Analýza práce malování podle plánu. Plán písemné analýzy kresby. Popis a analýza práce sochy

Ministerstvo dopravy Ruské federace

Federální státní vzdělávací vzdělávací
Zřízení vyššího náboru
"Ruská univerzita v dopravě"
Ruth (Miit)
Ruská otevřená akademie dopravy

Fakulta "vozidel"

Oddělení "Filozofie, sociologie a historie"

Praktická práce

disciplínou

"Kulturologie"

Udělal jsem práci

student 1. kurzu

zSA-192 skupiny

Nikin A.a.

CIFR 1710-C / SDS-0674

Moskva 2017-2018 G.

Praktická lekce číslo 1

Úkol: Uveďte smysluplnou analýzu dílo architektury vašeho města (vesnice, okres)

Památník železničních pracovníků, 2006 Sculptor I. Dikunov.

Pocházím z města Lisky Voronyezh. Moje město je největší železniční uzel. Od roku 1871 je historie města propletena s vývojem železnice. V našem městě je každý šestý rezident úzce spojen s železničním povoláním, takže když otázka vznikla o místě instalace památníku na počest 140. výročí jihovýchodní železnice, volba padla na naše město. Otevření památníku železničním pracovníkům bylo v roce 2006

To je jeden z mála autorských práv ve městě, který udělal slavný voronezh sochař Ivan Dikunov ve spoluautorství s manželkou Elsa Pak a Sons Maxim a Alexei. Jsou to autoři busty hrdinů Sovětského svazu a Ruska na uličce slávy, stejně jako pohádkové postavy, které zdobí městský park v našem městě.

Dikunov Ivan Pavlovich - Ctěný umělec Ruské federace, ctěný umělecký pracovník, laureát Státní ceny 1990. Aktivní člen akademie věd a umění Petrovskaya, profesor.

Ivan Pavlovich se narodil v roce 1941 v obci Petrovka Pavlovsky okresu regionu Voronezh. Jeho dětství účtovalo těžké poválečné lety. Navzdory obtížím, našel čas na kreativitu, měl rád čerpat a ještě více vyřezávej. Už byl jeho talent viditelný. Ivan Dikunov vystudoval Leningradskou uměleckou školu pojmenovanou po Serov v roce 1964, pak Institut malby, sochařství a architektury. TJ. Repin v roce 1970. V roce 1985. Přijel do Voroneža a šel do práce ve státním architektonickém a stavebním institutu Voronezh, kde učil 20 let. Od roku 1988 do roku 1995, Dikunov pedagog umělecké školy Voronezh.

Ve městech Voronezh a Lipetsk regionů ve společnosti Commonwealth s kolegy VGASU vytvořil Ivan Pavlovič řadu významných památek, které jsou jedinečné obrazy tvorby architektonického média a jsou kombinací monumentální sochy a architektury. Mluvil autorem projektů a vedoucí tvůrčích skupin na tvorbu Voronezh památek s vynikající ruskou osobností - m.e. Pyatnitsky (1987), A.....), A.S. Platonov (1999) a další. Ivan Pavlovich se neustále podílí na regionální, zonální, republikánské, All-Union, všechny ruské a zahraniční výstavy.

Dikunov řekl, že práce na památníku železničních pracovníků se konala tři roky a jeho hlavní myšlenkou bylo ukázat myšlenku železnice v pohybu. K dispozici je památka u vchodu do města Liski a je vizitkou našeho města.

Památník železničních dělníků je pomník, který nás ovlivňuje komplexní složení, hluboký význam a symboliku. V počátečním plánu byl památník obrazem odlišnosti od sloupce v různých směrech železničních pracovníků. Následně však sochařy přišli do kompozice, ve kterém obě postavy chodí podél plošiny v jednom směru. To bylo požádáno jako aspirace vpřed a jednota nedílné komunikace generací železničních pracovníků.

Vytvořit památník použitý kámen a kov. Existuje mnoho symbolických detailů v tom, že s pozorným zvážením, přeložte v prostoru prostoru, pevný obraz železnice. Ve středu je kompozice vysoký sloupec elegantní formy na čtvercovém podstavci zdobené obrazy pracovních nástrojů na pozadí odlišných paprsků. Ona korunovala znak železnice a nápis "" Liski ". Obrázky 3,5 m vysoké jsou dvě generace železničních dělníků - cesta s lucernou a dlouhým kladivem, obraz 19. století a moderním řidičem ve tvaru obleku s portfolia v ruce. Zdá se, že kolem vlaku kolem platformy.

Podrobnosti o oděvu a inventarizaci byly vybrány se speciální péčí: udržovaný tvar, znovu vytvořené jemnosti na muzejních obrazech a exponátech. V druhu sochařů sloužil pracovníky Liskinsky železničního místa. Na okraji desky prochází nápis: "" je věnován pracovníkům železnic do válečníků-hrdinů 140 let YeV železnice

Mám smysl pro pýchu v mém městě, pro obyčejné lidi pracovníků, jejichž obtížné zodpovědné profese je v pomníku nesmírně. A dvě postavy různých generací naznačují, že železnice ve svém vývoji se pohybuje vpřed, se každý rok zlepšuje.

Praktické číslo úlohy 2

Úkol: Dejte smysluplnou analýzu umělcové malby z vašeho města (vesnice, okres)

Můj krajan byl slavný ruský umělec Kramskaya Ivan Nikolaevich (27. května 1837. - 24. března 1887). Narodil se ve městě Ostrogozhsk Voronezh Provincie (to je 30 km od mého rodného města Liski) v rodině malého úředníka.

Studoval v Petrohradské akademii umění (1863-1868) v roce 1863. On byl udělen malou zlatou medaili za obraz "Mojžíš vyzařuje vodu z útesu." Kramskaya byl iniciátorem "Bunty ze čtrnácti", který skončil s přístupem z Akademie umění svého absolventů, kteří organizovali Artel umělce. Také, jeden ze tvůrců v roce 1870 "Asociace mobilních uměleckých výstav". Kramskaya ovlivnil myšlenky ruských demokratů-revolucionářů, obhájil svůj názor na vysokou veřejnou úlohu umělce, základním principům realismu, morální podstata umění a jeho národní příslušnost. V roce 1869 vyučoval v kresličné škole veřejné propagace umělců. V roce 1869 získala Kramskaya titul akademika.

