нагородою був сосновий вінок. Також в честь верховного владики Зевса влаштовували немейські ігри. Прекрасне тіло атлета послужило стимулом до розвитку античної скульптури.

Епоха героїв пішла разом з Гомером. Мистецтво слова звернулося до почуттів і переживань окремої людини - народилася лірика (декларація віршів у супроводі ліри). Великими лириками називають пристрасного Архіолоха з о. Парос, життєрадісного Анакреонта, піднесеного Алкея і тонку поетесу Сафо. У Стародавній Спарті розвивалася хорова лірика (дифірамби на честь бога Діоніса). Велика була слава і поета Піндара.

В цей час в Греції була створена своя державна система, яка призвела до встановлення рабовласницької демократії. У порівнянні з східними деспотії це був прогресивний крок. Вільні духом, греки бачили ідеал у власному удосконаленні, як личить людині і громадянину поліса, доблесного духом і прекрасного тілом.

Художня творчість Еллади, вперше в історії світу затвердив реалізм як абсолютну норму мистецтва. Чи не точне копіювання природи, а прагнення до абсолютно прекрасним образам, на які природа лише натякнула. Хто такі боги Олімпу (Зевс, Афродіта, Афіна), як не люди, які здобули в своєму людському досконало безсмертя? Слідом за міфотворчістю мистецтво стало зображувати людину, наділеного тієї доблестю і красою, що йому належить в собі виявити.

Архаїчна скульптура виробила два типи: це куроси (скульптура оголеного юнака, що мала культове значення як образ Аполлона, а також розвинена чоловіча фігура взагалі) і кори (культові статуї дев в декоративній драпіровці одягу і яскраво оздоблених; пізніше кори стали в архітектурі каріатидами - колонами в вигляді жіночої фігури). Запозичуючи зразки в Єгипті і Месопотамії, архаїчна монументальна скульптура (до 3 м заввишки) дуже швидко удосконалювалася в реалізмі, зберігаючи па особах куросов і кор знамениту «архаїчну посмішку» як спробу художника одухотворити, висвітлити ще статичний образ зсередини.

Архітектура часів архаїки носить переважно храмовий характер. Поступово у греків склалася система, що отримала пізніше, у римлян, назва ордер (порядок, лад). Однак кожен храм народжує відчуття неповторності, оскільки ордерна система застосовувалася творчо, з урахуванням природного і архітектурного оточення. Архаїка сформувала два варіанти грецького ордера: масивний доричний, який втілював ідею мужності, гармонію сили і строгості, і стрункий, ошатний іонічний. Пізніше (в V ст. До н. Е.) З'явився пишний, видовищний коринфский ордер. Всі три ордери розрізнялися пропорціями і особливостями декору колон (опор) і антаблемента (перекриття).

В цей час склався і класичний тип грецького храму-периптер (оперений), прямокутний в плані, оточений з усіх боків колонадою. Грецький храм служив «житлом» для статуї божества, яку встановлювали в святилище (наосе).

Як і природа Еллади, грецьке мистецтво було яскравим і багатобарвним і святково сяяло на сонці. Раскрашивались архітектурні деталі і скульптурні прикраси храму, поліхромної була і мармурова скульптура, яка стояла у всіх громадських місцях міста, а також золотистим блиском горіли бронзові статуї з кольоровими інкрустаціями. Нині все це майже втрачено, та й бронза втратила свій первісний блиск.

Колір в грецькій пластиці вказує на зв'язок її з живописом і прагнення передати красу видимого світу. Яскравим відблиском грецької живопису є вазопись. Амфори, кратери, витончені гідрії, плоскі килики, подовжені лекіфи - не тільки досконалі за формою, а й гармонійно розписані міфологічними сценами. Спочатку розвивалася чорно-фігурна розпис, а пізніше з'явилася більш досконала краснофігурная.

Золотому віці грецької культури, знаменующему «найвищий внутрішній розквіт Греції» (К. Маркс), передувало велике випробування Еллади грізним навалою персів і розоренням Афін.

Слава грецьких перемог при Афоні, при Марафоні, при Саламіні і Платеях, а також в Фермопильском ущелині осяяла на багато століть історію Еллади. Афіни очолили грецький морський союз і після перемоги зайняли чільне місце в культурно-економічному підйомі. Правителі Афін (перш за все-Перікл) прагнули зробити своє місто найбільшим культурним центром грецького світу. В уста Перикла історик Фукідід вклав слова: «Місто наше - школа всієї Еллади, і вважаю, що кожен з нас може легко виявити свою індивідуальність у найрізноманітніших життєвих умовах». Заняття спортом для всіх, система освіти, регулярне відвідування театру і релігійних свят. У всебічному розвитку особистості греки випередили представники багатьох інших народів. Все це забезпечило всебічний розквіт грецької художньої культури.

В Афінах жили Протагор ( «Людина є міра всіх речей») і Анаксагор, універсальний мислитель Демокріт ( «Бідність при демократії настільки ж краще благополуччя при царях, наскільки свобода краще рабства»). Втіленням еллінської мудрості став великий Сократ, учитель Платона.

Швидко розвивалася і наука в особі Гіппократа - «батька медицини» і Геродота - «батька історії».

Під час театральних свят (3 дні) греки обирали кращого драматурга, постановку, актора і хорега (організатора вистави). Всесвітню славу аттичної трагедії принесли «батько трагедії» Есхіл ( «Перси», «Прикутий Прометей», «Орестея» і ін.), Софокл ( «Цар Едіп», «Антігона», «Електра») і Еврипід ( «Медея», «Федра»). Расцветкомедіі пов'язаний з творчістю Арістофана, черпає сюжети із сучасного політичного життя Афін ( «Вершники», «Хмари», «Жаби», «Лісістрата» і ін.). Театр став справжньою школою життя і вихователем громадянина.

Гордістю Афін став заново відбудований чудовий ансамбль - Афінський Акрополь. Звели біломармурові будівлі: Парфенон, Пропілеї (урочистий вхід на Акрополь), храм Ніки Аптерос (Безкрилої перемоги), храм Ерехтейон і Пінакотека (збори картин). Плануванням і будівництвом Акрополя керував видатний скульптор Греції - Фідій. Великий архітектурний ансамбль втілював могутність Афінської держави і вперше - ідею загальноеллінського єдності.

Парфенон - храм Афіни Діви - перлина світової архітектури (архітектори Иктин і Калликрат, скульптор Фідій). Він височить над Акрополем, подібно до того, як Акрополь височить над Афінами. Парфенон прекрасний і героїко-монументальний. Це доричний периптер з елементами іонічного ордера. Навіть у своєму напівзруйнованому вигляді Акрополь справляє незабутнє враження.

У 1687 р венеціанське ядро ​​підірвало пороховий льох, влаштований завойовниками-турками в Парфеноні. А на початку XIX ст, англійський дипломат лорд Ельджін велів виламати частина знаменитого фриза Парфенона (прикраса верхньої частини стіни) і зняти вцілілі статуї на фронтонах. Згодом їх придбало англійське уряд, і нині скульптури Парфенона - гордість Британського музею в Лондоні. Однак варварське ставлення до творів мистецтва отримало найменування ельджінізм.

Раніше, в епоху архаїки, також славилися святилище-храм Артеміди в м Ефесі (Мала Азія) - одне з «семи чудес світу», а пізніше, в еллінізму - Мавзолей в Галикарнассе, Олександрівський маяк (в Єгипті), також увійшли до «чудову сімку», а також Вівтар Зевса в Пергамі (П ст. до н.е.). Якщо авторство архаїчної скульптури не встановлено, то класична епоха і прийшов їй на зміну еллінізм зберегли імена своїх найбільших майстрів скульптури.

Відкриває цей славний список семи великих, звичайно ж Фідій. Знаменита його 12-метрова статуя Афіни Парфенос, яка стояла колись в святилище Парфенона, виконана в хрізоелефантінной техніці (дерев'яний остов, покритий слоновою кісткою і золотом), яка вважалася вершиною мистецтва. У правій руці Афіна тримала статую (2 м) Ніки (Перемоги), а лівою спиралася на щит з рельєфом,-о-пліч було притулити спис. Статуя не збереглася, по була реконструйована за описом сучасників. Настільки ж знаменита і фідіевская статуя Зевса ( «чудо світу») для храму в Олімпії. Зевса, що сидить на троні. Фідій створив скульптуру в спеціально збудованій для цього майстерні. Скіпетр з орлом священним послання-ком в правій, а крилату Ніку в лівій руці тримав «батько богів і людей». Золоте оздоблення, як вважають, важило близько 200 кілограмів, а очі з дорогоцінних каменів були розміром з кулак. Дванадцятиметрова статуя простояла майже 900 років і загинула в пожежі в V ст.

Одним з перших скульпторів, які зуміли реалістично передати руху могутнього тіла, став Мирон, з його знаменитим «Дискобол». Скульптор Поліклет визначив досконалі пропорції тіла і передав їх в пластиці. Його «Дорифор» (копьеносец) був створений за каноном, який панував потім понад сто років. Бронзові «Дискобол» і «Дорифор» дійшли до нас в мармурових римських копіях. На зміну суворої величавості пластичних образів трьох афінських майстрів в VI ст. прийшов драматичний пафос Скопаса ( «Менада») і мрійлива грація образів Праксителя ( «Гермес з немовлям Діонісом», «Афродіта Книдская» - на о. Книд, який придбав статую оголеної богині, кажуть, було справжнє паломництво чекають на видовище її красою).

В епоху початку еллінізму, коли, завдяки завойовницьких походів Олександра Македонського, грецький світ надзвичайно розширився і активно взаємодіяв з східними культурами, висунувся Лісіпп (придворний скульптор Олександра, який створив його скульптурні портрети, а також знаменитого «Апоксиомена» - атлета, що очищає тіло скребницею, і пустотливого «Ерос» з Кличком стріл і цибулею за плечима).

До великої сімки зараховують і артистичного Леохара з його «Аполлона Бельведерського» (мармурова копія з бронзового оригіналу варто нині в палаці Ватикану). Театральна ефектна поза бога світла і мистецтва з відведеної в сторону лівою рукою і недбало накинутим на неї плащем.

Серед знаменитих елліністичних шедеврів монументальна «Ніка Самофракийская» (Париж, Лувр), «Лаокоон з синами» (Рим, Ватикан) і скульптурний фриз Вівтаря Зевса (з Пергама, Мала Азія), нині залишки його зберігаються в берлінському «Пергамон - музеум». Всесвітню славу придбала і статуя «Венери Мілоської» (Париж, Лувр).

Грецьке мистецтво завершувало свій історичний шлях. Починався новий етап його «існування» - як найвищого зразка для всіх наступних художніх культур. І першим «учнем» з'явився Древній Рим.

8. ХУДОЖНЯ КУЛЬТУРА СТАРОДАВНЬОГО ЄГИПТУ

Існує щось, перед чим відступають і байдужість сузір'їв, і вічний шепіт хвиль, - діяння людини, що віднімає у смерті її здобич.

З давньоєгипетського тексту

Держава Стародавнього Єгипту в долині Нілу створило високу і витончену культуру. У ній виявилися загальні риси стилю давньосхідних рабовласницьких деспотій (Вавилона, Шумеру, Ассирії, Урарту) з їх «гігантоманію», але мистецтво Стародавнього Єгипту подолало грубу ваговитість і виробило художні форми незрівнянного шляхетності і чистоти.

Гігантські піраміди в Гізі, Великий Сфінкс фараона Хефрена і скульптурний портрет цариці Нефертіті - всесвітньо відомі художні емблеми Єгипту, що прийшли з глибини століть.

Зародившись па рубежі IV і III тисячоліть до н. е., культура Стародавнього Єгипту пройшла кілька стадій свого розвитку, досягаючи розквіту в епоху Стародавнього (XXVIII-XXIII ст. до н. е.), Середнього (XXI-XVIII ст. до н. е.) і Нового царства (XVI-XI ст. до н. е.).

Особливості давньоєгипетської культури пов'язані з раннім розвитком державності, ізольованим географічним положенням, а також з глибоким і всебічним впливом релігії (особливо заупокійного ритуалу) на всі сфери художньої діяльності.

Провідним в ансамблі мистецтв Давнього Єгипту стає архітектура як виразник панівних релігійно-державних ідей, які кристалізуються в образі піраміди (по-грецьки «священної висоти»). Символ божественної і земної ієрархії, зв'язку трьох світів (богів, людей і мертвих) - піраміда відображає картину світу, що склалася у свідомості давніх єгиптян. В її центрі обожнювання фараон як втілення бога Гора (Хора) і посередник між світами.

Ті, що прийшли з глибини століть, тому що будувалися на століття як вдома Вічності, - піраміди Стародавнього царства (ансамбль в Гізі) залишилася єдиними з «чудес світу», що дійшли до нашого застосуй.

Їм передувала «Мати пірамід» - шестиступінчаста гробниця фараона Джосера (60 м), побудована великим зодчим Імхотеном, що стала також і символом необмеженої влади.

Піраміда входить в монументальні поховальні комплекси - некрополі - з заупокійними храмами, дорогами сходження сфінксами, пірамідами-супутницями, священної турою і потужної фортечною стіною.

Центральне положення піраміди в архітектурної композиції царського поховання обумовлено в тому числі і її сонячної символікою, адже солярний культ був вищим у системі релігійних уявлень. Єгипет називали країною Сонця, а фараонів його синами. Подібна променю сонця, що падає на землю, піраміда символізувала і шлях фараона на небеса. Форма її означала Вічність, а відношення граней - Божественну Гармонію Всесвіту.

Гігантські гробниці в Гізі фараонів Хеопса (146,6 м), Хефрена (143,5 м) і Мікеріна (66,5 м) стоять вже понад сорок ве-ков, незвичайні пам'ятники непохитної волі фараонів, багаторічного каторжної праці сотень тисяч селян і рабів і високого мистецтва будівництва, а також осередку древнього знання. Піраміди таять досі безліч загадок.

Якщо в епоху Стародавнього і Середнього царства в скельних гробницях ховали придворну знать, то в Новому царстві і фараони почали будувати свої гробниці в скелях в Долині царів і цариць, марно сподіваючись захиститися від грабіжників, а піраміди залишилися архітектурним і символічним прикрасою поховань.

Стародавні єгиптяни вважали храм місцем земного перебування бога і моделлю Всесвіту. Під час Нового царства храмова архітектура переживає розквіт.

Всесвітньо відомі храми-святилища сонячного божества Амона-Ра в Карнаці і Луксорі. Якщо стародавня піраміда подібна горе, то ці храми нагадують дрімучий ліс. З'єднувала храми майже двокілометрова до-роги - алея Сфінксів, біля входу височіли сонячні знаки-обеліски. Потужні пілони утворювали величний портал, прикрашений скульптурними велетнями фараонів. Кожен наступний правитель прилаштовував до наявних храмам нові, чому протягом століть комплекси Карнака і Луксора перетворилися в кам'яні міста з алеями і площами, колонадами і храмами. Дотримуючись лінійної плануванні, композиція храму розгорталася вглиб, до святилища зі статуєю божества, через похмурий гіпостільний (колонний) зал. У Карнане гипостиль налічує 134 колони (вони імітують рослинні форми Єгипту): папірусообразние, лотосовідная, Пальмовидні до 23 м заввишки. Карнакський гипостиль-один з найбільш монументальних інтер'єрів давньоєгипетської архітектури.

Останній злет монументальної архітектури пов'язаний з епохою Рамессидов - це небувалий за масштабами скельний храм Рамзеса II в Абу-Сімбелі.

Гігантський пілон прикрашають двадцятиметрові колоси фараона-завойовника. У 50-ті р нашого століття ООН і ЮНЕСКО організували унікальну операцію через побоювання Абу-Симбела під час будівництва Ассуанской греблі. Храм розпиляли на гігантські блоки і перенесли на нове місце. Творіння староєгипетських архітекторів було врятовано.

У культовому синтезі мистецтв архітектурі супроводжувала скульптура, яка була настільки ж канонічної і монументального, зберігаючи стійкі художні традиції.

Серед шедеврів круглої скульптури Великий сфінкс, страж гізехські некрополя, творіння природи і людини (скельний масив тулуба лева з головою царя). «Батько Жаху» постраждав не від часу, його спотворить-вали наполеонівські солдати (відбитий ніс) на початку XIX ст. Пізніше англійці відвезли кам'яну бороду. Зараз сфінкс Хефрена всерйоз турбує європейських вчених своїм станом.

Відповідно до культовим призначенням круглої скульптури бути вмістилищем душі померлого створювалися чудові портрети.

Така скульптурна група царевича Рахотепа і його дупи Нофрет (Каїр, Єгипетський музей), що сидять на троні. Канонічні не тільки величаво - спокійні, пози, але і розфарбування чоловічий статуї в червоно-карічневое колір, жіночої - в жовтий, волосся - чорний, одягу - біло-червоний. Канон постать писаря відтворює знаменита статуетка писаря Каї з Лувру.

У мистецтві скульптурного рельєфу (барельєфа і розрізає рельєфу) єгиптяни також досягли пластичної виразності, створивши неповторний силует фігури, як би розпластаною на площині. Початок канону поклало зображення фараона Нармера на знаменитій палітрі, а блискучим продовженням став дерев'яний портретний рельєф «Зодчий Хесира». Рельєфи в гробницях і храмах відрізняють фризовий (стрічковий) принцип розташування, умовність розмальовки та зв'язок з писемністю. Особливою вишуканістю відзначені рельєфи з уцелевшейі відкритої вже в XX ст. гробниці молодого фараона Тутанхамона.