1970-80 let 19. století bylo pro Ivan Nikolayevich v období, kdy byl napsán jeden z nejznámějších děl, to je "Hollowman", "Mina Moiseeva", "rolník s uzdu" a další. Stále více sjednocené umělce v jeho dílech portrét a témata domácnosti ("Stranger", "Rezazynaya Mount").

Mnoho plátna Kramsky je uznáno jako klasika ruské malby, byl mistrem portrétních, historických a žánrových scén.

Chtěl bych přebývat na analýze jeho obrazů "Krista v poušti", která zabírá velmi zvláštní místo v kreativní biografii I. Kramsky.

Kristus v poušti.

Plátno, olej.

180 x 210 cm.

Hlavní myšlenkou Kramského tři roky, který se v něm silně angažoval, je tragédie životů těch vysokých povahy, kteří dobrovolně odmítli všechny osobní štěstí, to nejlepší, nejšťastněji, které umělce mohl najít svůj nápad, byl Ježíš Kristus.

Kramskaya byla myšlenka na plátno po desetiletí. Na počátku 60. let 19. století, stále je na Akademii výtvarných umění, on dělá první skica, v roce 1867. - první verze obrazu, která ji nesplňovala. První obrazová volba byla vertikálním formátem plátna a umělec se rozhodl napsat obrázek na plátně horizontální a sedí na kamenech většího muže. Horizontální formát umožnil prezentovat panorama nekonečné skalnaté pouště, podle kterého je v jeho tichu a v noci osamělý muž. Jen pod dopoledne bylo unavené a vyčerpané na kámen, stále nic neviděl před ním. Stopy bolestivých a hlubokých zkušeností jsou viditelné na jeho unaveném, jádrném obličeji, závažnost ducha, jako kdyby ležel na ramenou a sklonil hlavu.

Děj z maleb je spojeno s popsaným v novém zákonu o čtyřicátý den po Ježíše Krista v poušti, kde odešel po svém křtu a s pokušení Krista ďábla, který se stal během tohoto postu. Podle umělce chtěl zachytit dramatickou situaci morálních voleb, nevyhnutelné v životě každého člověka.

Na obrázku líčil Kristus sedí na šedém kameni se nachází na kopci ve stejné šedé skalnaté poušti. Kramskaya používá studené barvy pro zobrazení brzy ráno - Dawn právě začal. Řádek horizonce prochází spíše nízkou, rozdělením obrazu přibližně na polovinu. Ve spodní části je studená skalnatá poušť a v horní části - predestrální obloha, symbol světla, naděje a budoucí transformace. Jako výsledek, postava Krista, oblečená v červeném hitonu a temně modré mysu dominuje obraz obrázku, ale přebývá v souladu s okolní krutou krajinou. V osamělém postavě znázorněném mezi chladnými kameny, nejen smutnou hrozností a únavou, ale také "ochota vzít první krok na skalnaté cestě vedoucí k Kalvary".

Ruce Krista (malba fragmentu)

Zadržení obrazu oblečení umožňuje umělci dát hlavní hodnotu do obličeje a rukou Krista, které vytvářejí psychickou přesvědčivost a lidstvo obrazu. Pevně \u200b\u200bstlačené ruční kartáče jsou prakticky v samém centru plátna. Společně s obličejem Kristu jsou sémantické a emocionální centrum kompozice, přitahující pozornost diváka. Spojené ruce, které se nacházejí na úrovni horizontu, "v křečovském volání napětí se zdá, že se snaží kravatu, stejně jako hradní kámen, celý svět je obloha a země - spolu." Bosy nohy Krista zaklínil z dlouhé chůze podél ostrých kamenů. Mezitím však tvář Krista vyjadřuje neuvěřitelnou sílu vůle.

V této práci není žádná akce, ale život ducha je viditelně zobrazen. Kristus na obrázku je spíš jako osoba, s jeho utrpením, pochybnosti než v Bohu, t to dělá jeho obraz jasného a úzkého diváka. Tato osoba dělá nějaký důležitý krok v životě a osud lidí, kteří v něm věří, závisí na svém řešení, vidíme břemeno této odpovědnosti na tváři hrdiny.

Při pohledu na tento obrázek si uvědomíte, že pokušení je součástí života člověka. Často lidé stojí před volbou: přijít upřímně, správně nebo naopak dělat něco nezákonného, \u200b\u200btrestuhodného. Absolutně projít tímto testem. Tento obrázek mi říká, že bez ohledu na to, jak velké pokušení bylo, je nutné najít sílu bojovat s ním.

Dnes, tento obrázek se nachází v galoliu Tretyakov v Moskvě.

Bibliografie:

1. (elektronický zdroj) Památník železničních pracovníků v listech. - Režim přístupu: https: // yandex.ru / Vyhledávání /? Text \u003d Památník železničních pracovníků v listech (datum manipulace 23.11.2017)

2. (Elektronický zdroj): Dikunov Ivan Pavlovich sochař Vrnsh.ru\u003e? Page_ID \u003d 1186 (Datum manipulace 23.11.2017)

3. Život vynikajících lidí. 70 Slavných umělců. Osud a kreativita. A. Ladvinskaya Doneck - 2006. 448 pp.

4. 100 Velkých obrazů. Moskva. Nakladatelství "Veche" - 2003, 510 PP.

Příloha 1.

Analýza kresby s podporou algoritmu:

"Jak mohu analyzovat díla malování?".

tvořivost?

2. patřící do žánru: historický, domácí, basový, portrét,

krajina, zátiší, interiér.

3. Stanovení o vytvoření uměleckého obrazu: Barva, výkres,

světlo, textura, dopis způsob.

4. Význam jména. Vlastnosti spiknutí a kompozice.

5. patřící do kulturní a historické éry, uměleckého stylu nebo směru.

6. Jaké jsou vaše osobní dojmy z malířských prací?

Dodatek 2.

1 Skupina "Firebrush Romantics" (průvodce) v historii světového malování romantismu bylo jasně brilantní éra.

Slovo "romantismus" se vrací do latinského Romanus -rimsky, to znamená, které vznikly na základě římské kultury nebo je s ním úzce spojen.

Svět smyslů a zkušeností člověka. Malování romantismus byl vlastní v "žízeň vytvořit všechny možné způsoby." Ocelová malba: Světlá nasycená chuť, kontrastní osvětlení, chování emocionality.

Co je to romantická generace člověka? Často se stává svědkem krutého krveprolití a válek, tragických osudů celých národů. Dělá hrdinské akce schopné inspirativní ostatní. Romantika přitahovali historické události, ve kterých čerpali pozemky pro mnoho svých prací.