Через тридцять п'ять століть забуття постала і цариця Нефертіті з Нового царства. Ряд її скульптурних образів був знайдений при розкопках майстерні скульптора Тутмеса, придворного майстра фараона-єретика, або проклятого фараона Ехнатона, який не тільки ввів культ єдиного сонячного божества- Атона, але і вплинув на мистецтво, яке виділяється в особливий амарнский період Нового царства (на місці нового міста Ехнатона під назвою Ахетанон розташована сучасна Тельель-Амарна. Піти від старих канонів і наблизитися до життя - це завдання вирішували художники часу Ехнатона, і правдиву ліричну трактування образу людини ми знаходили в творіннях знаменитого Тутмеса (сімейні портрети, скульптурний портрет Нефертіті у високому тіарі і незавершений портрет з золотистого пісковика зберігаються в Державних музеях Берліна).

Про музичну культуру Стародавнього Єгипту, з якої збереглися лише кілька інструментів і зображення музикантів в рельєфах і розписах, існують припущення. Мабуть, існувала музика народна, храмова і палацова, одноголосна мелодія розцвічує тембрами арф, флейт, ударних.

Давньоєгипетська література відрізняється різноманітністю жанрів: казки, повчання, гімни богам і царям, хвалебні пісні, а з часу Нового царства - любовна лірика з високими поетичними достоїнствами.

Стародавній Єгипет відкрив світові далеко не всі свої таємниці. Його величезна роль в історії світової культури ще не оцінена по достоїнству. Вивчення давньої культури почалося після військової експедиції Наполеона, в ній брав участь і Домінік Виван Денон, ілюстратор знаменитого 24-томної праці «Опис Єгипту». Так Європа познайомилася із загадковою і екзотичної країною, але її письмена були мертвим мов. Велике наукове відкриття, завдяки «Розеттському камені», скоїв інший геніальний француз, «воскреситель ієрогліфів» - Жан Франсуа Шампольоп. Так починалася єгиптологія. Художні образи Стародавнього Єгипту, що впливали до нашої ери на всю культуру Середземномор'я (особливо в епоху еллінізму) і потім ввійшли в європейську культуру з XIX в., І понині зберігають непідвладне часу духовну велич і естетичну досконалість.

9. ОСОБЛИВОСТІ ХУДОЖНЬОЇ КУЛЬТУРИ СРЕДНЕВЕКОВЬЯ

Було б однобічністю бачити в середніх віках лише «дитинство» європейських народів, підготовчу щабель до нової історії ... вони мають самостійну історичну і художню цінність.

А. Я. Гуревич

Коли згадують про середні століття, зазвичай представляють, закутого в лати лицаря, важким мечем вражаючого ворога, хрестові походи, кам'яні громади феодального замку пли собору, виснажлива праця кріпосного селянства, ченця, який зрікся від мирських спокус, інквізицію. Залізо. Камінь. Молитви, вогонь і кров.

Чимало в середні століття нагромаджено важкого, темного, нелюдського. Може бути, тому гуманісти епохи Відродження назвали тисячоліття (V-XV ст.) Між заходом античності і Новим часом епохою розумового застою, «темної ночі», Середніми століттями, прагнучи розігнати морок середньовіччя сяючими променями відроджуваної античної культури.

Сучасна історіографія і мистецтвознавство бачать в Середньовіччі не розділяти прірву, а сполучний давню і сучасну культуру міст, складну епоху, яка має свої неповторні особливості, як етап культурно-історичного розвитку людства, відповідний зародженню, розвитку і розкладання феодалізму.

Серед трагічних сторін середньовічного життя: нескінченних феодальних і релігійних воєн, свавілля імущих і церкви, масових епідемій чуми та від зарази, постійно нависає кари Страшного суду і очікування кінця світу - людина середньовіччя вмів радіти життю, тягнувся до світла і любові, бачив в красі світу символи божественної краси; вмів самовіддано працювати, віддаючи в великому і малому діянні хвалу Творцеві; недарма середньовічна культура залишила після себе велике і багатолика мистецьку спадщину, створене «маленькими людьми», які були великими майстрами.

Особливу роль у формуванні середньовічної культури відіграло християнство, яке створило великий історичний синтез, наслідуючи і перетворюючи ідеї і образи релігій Близького сходу і традиції греко-римської античної філософії. Християнство вперше в світовій історії висунуло ідеї рівності всіх людей перед Богом, осуд насильства, подолання недосконалості світу шляхом морального вдосконалення кожного, ідеї духовного єднання всіх людей. «Трагедія особистості Христа заповнює собою світ, вона живе в кожній людині» (Д. С. Лихачов). Гостре переживання цієї трагедії становить головний зміст шедеврів художньої культури середньовіччя.

Прийнято більш ніж тисячолітню історію Середніх віків ділити на три основних періоди: раннє (V-XI ст.), Зріле, або класичне (XII-XV ст.) І пізнє середньовіччя (XVI - початок XVII ст.), Зазначених широким розповсюдженням і національно -самобитним проявом в мистецтві Ренесансу ідей.

При всій складності, різнорідності, багатошаровості, парадоксальності і суперечливості середньовічного життя і культури присутній і об'єднуючий початок - «геоцентрична модель світу», яка знаходить в мистецтві ідеальне, гуманістичне втілення.

Раніше всього християнська релігійність проявила себе в складення візантійської художньої системи. У ранній період середньовіччя Візантія залишалася єдиним хранителем традицій елліністичної античної культури, передавши цю культурну естафету в X ст. Стародавній Русі разом з православ'ям.

Візантія створила основні типи християнських храмів (базилікальнй, центричний і хрестово-купольний), переосмислюючи античну архітектуру відповідно до християнським релігійним вченням про храм як земної моделі небесної церкви, як кораблі порятунку для віруючих, як будинку для моління. Тому головна увага приділялася збільшенню внутрішнього простору і божественному пишності внутрішнього оздоблення храму.

Головним у Візантійській імперії став храм св. Софії в Константинополі, зведений в VI ст. при Юстиніані зодчими Анфімієм і Исидором (рідкісний випадок збереження імен середньовічних будівельників, адже про це в епоху середньовіччя ніхто не дбав, так як майстри, що творили красу, стояли на нижчих щаблях феодальної драбини, їх праця вважалася колективним і, отже, внеперсональним і майже завжди залишався безіменним, анонімним).

В СВ. Софії з'єдналися конструктивні принципи давньоримського Пантеону і ранньохристиянської базиліки, центр прямокутника був увінчаний гігантської півсферою купола (діаметром 31.5 м). Архітектура храму здається таємниче мінливої ​​з різних точок огляду, здійсненим в камені дивом.

В епоху Середньовіччя народжується новий храмовий синтез мистецтв, що має відмінності в православ'ї та католицтві, що розділилися в 1054 р .: в грандіозному ансамблі, приголомшливому величчю і піднімає одухотвореністю, з'єднуються архітектура і скульптура, живопис (фреска, мозаїка, ікона або вітраж) і декоратівнонпрікладное мистецтво , вокальна та інструментальна музика (орган).

Вперше такий художній синтез був здійснений в урочистому ритуалі візантійського богослужіння, який перейняли Давня Русь і інші держави православної гілки християнства.

Якщо на Сході перехід від античності до середньовіччя відбувався поступово, то на Заході - через руйнування і ломку культурних традицій давнини. Падіння античного Риму, велике переселення народів і «варваризація» Європи - в горнилі народження середньовічної цивілізації формувалася і художня культура Західної Європи.

Середньовічне мистецтво Західної та Центральної Європи в своєму десятівековом розвитку пройшло три етапи: дороманского (пор. V-X ст.), Романський (XI - XII ст.) І готичний (XII - XIV ст.). У деяких державах готичне мистецтво в XV- XVI ст. ( «Палючий готика») співіснувало з мистецтвом Ренесансу.

З усіх «варварських королівств», що виникали на території колишньої Римської імперії, найбільш великим і сильним виявилося королівство франків, спочатку кероване династією Меровингов, які прийняли християнство за католицьким обрядом, а потім франки переживають «Каролингский ренесанс» (VI - IX ст.), Цю епоху завершує імперія Карла Великого, коронованого римським папою як "імператор римлян».

У цей час бурхливо розвивається декоративно-прикладне мистецтво (застібки, пряжки, зброя, начиння, хрести, оклади церковних книг багатомірніші, зі вставками з дорогоцінних каменів, кольорового скла або емалі, дивують багатством орнаменту в поєднанні зі «звіриним стилем») і мистецтво книжкової мініатюри.

З IV ст. виникають монастирі стають центрами створення християнських книг (євангелія, повчання отців церкви, богослужбові книги), які виготовлялися з пергаменту і прикрашалися кольоровими мініатюрами, де використовувалися золото, пурпур, гуаш. Улюбленою темою були образи євангелістів.

Зразки ранньосередньовічного мистецтва оформлення книги, яка перетворювалася в дорогий і вишуканий подарунок, демонструють витончений закінчений орнаментальний стиль, що зробив великий вплив на всю європейську культуру.

Під час руйнівних навал норманів загинули багато осередки культури і пам'ятники мистецтва, архітектури, були розкрадені незліченні багатства з монастирів і палаців. У свій недовгий розквіт Каролингское мистецтво багато відродило з досягнень пізньої античності, але не створило нової завершеної системи, що виявилося під силу прийшла на зміну ро-Манський епосі, яка виробила перший загальноєвропейський художній стиль.

Термін з'явився в XIX в., Коли археологи в будівлях X- XII ст. знайшли риси подібності з римської архітектурою, пізніше романським стали називати мистецтво епохи в цілому.

У роздробленою, що ворогує Європі головними видами архітектурних споруд стали лицарський замок, монастирський ансамбль і храм кріпосного типу з масивними кам'яними стінами, вузькими вікнами, високими вежами.

Прагнення до підвищеної натхненності відрізняємо зразки романського мистецтва так само, як і візантійського, проте образ духовно досконалого і відчуженого від реального світу людини не отримав такого ж розвитку, як у Візантії, в західноєвропейському мистецтві з релігійністю поєднувалося діяльне ставлення до життя. Романська архітектура вражає міццю, скульптура - бентежним духом. У підвищеній експресії почуттів відчуваються традиції варварського мистецтва, бурхливий і грізний характер епохи феодальних воєн і хрестових походів. У романських соборах розвивається базилікальнй тип християнського храму. Могутній витягнутий поздовжній корпус (неф) уподібнює храм кораблю. Бічні нефи нижче центрального. Їх перетинає трансепт, і в плані утворюється латинський хрест. Над перетином (средокрестием) височіє масивна, вежа, зі сходу храм замикає півкруг апсиди (з вівтарем всередині). Вузькі високі вежі вартують храм (по дві з східного і західного кінця). Архітектоніка романського храму ясна у всіх деталях, виразна і наочна, відрізняється мужньою красою, значністю і урочистою міццю.

Новим в оздобленні християнського храму романської епохи було скульптурне оформлення зовні і всередині, що дозволяє порівняти собор з кам'яної книгою, яка демонструвала душу середньовіччя. Хоча діячі церкви і «управляли» мистецтвом - часто вони не могли ні зрозуміти, ні схвалити скульптурного оздоблення храмів.

Романські майстри населили стіни, двері і колони небаченим раніше світом: образи святих, апостолів, євангелістів приземисті, мужикуваті, явно простонародного походження, в напівкруглих тимпанів над порталом (входом) церков особливо часто поміщали рельєф із зображенням Страшного суду, де Христос - суддя і захисник своїх васалів, а навколо з химерного орнаменту виникають «дивно-потворні образи» - кентаври, мавпи, леви і всякого роду кам'яні химери, часом вони замішуються в кампанію святих і присутні при «священних співбесідах.». Мабуть, ці фантастичні образи прийшли в романське мистецтво з язичницьких народних культів, казок і байок, народного епосу, висловлюючи народне розуміння і уявлення про боротьбу сил добра і зла за душу людини.

Усередині храми тай же, як і в епоху Каролінгів прикрашали барвисті фрески, новим явищем були кольорові вітражі зі скла на сюжети з священної історії; цей вид храмового живопису отримав особливий розвиток в готичну епоху. Знаменитий романські собори збереглися в Німеччині (Верме, Шпейєр, Майнц) і у Франції (Нотр-Дам в Пуатьє, Сен-П'єр в Муассаке, Сен-Лазар в Отене).

До XII в. головними культурними центрами Європи були монастирі, де було найбільше освічених людей, обговорювалися будівельні проблеми, листувалися книги. Однак в XII в. першість стало переходити до нових господарських і культурних центрах - містах, які боролися з феодалами за свою незалежність. Недарма говорили: «повітря міста робить вільним». У середовищі городян народжувалося вільнодумство і критичне ставлення до феодального ладу, освячує церквою, як нібито спочатку встановленого на небесах, а тому непорушного.

Високого розквіту досягає в цей час світська лицарська література і поезія, складається література міського світу, завершується створення героїчного епосу середньовіччя.

Найбільш відомі французькі епічні поеми «Пісня про Роланда», «Пісня про Сіда» і німецький епос «Пісня про Нібелунгів».

В основі «Пісні про Роланда» епізод з іспанського походу Карла Великого 778 р, в поемі завойовницький похід перетворюється в справедливу війну з «невірними», сарацинами. Підступне перемир'я сарацинського царя Марсилій, зрада радника Карла мстивого Ганелона, кровопролитна битва лицаря Роланда з сарацинами і загибель головного героя, розгром Карлом армії сарацинів, смерть нареченої Роланда і кара Ганелона - такі головні події епічного сюжету, котрий прославляє справу християнської церкви, патріотизм французів, гарячність і відвагу молодого лицаря.

Доданків протягом декількох століть «Пісня про Нібелунгів» являє собою величезну пісенно-епічне сказання, включає картини блискучою лицарської придворного життя, смутні спогади про далеку давнину часів Великого переселення народів IV-V ст., Міфологічні, легендарні та казково-фантастичні образи. Головні теми оповіді: осліплююча згубна влада золота (скарб нібелунгів), прагнення до любові і щастя відважного лицаря Зігфріда - «ідеального героя» середовищ-невековья, помста обдуреною в своїх надіях на любов Зігфріда могутньої Брунгільди, волю якої вершить похмурий злісний Хаген, вбиваючи героя , а також жахлива відповідна помста його дружини Крімхільди і загибель всіх головних героїв оповіді. Дивний розповідь середньовічного автора, який проник в психологію людини і одночасно прикрасив його вчинки фантастичними образами магічного кільця, чудесного меча, чудодійною крові поваленого Зігфрідом дракона, а також «Пісня про Нібелунгів» багата гуманістичними прозріннями про те, що руйнівний заряд помсти повертається до послав, прирікаючи на загибель і світ богів, і світ людей.

Саме в середні століття поезія стає королевою європейської словесності. Навіть літописі наділялися в віршовану форму, і святе письмо знаходило віршовані ритми, які краще запам'ятовувалися, і повчальні тексти набували красу поезії.

Придворний етикет світловий лицарської культури XII і XIII ст. вимагав, щоб, поряд з традиційною військовою доблестю, лицар мав витонченими манерами, дотримувався у всьому «міру», був залучений до мистецтва і почитав прекрасних дам, тобто являв собою зразок придворного вежества, іменованого куртуазен.

Блискучою сторінкою лицарської поезії стала творчість трубадурів ( «творців») французького Провансу, культ прекрасної дами зайняв в ньому приблизно таке ж місце, як культ мадонни до релігійної поезії. Любов трубадурів з'явилася свого роду бунтом проти жорстких станових перепон між людьми. Провансальська поезія висловила і благоговіння перед красою вічно живої природи; на кращих зразках прованської лірики вчилися Данте, Петрарка і інші поети епохи Відродження, адже саме трубадури ввели риму в широкий літературний побут. У Німеччині середньовічну лицарську лірику називали миннезанг, а її поетів - миннезингерами. В опері «Тангейзер» Ріхард Вагнер спорудив їм і XIX ст. величний пам'ятник, а також віддав данину національному епосу в оперній тетралогії «Кільце Нібелунгів»; мистецтву міського, бюргерського цехового мейстерзанта Вагнер присвятив оперу «Нюрнберзькі мейстерзінгери»; подібної йому багато європейських романтики XIX ст. надихалися національними середньовічними образами.

В цілому «новоєвропейське» літературна творчість різноманітно за жанрами. Крім національного героїчного епосу і куртуазної лірики існували лицарські повість і роман ( «Роман про Трістана»), «вчена» латинська поезія, поезія вагантів - бродячих студентів, ченців і іншого люду, християнська література - «висока» богословська і «низова» для « простецов »(житія святих і« бачення »сцен загробного життя), міська література представлена ​​побутовими комічними віршованими жанрами фабліо і« Шванк », а також лірикою балад і рондо.

Театр церквою був заборонений. Церковні і народні видовища можна лише з натяжкою віднести до театрального мистецтва. Серед церковних «театральних» жанрів літургійна драма (спів з театральними елементами), міракль (чудеса з життя святих), містерії - таїнства, показ праведних і неправедних, мораліте про боротьбу вад і чеснот. Існували й різноманітні народні театри бродячих акторів.