1. Jasný zástupce směru romantismu v malbě byl španělský umělec Francisco Goya (1746-1828). Vlastnil všechny žánry malby. Měl fotky na náboženských pozemcích, soudu portréty.

A. Byl svědkem napoleonské války, ničivé a zničené Španělsko. V roce 1808, v reakci na nejzávažnější represe napoleonské okupace v Madridu, vypuklo populární povstání. V těchto obtížných letech byl Francisco Goya se svými lidmi. Malování "Vylučování rebelů v noci 3. května 1808", napsaný v roce 1814 a postavil se v Madridském muzeu Prado byl obvinavý akt umělců zla a násilí. Jasně cítil skutečný rozsah lidové tragédie.

Obraz zachycuje začátek osvobozenecké záplavy Španěly s francouzskými útočníky, a to scéna střelby španělských rebelů za okupujících francouzských vojsk. Španělští rebelové a francouzští vojáci jsou vyobrazeni společností Goya jako dva nepřátelské skupiny skupin: několik neozbrojených madridských řemeslníků a vojáků vojáků se zvednutými zbraněmi. Osoby a pozice Španělů jsou registrovány společností Goya spíše (vlastenectví, odvaha, hněv, nebojácnost, atd.) Zatímco francouzští vojáci jsou precizeni plynule a, jak to bylo, sloučit do jedné anonymní hmoty.

B. "Portrét královské rodiny Carlos VI"

Zleva doprava: Don Carlos Senior, budoucí král Španělsko Ferdinand VII, sestra Carlos IV Maria Josef Carmela, neznámá žena, Maria Isabella, večeře Carlos IV Queen Maria-Louise parm, Francisco de Paula de Bourbon, král Carlos IV, jeho bratr Antonio Pascal, Joikin Cartrol (pouze část hlavy je viditelný), Louis I s manželkou Maria Louise, v rukou svého syna - Karl II, budoucí Duke parm. V pozadí, Goya vylíčil sám sebe. Magie, šumivé barvy nejsou schopny skrýt Chum, hloupost, morální a mentální pódium.

2. Hluboký zájem o vnitřní svět člověka také ukázal současník Velké Španěly - Theodore Zheriko. Pro kreativitu, Zheriko se vyznačuje limitním dramatem, zářící vášní, barevný kontrast. Servis v královských mušketýři, Zhero napsal převážně bitevní scény, ale po cestování do Itálie v 1817-19. Vykonal velký a složitý obraz "raft" medúzy ""

(Nachází se v Louvre, v Paříži). Novinkou spiknutí, hluboké dramatické složení a životně důležitou pravdu těchto mistrovských písemných prací nebyly okamžitě hodnoceny na důstojnosti, ale brzy obdržel uznání a přinesl umělec na slávu talentovaného a odvážného inovátora.

Musel si užít slávu, měl si užít: Sotva čas vrátit se do Paříže z Anglie, kde hlavní předmět jeho povolání byl studium koní, šel do hrobu v důsledku nehody - kapky z koně .

Pozemek obrazu je založen na skutečném incidentu, který se stalo 2. července 1816 mimo pobřeží Senegalu. Pak argens v 40 lei z afrického pobřeží utrpěl vrak fregate "Medusa". 140 cestujících a členů týmu se pokusil uniknout, přistání na voru. Pouze 15 z nich bylo naživu a na dvanáctém dni strážců byl vybrán brig "Argus". Podrobnosti o přeživších šokovaných moderních veřejných mínění a samotný vrak se obrátil na skandál ve francouzské vládě kvůli neschopnosti kapitána plavidla a nedostatečnost pokusů zachránit oběti.

Kromě článku Medusa Plocka, "Louvre je sedm bitevních obrazů a šesti kreseb tohoto umělce. Jeho obrazy jsou plné zmatku, úzkosti.

3. Podobným způsobem s Theodore, Zhero napsal a Eugene Delacroix (1798-1863).

A. Pro něj bylo pozornost charakterizována východním pozemkem. Jeden z nejvýraznějších jeho výtvorů je obraz "masakr v Chios", ukazující epizody řeckého - turecké války. Takže historici zavolali brutální násilí v dubnu 11. dubna 1822. Turci přes obyvatele Chios Islandu za to, že ostrovani podporovali zápasníky za nezávislost Řecka. Od 155 000 obyvatel ostrova po porážce přežila jen o

2000. Do 25 000 bylo vyříznuty, zbytek - zotročený buď byl v exilu.

Velká francouzská revoluce a prediktivní výlety na Naoleon, krutý politický represe a popravy, nekonečná změna vlád v roce 1830 vlád se speciální ostrostí zvýšila otázku role lidí a osobnosti v historii.

B. Delacroix byl charakterizován politickými paty. V roce 1830 absolvoval umělec z plátna "Svoboda", vedoucí lidi ". Delacroix vytvořil obrázek založený na revoluci v červenci 19930, který dal konec restaurátorského režimu bourbonské monarchie. Po mnoha přípravných skicách potřeboval jen tři měsíce napsat obrázek. V dopise bratrovi dne 12. října 1830, Delacroix píše: "Kdybych ne bojoval za svou vlasti, budu pro to alespoň psát." Poprvé "Svoboda, přední lidé" byla vystavena v Pařížském salónu v květnu 1831, kde byl obraz nadšený a okamžitě zakoupen státem. Vzhledem k revolučnímu pozemku nebyl web asi 25 let vystaven na veřejnosti. Prostřednictvím krve, utrpení a smrti. Krásná žena s trikolorním bannerem v ruce nese lidi k vítězství. Nahá hrudník symbolizuje oddanost francouzštiny té doby, která s "holými prsy" šel k nepříteli. V davu můžete vidět ozbrojené chudé, obyvatele slumu, studenta a malé gavros s pistolemi. Umělec se líčil ve formě muže ve válci vlevo od hlavní hrdinky. Někdy je obraz omylem spojen s událostmi velké francouzské revoluce.

"Marseselnese francouzský obraz" nazvaný obraz současníků a úřady prohlásily nebezpečný umělec.

Dodatek 3.

2 Skupina "Je nutné upravovat umění" (odborníky - vedoucí pracovníci) směr realismu v umění směr druhé poloviny XIX století. Koncept realismu je Latinská realis - označuje hlubokou reflexi reality. Uprostřed Xixvek se realismus stává vedoucím a nejvlivnějším směrem umění.

Jaké nové úkoly mají nyní umění?