З розвитком міської готичної культури центром всього суспільного життя стає готичний собор. Термін «маніера готика» - «готична манера» (від назви германського племені) також виник в епоху Відродження як засудження грубого, варварського мистецтва середньовіччя. Згодом зміст терміна змінилося. Готикою стали називати, завершальний етап західноєвропейського середньовіччя ..

У готичному мистецтві з величезною, вражаючою силою виражена «неусвідомлена сповідь» середньовічного людства. І Середні століття представляються «величні, як колосальний готичний храм, темні, похмурі, як його перетинаються одні іншим склепіння, строкаті, як різнобарвні його вікна і достаток ізузорівающіх його прикрас, піднесені, виконані поривів, як його летять до неба стовпи і степи, що закінчуються мигтючим в хмарах капищем »(Гоголь).

Майстри готики, удосконалюючи опорну систему, зробили революцію в архітектурі. Зникла масивна романська стіна, будівля звелося до остову, до разросшемуся вгору кам'яного нервюрного (реберному) каркасу. Готика розвиває базилікальнй тип християнського храму. Наскрізний характер аркад, що відокремлюють один неф від іншого, підкреслює відкритість і взаємну зв'язок частин внутрішнього простору, а великі ажурні вікна - арочні і круглі ( «готична троянда») з кольоровими скельцями - вітража-ми - роблять легкої, ілюзорною і легкопроникною перешкоду між інтер'єром собору і зовнішнім світом. Переважна міць і надзвичайна відкритість простору, грандіозність і динамічність кам'яної конструкції, колірної пофарбований світло, що ллється через вітражі, - все це зливається в єдиний монументальний художній образ.

Готичний собор вміщує в себе весь світ середньовічного міста, стає його енциклопедією. Стиль готики темпераментний і драматичний, як і напружене життя середньовічного міста. Батьківщиною готики стала Франція, трохи пізніше вона поширилася в Німеччині (Кельнський собор, «цегляна готика»), Англії (Вестмінстерське абатство в Лондоні), Чехії (собор святого Віта) і інших країнах католицького світу.

Найзнаменитіші собори Франції присвячені Богоматері Нотр-Дам в Ам'єні, Шартре, Руані і, звичайно, в Реймсі і Парижі. Це «величезні кам'яні симфонії» (В. Гюго) зі складним скульптурним декором, де кожен елемент архітектури «олюднений», населений різноманітними живими істотами, а готичні статуї вражають виразом натхненного екстазу, який перетворює, облагороджує виснажені тіла. Адже в готичному мистецтві висловило себе третій стан з його мріями і стражданнями, відчаєм і надіями.

У храмовому синтезі мистецтв, в створенні образу Божого світу завершальну крапку ставила музика. Розвиток церковної музики спиралося на одноголосні молитовні піснеспіви на латинській мові - григоріанський хорал (звід співів був створений з ініціативи папи Григорія I). З IX ст. отримав визнання орган, який прийшов до Європи з Візантії. Пізніше на основі мелодій григоріанського хоралу виникає многоголосная музика мотетов і католицької меси. Піднесеними образами григоріанського хоралу надихався в XVIII в. великий Й. С. Бах.

Середньовічна художня культура являє собою складний, драматично розвивається і одночасно замкнутий в рамках станової ієрархії і «геоцентрической моделі» образ світу. Середньовіччя належить одна з найдраматичніших сторінок великої книги про Людину, яку створює історія Мистецтва.

10. ХУДОЖНЯ КУЛЬТУРА ІНДІЇ, КИТАЮ ТА ЯПОНІЇ

Мистецтво Індії, Китаю і Японії належить художній культурі народів Сходу. Їх об'єднує схожість шляхів історичного розвитку, а також поширення в цих країнах буддизму, який вплинув на виникнення нового мистецтва на рубежі давнини і середньовіччя. Це мистецтво відрізнялося широтою охоплення дійсності, усвідомленням глибокого спорідненості людини і природи, великим емоційним напруженням. Індійська скульптура, китайська пейзажний живопис, японські монастирі і сади - це лише окремі знамениті приклади.

Мистецтво Індії з найдавніших часів живить могутня фантазія, грандіозність масштабів уявлень про Всесвіт. Засоби художнього вираження вражають різноманіттям і барвистістю, що нагадує квітучу природу Індії. Ідея єдності життя у всіх її проявах пронизує і філософські вчення, і естетику, і мистецтво. Тому настільки велика в індійському мистецтві роль синтезу - архітектури і скульптури, архітектури та живопису, а також поезії, живопису та музики. Знамениті театралізовані вистави на теми древніх епосів Рамаяни і Махабхарати стали джерелом відбитих у образотворчому мистецтві класичних поз і жестів, які відрізняються експресією і сміливістю. У формуванні індійського мистецтва брали участь численні племена найбільшого півострова світу (Індостан).

Період з середини II до середини I тисячоліття до н. е. пов'язаний в основному з розквітом філософії брахманізму і літератури на найдавнішому мовою санскриті. Однак ще задовго до нашої ери, коли складалися цивілізації Єгипту, Месопотамії, Ірану та Китаю, в Індії виникли ремесла, науки і мистецтва. Велике розвиток отримали граматика, математика і медицина. Індійці на весь світ прославили «країну Бхарат», навчивши людство цифровий системі і грі в шахи, виготовлення найтонших барвистих тканин і булатної сталі,

Виключне різноманітність форм, нестримна фантазія, оптимістична сила і стійкість народних традиції всупереч культовим, канонічним обмеженням - саме чудове в художній творчості індійців. Не дивно, що Індія вабила до себе численних мандрівників. Ще в XV в. тверський купений Афанасій Нікітін здійснив «Ходіння за три моря». У XVIII ст. Герасим Лебедєв створив в Калькутті театр. А в XIX в. образи Індії відобразили на полотнах А.Д. Салтиков, В. Б. Верещагін (близько 150 картин), І. К. Реріх. Творчість Реріхів (батька і сина) - особлива сторінка російсько-індійських культурних зв'язків.

В середині II тисячоліття квітуча цивілізація Інду загинула під натиском кочових племен - аріїв. Збереглися лише руїни впорядкованих міст Мохенджо-Даро і Хараппи, а також безліч предметів розвиненого декоративно-прикладного мистецтва і дрібної пластики. Ті, що прийшли арії вважаються творцями найдавніших «Вед» ( «Знання»), і них гімни і молитви до божествам, безліч різних відомостей про життя і побут аріїв, про поділ суспільства на чотири станово-кастові групи (варни): жерців - брахманів, воїнів - кшатріїв, землеробів, ремісників і торговців - вайшиїв і нижча варна - шудр, які поряд з рабами підпорядковувалися першим трьом.

В період утворення могутніх рабовласницьких держав (VI-IV ст. До н. Е.) Виникає епічна література - великі поеми на санскриті «Рамаяна» і «Махабхарата» (що перевершує давньогрецький епос за обсягом в 8 разів), які донесли перекази про мужніх і відважних героїв, про боротьбу і зміцненні нових могутніх династій.

Ідея торжества добра над злом лежить в основі давньоіндійського епосу, пронизує історію про братів Сунде та Упасунде, які вирішили осягнути таємниці світобудови, поетичне сказання про Ліво і красаніце Дамаянти. В цілому сюжет 18 книг «Махабхарати» оповідає про впертій боротьбі двох царських пологів за владу. Благородні образи створені і в «Рамаяні». Безстрашність і доблесть царевича Рами, відданість його брата Лакшмана, вірне коханняСіти, які розділили з Рамою вигнання в ліс, і підступність владики демонів Равана давно увійшли в індіанців в приказки. А деякі Горо поем досі шануються як боги, і на площах у свята розігруються сцени з «Рамаяни». «Океаном мудрості і краси» називають індійці свій епос.

Після видворення військ А. Македонського до влади приходить династія Мауро. Цар Ашока, об'єднавши Індію в величезну імперію, почав грандіозне кам'яне будівництво споруд буддійського культу. Буддійська релігія була офіційно прийнята при Ашоке в 261 р. До н.е. е.

Буддизм (спочатку не релігія, а етичне вчення), за переказами, був заснований в VI ст. до н. е. царевичем з роду Шакіев, по іменіСідхартха Гаутама, прозваним потім Буддою ( «просвітленим»). Будда проповідував ідею самовдосконалення людини, непротивлення злу, зречення від мирських спокус. У брахманської релігії Будда запозичив поняття про перевтілення, проте він вчив, що стан вищого спокою - нірвани може досягти кожен, навіть безправний шудра, а не тільки вища каста.