1. Vynikající hlavní litografie (typ tiskové grafiky, pro který je povrchem kamenných) francouzských uměleckých panelů domů, je muž nenávidí jakékoli útlak a násilí vždy reagovalo na aktuální otázky svého času, což jim dává jejich vlastní hodnocení. Začal jeho kreativitu jako karikaturista, udělal jsem satirické kresby pro časopis. Jeho litografie byly okamžitě koupeny, byli známí všem.

Slavná litografie "Street Transnonen" byla vnímána současníky jako protest proti teroru a krveprolití, ke kterému došlo po revoluci července (1834). Historický základ této práce byly události v dubnu 1834, politická ukázka vládních vojáků spojených s přetaktováním. Z domova číslo 12 podél Transnonen Street z nějakého okna, zakryté žaluzie zastřelili vojákům, kteří rozptýlili demonstraci. V reakci se vojáci rozešli do domu a zabili všechny nájemce. Džinová chtěl litografie není škoda, ale hněv. Tak to bylo vnímáno současníky: "To není karikatura, ne karikatura, to je krvavá stránka moderní historie, stránka vytvořená živou rukou a diktována ušlechtilým rozhořčením."

Domineristika byla známá veřejnosti, ale o tom, že se zabýval malím, ne mnoho vědělů. Plátno zkopírované v dílně malého umělce. Zvláštní místo patří malbám o Don Quijote. Knight bez strachu a výčitky, putování při hledání dobra a spravedlnosti, přitahoval dům moci Ducha. Pro legrační vzhled a směšné skutky, šlechta, velikost a soucit pro lidi se liší.

2. Gustave Kourba francouzský malíř, krajinný hráč, gener a portrét. Je považován za jeden z dokončení romantismu a zakladatelů realismu v malbě. Jeden z největších umělců Francie v celém XIX století, klíčovou postavou francouzského realismu.

Narodil se ve Francii, jeho vstup do francouzské malby byl skandální. Někteří násilně nadávali svou práci a volali je ošklivá, jiní naproti - velká budoucnost ho vyvolala. V Paříži, 1855 otevřel výstavu "pavilon realismu". Pan Kourbe se snažil vylíčit lidi, jak jsou, jako jsou oškliví a hrubý, co je vidí. Velkou pozornost prostředí, přírody, sociálních vztahů a individuálních charakteristik člověka určila podstatu realistického směru v oboru.

Ve svém obrázku "kamenných drtičů", starý pracovník v hrubém placeném oblečení a popraskané dřevěné boty, rozbil do kolena, rozbije kladivo vařené kameny pro stavbu. Mladý muž v hadrech s obtížemi drží v jeho rukou těžký koš. Denní tisk umělců obvinili, že oslavuje ošklivý, ale stačí se podívat na obrázek "Armormen", abychom pochopili, jaký respekt Kurza napsal lidi práce.

3. "Malířský malíř" - tzv. Jean Mille-francouzský umělec. Svět francouzské vesnice se stal nevyčerpatelným zdrojem jeho práce. Již slavný umělec, pokračoval v angličtině do rolnické práce, dal malování volného času.

V roce 1857 je zastoupen jeho plátno "Sběratelé Kohlis". Sběratelé měli povoleni projít poli za svítání a vyzvednout spikelety zmeškané Kostem. Na tomto webu, umělec zobrazoval tři z nich, kteří se sklonili nad zemí v nízkém přídi - jen tak, aby se jim podařilo sbírat vlevo po sklizni ... mlýn, ukázal tři fáze tvrdého pohybu, které musely být ženy lhostejné Opakující se jednou - ohyb, vybrané spikelety s obilím a znovu narovnejte. Malé svazky v jejich rukou kontrastu s bohatou sklizeň, která je viditelná v pozadí. Tam jsou stohy, smykové, vůz a obsazené dílo davu židičů.

Umělec se podařilo velmi přesně sdělit závažnost práce rolníků, jejich chudoby a pokory. Práce vzbudila různé hodnocení veřejnosti a kritiků, která mlýnská mlýna dočasně odvolala na více po poetičtích stranách rolnické životnosti.

Dodatek 4.

3 Skupina "Salonové komponenty" (Impresentéři) Paříž, 1863, Palace Průmysl: Porota slavné výstavy přátelské k salóně, která se koná každý rok, odmítá přibližně sedmdesát procent práce předložené ... v Scandal, císaři Napoleon III sám musel zasáhnout do skandálu. Seznámili se s odmítnutým plátnem, laskavě jim dovolil předložit je v jiné části paláce průmyslu. Pro tuto 15. května 1863 byla výstava otevřena okamžitě zvaná "Salón s územímiletou".

Konec XIX začátek 20. století - čas změny. Vědecký a technický pokrok a politické kataklyzmy způsobily velké změny v umění, identifikovaly nové a původní vývojové cesty. Umění XIX století je vnímáno jako odmítnutí starých uměleckých tradic, pokus o kreativně přehodnotit klasické dědictví minulosti. Tučné inovace se objevují, experimentují, neomezené jakýmkoliv druhem rámce a konvencí. Umělec byl osvobozen a svobodný ve své práci. Zaměřil se na vlastní chuť a závislost.

Impresionismus je francouzský slovo dojem překládá jako dojem.

Na rozdíl od romantiky a realistů, impresionisté se snažili zobrazit historickou minulost, sféra jejich zájmů byla moderní.

Po předložení na vlastní principy vnímání a zobrazování okolního světa vytvořili nový malebný jazyk. Nebyli důležité pro samotný spiknutí, ale jeho smyslné vnímání, dojem, že by mohl vyrábět na diváka. Impresionisté se snažili sdělit "instant" obraz na obrázku, momentální pocit. Tyto pocity zničily známé tvary a standardní kreslení. Jejich pohled byl čistě individuální.

1. Nejvýraznější zástupce impresionismu a jednoho z jeho hedlemen je - Eduard Mana působivý jeho plátno "portrét Emil Zol".

Světlé sluneční světlo, šťastný muž nálad - znamená expresivní umělec. Ve středu obecné pozornosti bylo obraz Edward Mana "snídaně na trávě".

Pomocí a přehodnocení pozemků a motivů malování starých mistrů, Mana se snažila vyplnit ostrým moderním zvukem, polemicky představil do slavných klasických skladeb obrazu moderního člověka. Maneova cesta ke slávě se ukázala být dlouhá a obtížná, porota salonu vždy odmítla jeho obrazy, a jen mnoho ne mnozí se neodváží postavit se na obranu umělce. Mezi nimi byl Emil Zola, který napsal v novinách: "Místo pana Mana v Louvre byl již poskytnut"

"Portrét Emil Zol" - Umělec zobrazuje svého přítele v pracovní kanceláři v psaném stole, posetý s papíry a knihami. Interiér svědčí o vkusu vlastníka: Japonská shirma s fantastickou krajinou, reprodukcí malby mana. Ve vzhledu spisovatele je hádá silná osobnost, jasná osobnost.

"Snídaně na trávě", která způsobila bouři emocí, nejzávažnější kritika a jednomyslnou větu, že tato "snídaně" je naprosto "nepoživatelná." Zvláště pobouřená veřejnost, že v lese Polyaně byla shromážděna slušně oblečená, boty, s vazbami a pánskými hole, vedle nahých ženských těl. Jméno obrázku získává nějaký pikantní význam, zejména proto, že nic není prokázáno. Levý roh popředí obsahuje slabý náznak potravy, ale jasně ukazuje, že na klapku tkaniny, možná něčí šaty, polo-prázdný koš s několika houbami leží, a několik bobule je viditelné na zelených listech. To je celá snídaně. Dva dost mladých mužů se šíří na trávě, mluvit o něčem živě. Ten, který je správný, gestikulační, říká něco zajímavého, vtipného, \u200b\u200bprotože interlocutor je pěkné úsměvy. V rozpacích úsměvu svítí a žena sedí vedle něj. Pod ním, zmačkaná světle modrá tkanina, žena sama ve volném světle pozice sedí, absolutně nahá, ne příliš mladý, mírně kompletní. Pár sedící v blízkosti, jedno barevné vlasy, jsou vrstevníci, možná manželé. Druhá žena ve světle, svobodném, bílá košile je vidět trochu dále, ale rozhovor ji slyší, je vidět, že poslouchá a usmívá se také. Obraz je plný světelného míru, teplého plešatého.

Zola zvaná plátno silné tělo, simulované světelné toky jednoduše, pravdivě a otáčení.

2. Opravdu impresionisté však vyhlásili v roce 1874 společnou výstavou. Celý směr přijatý na titul na obrázku Claude Monet "dojem. Sunrise "(Konec kontejner, francouzský" dojem "-" Imprint ".).

Termín "impresionismus" vznikl se světelnou rukou kritiky časopisu "Le Charivari" Louis Lurua, který nazvaný jeho feuilleton o salónu výpustných "výstavy impresionistů", přičemž jako základ Jméno tohoto obrázku Claude Monet .

Rafinovaný krajinář, zamilovaný do předměstí Paříže, Monet byl vášnivě vášnivý o vodních prvcích.

Claude Monet zavedl do praxe vytvoření série obrázků s různým osvětlením, například Rueny Cathedral. Dva roky šel do Rouen, sledoval hru světla. Monet napsal více než 20 typů katedrály v různých časech dne: v paprscích ranního slunce, v oslnivém poledne, před soumrakem. Veřejnost hovořila o monotoldech jeho obrazů.

3. Camille Pissarro Každý z jeho obrazů začal psát z nebe, věřit, že obloha dává hloubku a vypráví hnutí. To je to, co Pissarro hovořil o vytváření jeho obrazů. "Vidím jen místa. Když začnu obraz, první věc, kterou dělám ... Založím poměr. Mezi touto oblohou, pozemků a vodou, nepochybně jsou známé vztahy a tyto vztahy nemohou být jiné jako harmonické. To je hlavní obtížnost malby. Jsem menší a méně zájem o materiální stranu malby (to je, linky). Nejdůležitější je snížit všechny nejmenší detaily pro harmonii celku, to znamená konzistenci. " Montmartre Boulevard Waters v Paříži nás převádí do živé dálnice. Mnoho posádek se pohybuje v různých směrech, hustě spěchá kolemjdoucí. Všechno je zahaleno v transparentním - Lila Haze. Umělec píše rychlé rozmazané, sotva se dotýká kartáče.

Ale z těchto bodů a tahů je zde obraz slunečného jarního dne, živého a varu.

4. Kouzelník světla se nazývá Auguste Renoara. Světlo oslnění edivuje obraz, vést jej do pohybu. Práce mají živý mobilní složení. Renoir napsal: "Miluji malby, které ve mně vzrušují touhu chodit v hlubinách, pokud je to krajina, nebo se dotkněte rukou, pokud je to obrázek ženy ...". Nejčastěji se Renoir píše ženy a děti, s ohledem na ně nejvíce vylepšené stvoření přírody. To je přitahováno do studených světských krás, ale veselé a žijící "skutečné" francouzštiny. Ale zcela jiný obraz byl vytvořen na portrétu "dívka s ventilátorem." Mladá, legrační dívka. Nabídkové tóny napsaná tvář, husté černé vlasy jsou litavy a lilac. Na bílé plátno je načervenalé oslnění židle.

5. Obrovské příležitosti při použití barevných pastelových technologií (fr.

pastelové) - malování barevnými tužkami a barevným práškem. Edgar Degoras obzvláště miloval, aby v něm pracoval. Textura pastelů sametu je schopna dopravit vibrace barvy, která se zdá být světelný zevnitř. V obraze "modré tanečníky"

pastelová technika se používá k posílení dekorativnosti a světelného zvuku kompozice. Snob z jasného světla, nalil obraz, pomáhá vytvořit speciální slavnostní atmosféru baletu tanec, zdá se, že světlo zde je zcela nahrazeno výkresem, organizuje, vede k jedné hodnotě komplexní symfonie barev. Ve světle modrých balení, s květinami ve vlasech, tanečníci se zdají být krásnými báječnými pohádkami zapojenými do magické extravagania.

Obraz je uložen v Státním muzeu výtvarných umění pojmenovaných po A. S. Pushkin v Moskvě, který byl přijat v roce 1948 ze Státního muzea nového západního umění; Do roku 1918 byl na setkání Sergey Ivanovičova Schukin v Moskvě, po psaní obrazu byl držen na setkání Durane - Ruť v Paříži.

Dodatek 5.

4. skupinu "při hledání své vlastní cesty" (návštěvníci výstavy) na výsledcích XIX století, umělci Paul Cesanne a Vincent van Gogh řekl hlasitě. Oni se sjednotili do skupiny, kteří dali jméno novému uměleckému směru postmontování. Postimpresionismus (fr. Postimpresionisme) - směr ve výtvarném umění. Vzniklo v 80. letech XIX století. Umělci tohoto směru nedodrželi pouze vizuální dojmy, ale snažili se volně a obecně přenášet významnost světa, uchýlili se k dekorativní stylizaci. Začátek postmingu je krize impresionismu na konci XIX století.