Релігійно-етичні принципи буддизму знайшли відображення в буддійської літературі (канонічні оповіді, релігійно-філософські трактати). У джатак - переказах про перевтілення Будди - багато фольклорного і побутового матеріалу. Сюжети з них часто використовувалися скульпторами та художниками для прикраси культових споруд.

Найбільш поширені: релікварії - ступи, гаолоііи - стамбхи, печерні храми - чайтья, монастирі - вихара.

Ступа - буддійський культовий пам'ятник: насипана земляна сфера, облицювати цеглою або каменем, що стоїть на невисокому барабані, в верхній частині - камера для зберігання реліквій Будди - зуб, локон, кістка - і релігійних книг; нагорі ступи - стрижень з дисками-парасолями, які символізують ступені пізнання на шляху до нірвани; огорожа і ворота (4) відтворювали в камені конструкцію дерев'яних парканів і воріт часу вед. Класичний приклад - ступа в Санчі (висота зі стрижнем - 23,6 м, діаметр основи - 36,6 м). Огорожа та ворота багато декоровані рельєфами і круглої скульптурою за мотивами джатак з великим почуттям правди і любові до природи. Різьблені ворота ступи в Санчі «вводять нас в світ давньоіндійської мистецтва».

Стамбхі - кам'яні меморіальні колони, зводилися при Ашоке на історичних місцях буддизму. Вціліло 10 стовпів до 15 м заввишки і вагою понад 250 т. На стовпі зазвичай висікали царські укази релігійно-етичного змісту. Найбільшу популярність завоювала «Левова капітель» від стамбхи в Сарнатхе (середина III ст. До н. Е.). Являє собою як би зрощених спинами, чотирьох левом. Абака капітелі прикрашена символами чотирьох сторін світу - рельєфними фігурами слона, лева, коня і бика, між ними - «колесо закону» (чакра) - символ вчення Будди. «Левова капітель» є в даний час державним гербом Республіки Індія.

За переказами, Будда закликав учнів віддалитися від суєтного світу. Перші храми і монастирі при Ашоке поклали початок монолітної скельної архітектури, яка існувала з II ст. до н. е. до VII ст. н.е.

Одне з найвеличніших споруд раннього періоду - чайтья в Карлі довжиною 37,8 м і висотою 13,7 м. Усередині, як і інші храми, вона ділиться двома рядами колон на три поздовжніх нефа. У напівциркульним завершенні центрального нефа поміщена монолітна кам'яна ступа. Розсіяний потік м'якого світла втрачається в напівтемряві величезної печери, наповненою сизим димом запашного кадила. Найбільш знаменитим є створений пізніше, на зорі індійського середньовіччя, в епоху Гуптів, печерний комплекс Аджанти. Немов гігантська гірлянда, висічені 29 печерних храмів і монастирів вздовж стрімкого берега річки Вагхори, Аджанта органічно поєднує архітектуру, скульптуру та живопис,

Ранні споруди буддизму не мали скульптурних зображень законоучителя. До початку нашої ери Індія була вже тісно пов'язана торгівлею з Римською імперією. Обмін культурними цінностями сприяв складанню нового «греко-буддійського» мистецтва. Римський звичай обожнювання правителів привів до зображення в скульптурі царів і деяких божеств в позі римських імператорів або фідіевского Зевса. Склався синтез античного і індійського в мистецтві Гандахар в зображенні «Великого вчителя» і бодхисаттв, які досягли досконалості, але добровільно залишаються серед людей, щоб зробити їх мудрими на Шлях. Поступово складаються скульптурні канони. Це особливо помітно в зображеннях Будди (так, довгі вуха - одне з 32 якостей, притаманних йому). Однак, незважаючи на обмежуючі рамки канонів, безвісні майстри прагнули до індивідуалізації, творчого своєрідності.

Період III-V ст., Коли династія Гуптів зуміла об'єднати країну, є розквітом економічного та культурного життя Індії. Це прекрасна прелюдія до середньовіччя, «золотого віку», індійського мистецтва. Це класичний період санскритської поезії і драми, сценічного мистецтва, нерозривно пов'язаного з музикою, співом і танцями.

Шедеврами визнані лірична поема «Хмара-вісник» і драма «Визнана Шакунтала» видатного поета і драматурга V ст. Калідаси. Драма розповідає про випробування любові юної самітниці Шакунтали і царя Дущьянти. Від імені їхнього сина Бхарат і сталося давня назва Індії - «країни Бхарат». Поезія Калідаси - цілюще джерело для багатьох поетів Індії та інших країн до сих пір. Від великого храмового будівництва збереглося небагато. Храм великого просвітленого »(Махаботхі) II-III ст., Споруджений там, де, за переказами, Будда сидів під священним деревом в ніч просвітління, являє собою монументальну вежу 55 м заввишки, прикрашену скульптурою: змінюється призначення храму, це вже не місце збору моляться, а обитель божества з його статуєю.

В епоху Гултов створені і знамениті настінні розписи печерних храмів Аджанти, нанесені на шар гіпсу темперами фарбами теплих, вохристих тонів. Перед нами розкривається барвистий світ побуту, міфології та історії, природи Індії, часто сюжети черпаються з улюблених буддійських джатак. До шедеврів аджантскіх розписів відносять живописний портрет царевича Будди - «Бодхисаттва з лотосом» і сцену «Помираючи принцеса». Жіночі образи Аджанти особливо поетичні, немов перегукуються з образами героїнь поета Калідаси. Аджанта - це пам'ятки світового значення і художню цінність, «це печери, де і зараз у глибокій темряві ночі палає факел життя»; «Розписи Аджанти, мали таке ж значення для історіііскусства Азії, какітальянскіе фрески для Європи» (М. Сннгх). Середньовічне мистецтво Індії складно за складом, суперечливо і різножанрових. У VII-VIII ст. знову висувається брахманізм, який в новій, видозмінивши формою став називатися індуїзмом. Головними божествами була трійця - «Тримурти»: Брахма - творець світу, Вішну - його охоронець, Шива - руйнівник в ім'я творення нового; різні втілення Вішну - Крішна, Рама, Будда; поширився культ подружжя Шиви - Парваті; широко шанувався Ганеша з тілом дитини і головою слона - покровитель купців, учнів, авторів і т. д.

Найбільше культову споруду індуїзму - шіваістскіх храм Кайлісанатха (VIII ст.), Створений оригінальним способом: в схилі гори висікли рів в формі літери "П", з внутрішнього монолітного масиву і було «виліпити» від верху до низу будівлю храму (61 м завдовжки, 30 м висотою). Поверхня рясніє скульптурами богів, фантастичних істот і тварин. «У печері така маса зображень, що вона може шануватися книгою індійської міфології», проте в цьому достатку відчувається деяка перевантаженість, занепокоєння форм.

В XI-XII ст. в вживання входять «новоіндійських» мови - хінді, урду, бенгалі, маратхі. Древній санскрит залишається в основному мовою науки, як латинь європейського середньовіччя. У цей час виникає новий тип баштових храмів - шикхара, за формою нагадують плід дині. Незважаючи на фантастичний вид, храм будувався за суворими канонами. Такий підноситься на монолітній платформі величний храм в кхаді-журахо. Під впливом жрецької брахманистской естетики скульптура поступово відходить від безпосередніх спостережень життя, стаючи все більш канонічної і абстрактній, символічно висловлюючи ідеї індуїзму.

З XIII в. розрізнені індійські князівства піддаються вторгнення мусульман, які принесли з собою іслам і його естетику, активно впливали на мистецтво Індії майже до початку XIX в. Виникли нові форми в архітектурі - мечеть, мінарет, мавзолей. Пізніше складається середньовічна архітектура Індії, що синтезує місцеве і привнесене, два стилі зливаються в один, «індо-мусульманскнй».

Наскільки це вдалося, можна судити по знаменитій усипальниці Тадж-Махал (1632-1650), яку заслужено називають перлиною індійської архітектури, «поемою в мармурі», «лебединою піснею зодчества епохи Великих Моголів. Купол мавзолею, як кажуть індійці, схожий на «хмарка, відпочиваюче з повітряному троні».

Мавзолей був створений за велінням імператора Шах-Джахана на згадку його коханої дружини Мумтаз-Махал кращими архітекторами Сходу.

В епоху середньовіччя розцвітає мистецтво книжкової мініатюри, збагачене іранськими зразками. Один з пам'ятників Могольекой школи - «Бабурнаме» (XVI ст.), Життєпис султана Бабура, зберігається в Державному музеї мистецтва народів Сходу в Москві.

Художнє ремесло Індії - одне з найдавніших у світі. Ця країна з давніх часів і до наших днів славиться ткацтвом з бавовни і шерсті (цінувалося ще в стародавньому Вавилоні), різьбленням по слоновій кістці і дереву, обробкою металу (чеканка, різьба, філігрань, інкрустація), ювелірною справою і виробами з лаку.