1. Unastless hledání nového kompozitního řešení maleb, metody přenosu barev a světla jsou charakteristické pro tvořivost pole Cezanne.

On napsal zátiší s ovocem, jeho nejméně chytil jejich podobnost s originálem. To bylo neobvyklé v práci ČEZANNA bylo použití barvy, umělec věřil, že studené barvy (modré a zelené) mají v hlubinách obrazu, takže obraz se stal volumetrickým.

2. Vincent van Gogh je světově proslulý nizozemský artistpostimonista. Po první výstavě obrazů v pozdních 1880s, van Goghova sláva neustále rostl mezi kolegy, historiky umění, prodejci a sběratele. Po jeho smrti byly v Bruselu, Paříži, Haagu a Antverpu organizovány pamětní výstavy.

"Slunečnice" - jméno dvou cyklů obrazů holandského umělce Vincent van Gogh. První série se provádí v Paříži v roce 1887. Je věnován lhaní barev. Druhá série byla dokončena za rok, v Arle. Zobrazuje kytici slunečnic ve váze. Dva pařížské malby získaly přítele van Gogh Paul Gajn.

"Cristice" - byly napsány umělcem v době, kdy žil v nemocnici St. Paul Mausolansky poblíž Saint-Remy de Provence, rok před jeho smrtí v roce 1890. Na obrázku není vysoké napětí, které se projevuje v jeho následné práci. On zavolal obraz "Gromber pro mou nemoc", protože cítil, že by mohl omezit své nemoci, pokračovat v psaní.

Během posledních dvou měsíců života - od května do července 1890 žil přes Sur-Sur-Uaz pod Paříži, kde on, mimo jiné napsal několik maleb s květinami. "Pink Roses" je jedním z nejlepších obrázků této série. Je charakteristická pro pozdní umělec. Na rozdíl od jasných oranžových a žlutých odstínů, které používal v Arles (například v cyklu "Sunflower"), zde van Gogh aplikuje měkčí a melancholickou kombinaci barev, mluvící více úrodných a mokrých severních podnebí. Tento obrázek je typický pro poslední období kreativity Vincent Vin Gogh také tím, že v něm prakticky chybí (na první pohled zdá se, že obraz může být otočen, a účinek toho se nezmění) a prostor (květiny) Jak bylo vyrobeno z roviny malby ve vesmíru, kde je divák umístěn). Van Gogh se podařilo sdělit pocit bezprostřední blízkosti růží k pozorovateli. Na tom, kde je obraz ve spodní části, téměř neviditelná mísa je označena pod květy a jen mírně měnící se tvar zmajících a mírnou změnu v odstínech zelených HYS až do hloubky. Ostré tmavě modré obrysy listů a stonků růží, stejně jako vibrační a roztrhané čáry, jsou příkladem vlivu na umělec japonského dřeva. Tyto techniky se však podobají stylu gajského pole a Emil Bernarda, ale Van Gogh je využívá jeho vlastním nepopsatelným způsobem.

Malování "červené vinice v Arle" byl napsán v roce 1888 van Gogh.

Žijící na jihu Francie, umělec křičí nekonečnou inspiraci v městských a venkovských typech, jasných barvách přírody, slunečního světla. Toto období je nejproduktivnější v práci van Gogh.

V Arles ho Hogen navštívil a jednou se vrátil domů ze sousedství města, umělci byli svědky neobvyklého obrazu:

zařízení slunce osvětlilo vinici s paprsky, malování listů v kroucené barvě a lidi a Země - v odstínech popela sedícího. Krátce poté, že van Gogh začal pracovat na obrázku zobrazující vino v okolí Montmazhur. Umělec vylíčil nejen krajinu, ale jakýsi podoby podobného, \u200b\u200bkde je vše symbolické. Pěstované obrovské slunce na žluté obloze vyhodí zelené a oranžové oslnění. Všechno je na Zemi, jako by se pod ním žije.

Listy hroznů se promění v červené záři a země pod nimi získává fialový stín. Pravá strana obrazu je přiřazena vodě odrážející žlutou flapovou oblohu.

Lidé sbíráme hrozny jsou symbolem života. Jejich každodenní práce van Gogh chápala jako něco, co umožňuje člověku stát se nedílnou součástí vesmíru.

Obraz se stal jedním z mála děl prodávaných během života van Gogha. Nyní se nachází v Puškinovém muzeu v Moskvě.

Dodatek 6.

Hudba v XIX století.

Skladatelé první poloviny 19. století byli F. Seznam, F.Shopen, F. Shubert, R. Shuman. Pro skladatele této školy byla malá forma charakteristická. Jejich hudba je lyrická a melodická a byla převážně komora.

Zároveň italská opera zažívá jeho vzkvétající. Její nejjasnější zástupci -Jr.sini, v Bellini, J. Donizetti, J. Verdie. V italské opery byly konfigurovány dva směry: jeden velmi k tradičnímu opery (tj.

komedie), jiný označil trend směrem k tvorbě národní opery.

Zástupcem posledně uvedených byl J. Verdie (1813-1901). Byl autorem operi Reoletio, "Traviata", "Othello", "Macbeth", "Aida", "Falstaf", "Trubadur" a další. Aria z jeho opery se stala lidovými písněmi a národní hymna volajícím Italům k boji za nezávislost.

Opera vážná reforma byla pořízena Z. Bisisem a R. Vagnerem. Bizeta, autor jednoho z nejoblíbenějších oper - "Carmen", byl zastáncem extrémně realistického spiknutí a upřímně vyjádřil smysl pro muže melodie. R. Vagner zničil obvyklou strukturu opery, zavádějící prvky dramatického výkonu a symfonického koncertu v něm. Ve svých operacích byl spousta symfonického koncertu. Ve svých operacích bylo mnoho symfonických vložek a recitativů.

"Reforma symfonické hudby byla provedena francouzským skladatelem K. Trybissi. Debusussy skutečně odmítl melodie známou symfonickou hudbou. Snažil se zobrazit pocity, zničit dobře zavedené hudební formy.

Franz Schubert - rakouský skladatel, jeden ze zakladatelů romantismu v hudbě, autor asi 600 písní, devět symfonií, stejně jako velký počet komorních a sólové klavírní hudby. (Poslech lesního carského záznamu fragmentu) Frederick Chopin je autorem četných prací pro klavír.