Англійська колонізація в кінці XVIII в. Зупинила розвиток національної монументальної архітектури і скульптури, однак збереглася місцеві художні ремесла. Станковий живопис і скульптура, які розвивали національні традиції, змогли відродитися лише з підйомом національно-визвольного руху на початку XX ст.

Художня культура Індії справила величезний вплив на країни Південно-Східної і Центральної Азії.

Художня культура Китаю налічує близько п'яти тисячоліть в своєму розвитку. За цей час створено безліч творів мистецтва. Велич китайської культури проявилося в тому, що, незважаючи на історичні потрясіння, вона продовжувала існувати, спираючись на міцні національні традиції. Навпаки, завойовники Китаю втрачали рідну мову і писемність, цілком потрапляючи під його культурний вплив. Велика кількість пам'яток мистецтва минувшини і пори розквіту середньовічної культури воістину грандіозно, незважаючи на жахливі втрати. І в даний час прибуває до Китаю вражає легко вписалася в сучасність і дбайливо зберігається давня культура.

У II тисячолітті до н. е. разом з першими державними утвореннями з'явилися міста з правильним плануванням, що збереглася в середньовіччі і пізніше, до наших днів. Виникає ієрогліфічне письмо, з часом стала графічним мистецтвом каліграфії, що увійшла в тонкий художній синтез з китайським живописом. У цей час складається традиційна міфологічна символіка і художній паралелізм образів природи і життя людини, що визначає поетичні особливості китайського мистецтва і його потребує вивчення художню мову.

Древнекитайская бронза II тисячоліття являє собою закінчений художній світ. Бронзові ритуальні судини «звіриного стилю», які виплавлялося в глиняних формах і досягали ваги до 600 кг, оброблялися з такою ретельністю і віртуозністю орнаменту, що майстерність їх виготовлення і зараз дивує як якась загадка.

У I тисячолітті китайці створили місячно-сонячний календар і перший в світі зоряний каталог. З'являються найдавніші з філософських вчень - конфуціанство і даосизм. Етичне вчення Конфуція з його культом древніх традицій, предків, сім'ї насаджувало консерватизм і традиційність в культурі, тоді як даосизм проповідував проходження «дао» - шляху, що відбиває сутність природи: мінливість і постійний рух сил, які переходять поступово в свою протилежність. Даосизм вплинув на культ природи в китайському мистецтві, співвідносячи все людські вчинки з явищами природи, обравши природу прикладом для поведінки людей. «Вища чеснота подібна воді. Вода приносить користь усім істотам, і не бореться »- одне з численних висловів, приписуваних легендарному засновнику даосизму Лао Цзи.

Виникненню китайського живопису передує розвинене мистецтво скульптурного рельєфу, зразки якого в безлічі виявлені в стародавніх похованнях китайської знаті імперії Хань, багато вчених ведуть початок китайського живопису саме від ханьских рельєфів з їх фризової композицією і багатством ритмічних відносин площинних силуетів. У середньовіччі (III-IV ст. Н. Е.) Китай входить зі стійкими традиціями в різних областях культурного життя.

Відродженню після навали кочових племен, зміцнення і об'єднання держави на феодальних засадах сприяла і нова ідеологія, яка прийшла з Індії - буддизм. Раннє китайське середньовіччя - час активних взаємозв'язків Китаю з суміжними країнами і культурами, а також час художніх шукань. Під впливом буддизму виникає монументальна архітектура, скульптура і живопис скельних монастирів, храмів і пагод. Сплавляючи древнє і нове, китайці створюють урочистий і надзвичайно декоративний художній стиль, який відбив життєрадісний філософський дух середньовічної культури. Як і живописець, китайський зодчий був поетом і мислителем, мав піднесеним і загостреним почуттям природи. Секрет надзвичайно поетичного враження від архітектури Китаю полягає в майстерному її розташуванні не ізольовано, а в широкому просторі природи, щоб ліси і далекі вершини гір здавалися частиною величезного грандіозного комплексу.

Про широту архітектурних задумів китайських зодчих свідчить стародавня Велика китайська стіна (будувалася в VI-III ст. До н. Е.), Один з найвеличніших пам'яток світового зодчества; після багатовікових добудов стіна перевищила 3000 км. Суворий ландшафт північно-китайських гір становить гармонійне співзвуччя з суворою простотою цього стратегічного споруди, який захищав Китай з півночі.

Крім печерних храмів, що будувалися протягом століть як своєрідні музеї середньовічної скульптури і настінного живопису, великого поширення отримують буддійські меморіальні пам'ятники на честь святих і паломників - пагоди.

Нагадуючи спочатку індійські башнеобразниє споруди, до VII VIII ст. китайські пагоди відрізняються ясністю ярусних членувань і спокійною величавістю, тоді як баштовим споруд Південно-Східної Азії властиві набухання кам'яних пластичних форм, а на Сході - нескінченна спрямованість вгору кам'яних голок мусульманських мінаретів. Найвідоміша пагода часів імперії Тан - Даяньта (Велика пагода диких гусей), 60 м заввишки, складається з 7 рівномірно звужуються догори однакових ярусів. Високий духовний порив і поєднувалися в благородній простоті та цієї споруди.

З XV ст., Після вигнання монголів, столицею Китаю стає Пекін, по-китайськи Бейцзін (Північна столиця), що існує вже більше трьох тисяч років. Його план, грандіозні ансамблі палаців, садів і храмів-створені за стародавніми зразками і будівельним статутам. Місто розташоване за правилами геомантікі «фин-шуй» - старовинної системи орієнтування будівель на місцевості в залежності від рози вітрів, що протікають вод і оточуючих гірських ланцюгів. Строго симетричну планування магістралей і вулиць ефектно доповнюють тінисті сади і парки на насипних пагорбах, гладі штучних озер, що розкинулися вільно і живописно. У центрі міста височіє Імператорський палац - «заборонене місто» - казковий лабіринт архітектурних і садово-паркових споруд. Головна будівля палацу - Тайхе-дянь - Павільйон вищої гармонії, подібно всім палацовим дерев'яним павільйонів, поєднує простоту і логічність конструкції з мальовничою ошатністю декору. З XV ст. місто прикрашає і величний ансамбль Храму Неба, пов'язаний з найдавнішими обрядами вшанування неба і землі як дарувальників врожаю. Основна будівля - Храм молитви за річну жнива - з потрійною густо-синьою черепичної глазурованої конічної дахом, червоними колонами і високою білою круглої терасою з мармуровими пандусами, височіє над усім ансамблем, немов сяюча гірська вершина з дорогоцінного лазуриту.

Просторовий розмах, властивий китайському зодчества XV-XVII ст. і є результатом досвіду тисячоліть, відчутний і в гігантському некрополі династії Мін поблизу Пекіна. Шлях до нього лежить через пятипролетной мармурову арку - початок шляху, а потім - восьмісотметровая алея, Дорога духів, яку охороняють фігури тварин і воїнів - вартових некрополя.Погребенія (ворота, храми, гробниці і підземні палаци, в кожному), немов зелені оази серед гірських ланцюгів; місця усамітнення, тиші і спокою.

Живопис як вид мистецтва здавна користується в Китаї великою повагою. Збереглися присвячені живопису вірші і трактати, описи картин і зведені історії про майстрів живопису на світську і культову, перш нерозривно пов'язаних між собою. Культова живопис прикрашає стіни буддійських храмів, світська - шовкові сувої і стіни палаців. Китайський живопис нерозривно пов'язана з поезією. Велика частина живописців була і поетами (в пору китайського середньовіччя від освіченої людини було потрібно, щоб він був і поетом, і музикантом, і художником, а часто і філософом). Поєднання картини і написи незвично для європейського сприйняття, та й картина зовсім обходиться без рами, у вигляді сувою зберігається в спеціальних ящиках і розгортається в рідкісних випадках для розгляду. Мабуть, на рубежі нової ери була вироблена ця форма мальовничих сувоїв, що мають два види. Вертикальні сувої зазвичай не перевищують 3 метрів, тоді як горизонтальні (панорама, ілюстративна повість: або серія пейзажів, або сцени міського життя) досягають 10 метрів.

Китайський пейзажний жанр відомий як одне з найбільших досягнень світового мистецтва. Китайський художник сприймає пейзаж як частину неосяжного і просторого світу, як грандіозний космос, де людська особистість розчинена в спогляданні великого, незбагненного і поглинає її простору. Китайський художник зображує природу в двох аспектах. Один - пейзажі гір і вод - «шаньшуй», тип класичного китайського пейзажу довгих свитках, де важливі не деталі, а загальне філософсько-поетичне відчуття величі і гармонії світу. Інший - швидше, жанр «квітів і птахів», коли на невеликих свитках і альбомних аркушах, віяла і ширмах зображували квітка, пташку на гілці, мавпу з дитинчам або бабку над квіткою лотоса. Зображення нескінченно наближене до глядача і одночасно вписано в єдину і цільну картину природи.