Největší zástupce polského hudebního umění. Mnoho žánrů interpretovalo novým způsobem: on oživil předehra na romantickém základě, vytvořil piano balady, opoethed a dramatizovaný tanec - Mazurka, Polonaise, Waltz; Obrátil jsem Scherzo do samostatné práce.

Giuseppe Verdi je velký italský skladatel, jehož práce je jedním z největších úspěchů světové opery umění a vyvrcholení vývoje italské opery XIX století. Skladatel vytvořil více než 26 oper a jeden Requiem. Nejlepší Composer Opera: "Masquerade Ball", "Rigoletto", "Troubadur", "traviata". Vrchol tvořivosti je nejnovější opery: "Aida", "Othello".

Georges Bizeta je francouzský skladatel období romantismu, autor orchestrálních prací, romances, klavírní hry, stejně jako opera, nejznámější, z nichž se stala Carmen.

Claude Debussy - nebyl jen jedním z nejvýznamnějších francouzských skladatelů, ale také jeden z nejvýznamnějších čísel v hudbě na přelomu století XIX a XX; Jeho hudba je přechodná forma od pozdní romantické hudby modermus v hudbě XX století.

Analýza obrazové práce ve výuce učebny. Z pracovní zkušenosti

Gaponenko Natalia Vladimirovna, vedoucí učitelů PMM od a MHC Novoylinského okresu, Učitel výtvarného umění MBNU "Gymnázium č. 59", g. Novokuznetsk.

"Umělecké kryty a zároveň zasvěcuje lidský život. Ale pochopit umělecké dílo není zdaleka snadné. Je třeba se naučit - naučit se dlouho, po celý život ... vždy, abych pochopil uměleckých děl, musíte znát podmínky tvořivosti, cíle kreativity, osobnost umělce a éry. Divák, posluchač, čtenář musí být vyzbrojen znalostmi, informace ... a zejména chcete zdůraznit význam údajů. Někdy může být maličkost proniknuta do hlavní věci. Jak důležité je vědět, co jeden nebo jiný věc byla napsána nebo malovaná! "

D.S. Likhochev.

Umění je jedním z důležitých faktorů pro tvorbu osobnosti osoby, základ pro vzniku postoje osoby k jevům okolního světa, takže rozvoj dovedností vnímání umění se stává jednou ze základních úkolů uměleckého vzdělávání.

Jedním z cílů studia předmětu "výtvarného umění" je vývoj uměleckého obrazu, to znamená, že schopnost porozumět hlavní věci v uměleckém díle, rozlišování prostředků výraznosti, že umělec používá k charakterizaci tohoto obrazu. Existuje důležitý úkol vývoje morálních a estetických vlastností osoby prostřednictvím vnímání děl výtvarného umění.
Pokusme se zvážit metodiku pro vnímání vzdělávání a analýzu obrazů

Metody vzdělávání vnímání a analýza obrazů

Metody, které se používají v seznámení se žákům s malbou, jsou rozděleny do verbálního, vizuálního a praktického.

Verbální metody.

1. Otázky:

a) porozumět obsahu obrazu;

b) identifikovat náladu;

c) identifikovat expresivní prostředky.

Obecně platí, že otázky povzbuzují dítě na peer na obrázek, vidět její detaily, ale neztrácejí holistický pocit umělecké práce.

2. Konverzace:

a) jako vstup do lekce;

b) konverzaci na obrázku;

c) konečná konverzace.

Obecně je metoda konverzace zaměřena na rozvoj dovedností studentů, aby vyjádřil svou myšlenku, aby zajistil, že dítě může získat vzorky řeči v konverzaci.

3. Příběh učitele.

Vizuální:

Exkurze (virtuální exkurze);

Prohlížení reprodukcí, alba s obrázky slavných umělců;

Srovnání (obraz nálady, expresivní prostředky).

Praktický:

Provádění písemných prací na obrázku;

Příprava zpráv, abstraktů;

V hodinách výtvarného umění je vhodné kombinovat různé metody práce s uměleckými díly, což dokazuje důraz na to nebo tuto metodu s ohledem na připravenost studentů

Práce s obrázkem

A. A. Lublinskaya věří, že vnímání obrazu dítěte by mělo být vyučováno, postupně vede k pochopení toho, co je na něm líčeno. To vyžaduje rozpoznání jednotlivých položek (lidé, zvířata); Zvýraznění pozice a pozice pozice každého obrázku v celkovém plánu obrazu; stanovení vazeb mezi hlavními znaky; Výběr podrobností: Osvětlení, pozadí, výrazy lidí.

S. L. Rubinstein, T. Ovspyan, který studoval vnímání obrazu, věří, že povaha odpovědí dětí ve svém obsahu závisí na řadě faktorů. Především z obsahu malby, blízkost a dostupnosti svého spiknutí, ze zkušeností dětí, od jejich schopnosti zvážit výkres.

Práce s obrázkem zahrnuje několik směrů:

1) Prozkoumání základů vizuálního dopisu.

V lekcích se studenti seznámí s druhy výtvarného umění, žánry, s prostředky vyjadřování umění. Studenti jsou dáni dovednosti používat terminologii umění: stín, napůl, kontrast, reflex atd. Prostřednictvím slovní zásoby jsou zavedeny podmínky historikových studií umění, jsou studovány zákony kompozice.

2) Uznání o životě, umělcovu práci.

Příprava studentů k aktivně vnímání obrazu je nejčastěji prováděna v procesu konverzace. Obsah konverzace je obvykle informace o umělci, historii obrazu. Sledování života umělce, je vhodné přebývat v takových epizodách, které ovlivnily tvorbu jeho víry, daly směr své práce.

Formy informací o životě a práci s různorodým umělcem : Příběh učitele, vědecký film, někdy představení se zprávami jsou svěřeny studenty.

3) pomocí dalších informací.

Vnímání obrazu přispívá k odvolání literární díla, jehož předmět je blízko obsahu obrazu. Využití literárních prací připravuje půdu pro hlubší vnímání a porozumění dětem obrazového plátna seznámení s pozemkem mýtu.

Velký význam pro pochopení hracích plotů historická situace V zemi studované, v určité časové části, stylistické rysy umění.

4) Zobrazení obrázku.

Schopnost zvážit obraz je jednou z nezbytných podmínek pro rozvoj vnímání, pozorování. V procesu prohlížení obrazu člověk vidí především to souhláska s ním, jeho myšlenky a pocity. Student s ohledem na obrázek, upozorňuje na to, co ho činí, zabírá to je pro něj nový, nečekaný. V tomto okamžiku je určen postoj studentů na obrázek, jeho individuální porozumění uměleckého obrazu je tvořeno.