Мистецтву пейзажу присвячено багато поетичні трактати. У «Таємній одкровенні науки живописця» сказано: «Часом на картині всього лише в фут (довжиною) пейзаж він напише сотнями тисяч верст». Тут йде мова про особливості перспективного побудови простору на вертикальних свитках. Автор картини як би споглядає землю «з пташиного польоту», чому горизонт піднімається на незвичайну висоту, - кілька планів пейзажу високо піднімаються один над іншим, найдальші предмети виявляються найвищими. Пейзажні плани відокремлюються або водним простором, або туманним серпанком; повітряний прорив між ними розділяє передній і задній плани на відстань, що здається нескінченним. Щоб підсилити враження грандіозності світу, живописець безперервно протиставляє малі форми великим (дерева здаються величезними поруч з крихітними фігурками людей у ​​їх підніжжя).

Враження правдоподібності дає виразна, продумана до найменших подробиць лінія, що створює образ предмета, його форму і об'єм. З давніх часів китайські майстри поєднували лінійні прийоми з найтоншої мальовничій нюансировкой, об'єднавши графіку та живопис воєдино. Китайський живопис - це мистецтво натяку, що будить фантазію, це мистецтво деталі, що розгортається в філософську картину світу, це глибоко поетичне мистецтво одухотворення природи і людини.

Китайський народ з його багатющою фантазією, вихованим тисячоліттями тонким художнім смаком створив великі і прекрасні традиції в прикладному мистецтві. Досить назвати китайський художній фарфор, який довгий час служив валютою, будучи монополією і секретом Китаю.

Не вміючи проникнути в таємниці ієрогліфічним писемності, західний світ довгий час майже не знав китайської класичної поезії. Чистим джерелом натхнення для китайських поетів останніх двох тисячоліть служить найдавніша класична «Шицзін» - «книга пісень», де зібрані ліричні на-рідні пісні і ритуальні гімни XII-VII ст. до н. е.

З XVII ст. китайські художні вироби Проникають в Європу, фарфор і шовк цінуються на вагу золота. Вплив китайського мистецтва відчутно в стилі рококо та в заміській, паркової архітектури XIX ст., Що було лише поверхневої стилізацією. Більш глибокі зв'язки китайського мистецтва з європейської романтичною традицією символістської поезії рубежу XIX і XX ст. Поети-символісти відзначали, що стара китайський живопис «йде від дійсності до снам наяву», художники Китаю мають здатність «зачаровувати предмети», зображати їх за допомогою почуття, переживання, спогади.

Мистецтво Японії - це самостійний історичний тип мистецтва. Його виникнення втрачається в століттях. Довгий час обіскусстве древньої Японії не було нічого відомо. Тільки в началеXX в. виявлені пам'ятники II-I тисячолітті до н. е. Тривалий період древньої культури з IV тис. До н. е. майже до початку нової ери називається Дземон ( «слід мотузки»), від способу виготовлення найдавнішої кераміки. Ритуальні судини були для стародавньої людини дорогоцінним склепінням знань про світ, його стихіях, магічної зв'язку людини і Всесвіту. На думку дослідників, саме до початку землеробства відносяться глиняні фігурки - догу - божків родючості.

Вважається, що найбільш значний внесок у світову культуру Японія внесла в епоху феодального середньовіччя (з VI- VIII до середини XIX ст,), випробувавши сильне культурне вплив Кореї і особливо Китаю. Всі основні риси китайського мистецтва отримали розвиток, проте формування національного художнього стилю полягала в подоланні впливів і доведенні до високого ступеня досконалості окремих, запозичених в Китаї видів мистецтва. Відмінною особливістю японської культури є її демократизм. Особливе значення надавалося художньому оформленню інтер'єру в житлах різних верств суспільства.

У кожен з періодів довгого середньовіччя створені видатні художні твори. У VII-VIII ст. - це архітектурно-скульптурні ансамблі буддійських монастирів.

За стародавнім закону храми будувалися на 20 років, потім їх руйнували і будували нові за таким самим планом. Найдавніші синтоистские храми ( «синтоїзм» - «шлях богів» найдавніша національна політеїстична релігія) будували з цінних порід дерева. Буддизм, який з VI ст. стає державною релігією, визначив грандіозний розмах зодчества. Знаменитий храм Хорюдзі, Золотий храм близько стародавньої столиці Нара і найбільше дерев'яна будівля в світі - «храм Тодайдзі. «Великий східний храм», головна державна святиня з величезною бронзовою статуєю Будди всередині. Буддійські храмові комплекси стали прообразом перших міських поселень.

У IX-XII ст. з'являється і переживає розквіт японська світський живопис - ямато-е. На шовку і папері яскравими фарбами з додаванням золота і срібла художники малювали пейзажі, придворні сцени, іноді ілюстрували знамениті романи своїх сучасників. Картини в формі горизонтальних сувоїв - зкімоно - розглядали на столі, а вертикальні - какімоно - прикрашали стіни парадних кімнат. Картини ямато-е ( «японського живопису») залишають враження святкової коштовності.

В епоху стародавнього середньовіччя створюються самобутні твори ландшафтної архітектури - знамениті японські сади. Найбільш відомі «сад мохів» і буддійський «сад каменів» в Кіото (XVI ст.). Своєрідне поєднання буддизму з древньою релігією сприяло формуванню традиційної японської естетики - природних, природних форм. Мета - створення найкращих умов для споглядання і переживання пов'язаних з природою асоціацій. Дерева вирощувалися так, щоб вони контрастували за формою і кольором листя, не закриваючи виходила вночі місяць. Пальма повинна була знаходитися поруч з вікном, щоб під час дощу слухати «музику крапель», а камені біля водоспаду в глибині саду укладали так, щоб звук води було чути здалеку. У цих садах, що оточували палаци і павільйони, будувалися хатини для бесід про поезію і мистецтво і проведення знаменитих чайних церемоній - тяною. Один з найвідоміших таких павільйонів - Золотий павільйон в Кіото (XV ст.).

У XVII-XVIII ст. створені чудові твори в сфері декоративних розписів на ширмах і стінах палаців. Бездоганна точність ліній, вироблена в живопису па свитках, стала в розпису ширм запорукою виразності кожного силуету, суворої ритмічною впорядкованості колірних плям; вишукана декоративність сувоїв придбала тут риси монументальності.

Завершальний етап середньовіччя ознаменувався розквітом ксилографії - гравюри на дереві, яка служила театральної афішею, книжковою ілюстрацією, вітальною листівкою і просто прикрасою побуту. Колективність творчості, як і віртуозність виконання кожного штриха, загальна композиція і звучна гамма кольорів ріднить гравюру з живописом (ямато-е) і декоративним мистецтвом. Майстрами гравюри визнані Китагава Утамаро ( «Шість знаменитих красунь») і Кацусика Хокусай ( «Подорож по водоспадів різних провінцій»).

Японська естетика стверджує: «Все зайве потворно». Тому і в японському інтер'єрі, на відміну від європейського, мінімум предметів: якщо ваза - то неодмінно одна, букет в стилі ікебана - один, ширма - одна, сувій з каліграфічним написом або з єдиним ієрогліфом на стіні - теж один.

Специфічним для Японії було декоративне мистецтво НЕЦКЕ - фігурки (брелоки) з кістки і дерева, що зображували то бога мудрості, то цикаду на аркуші, то маску богині веселощів. Взагалі городянин XVII-XIX ст. володів високою культурою сприйняття умовності в мистецтві, пов'язаної з релігійною і фольклорної символікою, і був оточений в побуті живописом і декоративно-прикладним мистецтвом. Він насолоджувався в театрі «Кабукі» умовної грою акторів, сам складав тривіршів - хокку і пятистишья - танка, умів оцінити поетичний шедевр Мондзаемона і Басьо.

Японське мистецтво впливає на Європу приблизно з XVII ст., Коли в Англії з'явилися меблі в японському стилі.

У XIX ст. французькими братами Гонкурами були написані захоплені статті про японському мистецтві, і незабаром «японізми» стають паризької модою. Великі колекції японської гравюри зібрали письменник Е. Золя, живописці Е. Мане і Е. Дега. Відлуння екзотичного світу можна почути в імпресіоністичній музики К. Дебюссі. У Росії перша виставка японського мистецтва відбулася в залах Петербурзької Академії мистецтв в 1896 р

Художня культура Індії, Китаю і Японії являє собою самостійне явище в світовому мистецтві, яке, відкривається лише при глибокому вивченні і тонкому проникненні в художній світ Сходу.