5) Analýza malebného plátna.

Účelem analýzy obrazu je prohloubit původní vnímání, pomáhat studentům pochopit obrazový jazyk umění.

V prvních fázích se analýza práce provádí v průběhu konverzace nebo příběhu učitele, postupně studenti provádějí analýzu nezávisle. Konverzace pomáhá dětem tenčí, hlouběji vidět, cítit a pochopit umělecké dílo.

Metody analýzy obrazové práce

Metody A. Melik-Pashayeva. (Zdroj: Journal "umění ve škole" č. 6 1993 G.A. Melik-Perezaev "Slavnostní den" nebo "hrozný svátek" (k problému pochopení plánu autora)

Otázky pro obrázek:

1. Jak byste tento obrázek zavolal?

2. Máte rádi obrázek nebo ne?

3. Řekněte mi o tomto obrázku tak, aby ji člověk, který ji neví, by o tom mohl udělat.

4. Jaké pocity, nálada vám tento obrázek způsobuje?

7. Chcete přidat nebo změnit něco ve své odpovědi na první otázku?

8. Přechod na odpověď na druhou otázku. Je váš odhad vlevo pro předchozí nebo změněno? Proč tak vyhodnocujete obrázek?

2 . Ukázkové otázky pro analýzu kresby

Emocionální úroveň:

Jaký dojem dělá práci?

Jakou náladu se snaží autorizovat?

Jaké pocity mohou prohlížeč?

Jaký je charakter práce?

Jak pomoci emocionálnímu dojmu díla jeho měřítko, formát, horizontální, vertikální nebo diagonální umístění dílů, používání určitých barev na obrázku?

Předmět:

Co (nebo kdo) je zobrazen na obrázku?

Zvýrazněte hlavní věc z toho, co jste viděli.

Snažte se vysvětlit, proč vám to vypadá hlavní věc?

Co znamená, že umělce zdůrazňuje hlavní věc?

Jak jsou předměty (složení předmětu) uvažovány v práci?

Jak byly provedeny hlavní linie (lineární složení)?

Úroveň scény:

Zkuste přeformátovat pozemek obrazů ..

Co může udělat (nebo říct) hrdinu, hrdince obrazové práce, pokud přijde vědět?

Symbolická úroveň:

Existují nějaké objekty v práci, že něco symbolizuje?

Ať už je symbolický charakter složení práce a jeho hlavní prvky: horizontální, vertikální, diagonální, kruh, oválný, barva, kostka, kupole, oblouk, oblouk, zeď, věž, věž, věž, gesto, póza, oblečení, rytmus, timbre atd.?

Jaký je název práce? Jak se vztahuje k jeho spiknutí a symbolismu?

Co si myslíte, že bychom chtěli dát lidem autora práce?

Plán pro analýzu obrazové práce. Esej - pocit.

1.Vutor, titul obrázek
2. Umělecký styl / směr (realismus, impresionismus atd.)
3. Malování Stankovaya (malba) nebo monumentální (freska, mozaika), materiál (pro strojní malování): olejové barvy, kvaš, atd.
4. Žánr kresby (portrét, zátiší, historická, domácnost, marina, mytologická, krajina atd.)
5. Zásobník knihovny (který je znázorněn). Dějiny.
6. Expresivní opatření (barva, kontrast, složení, vizuální centrum)

7. Dojem (pocity, emoce) - příjmu "potápění" v pozemku obrazů.

8. Hlavní myšlenka grafu obrazu. Že autor "chtěl říct", proč napsal obrázek.
9. Jméno obrázku.

Příklady dětské práce na vnímání a analýze malebných prací.

Psaní je pocit malby I. E. Repin "pro vlasti. Hrdina minulé války "

I. E. Repin napsal obrázek "svému vlasti. Hrdina minulé války "s největší pravděpodobností v poválečné době, přesněji po první světové válce.
Umělecký směr, ve kterém je obraz napsán, realismus. Stankomalba, pro práci umělec používal olejové barvy. Žánrový portrét.
Film Repin ukazuje mladý muž, který měl hodně. Vrátí se domů do svých blízkých a příbuzných, na obličeji je vidět vážný, mírně smutný výraz. Oči jsou plné smutného smutku. Putoval po oboru, který se zdá, že je to nekonečné, kdo si pamatuje záběry zbraní a každého, kdo na něj padl. On jde v povědomí, že mnozí z nich miloval, už ne. A jen vrány, jako duchové, připomínají vám mrtvé přátele.

Repin, protože prostředek pro expresivní vybrali chladné barvy ztlumených tónů, množství stínů v obrazech vysílají objemy předmětů a prostoru. Složení je statická, samotná osoba je vizuálním centrem složení, jeho pohled na nás přitahuje pohled diváků.

Když se podívám na obrázek, existuje smutek a povědomí o tom, že současný život se liší od toho, co bylo dříve. Cítím pocit mrazu na těle, pocit bezdůlka klesající počasí.

Věřím, že autor chtěl ukázat, co lidé, kteří prošli válku. Ne, samozřejmě, že se nezměnili na nepoznání Outland: Tělo, poměry zůstaly stejné, ti, kteří měli štěstí, nemají vnější injekce. Ale na tvářích nebudou žádné bývalé emoce, klidný úsměv. Hrůzy války, že tento krásný mladý muž přežil, navždy vtiskl v jeho duši.

Zavolám obraz "osamělý voják" nebo "silniční domov" ... ale kam jde? Kdo na něj čeká?

Výstup: Vnímání umělecké práce je tedy složitý mentální proces, který zahrnuje schopnosti zjistěte si, že porozumíte zobrazenému, vyjádřit svou myšlenku pomocí profesionálních uměleckých termínů. Ale to je jen kognitivní akt. Předpokladem pro umělecké vnímání je emocionální malba vnímán, vyjádření postoje k němu. Esej - Pocit vám umožní vidět úsudky dětí, které svědčí o schopnost nejen cítit se krásně, ale také vyhodnotit.

Slovník základních pojmů ....419

Analýza uměleckého díla

Vzorové otázky a schémata

Pracovní architektura

Při analýze prací architektury je nutné vzít v úvahu rysy architektury jako typu umění. Architektura je druhem umění zmačkaný v umělecké povaze struktury. Proto by analýza měla podléhat vzhledu, měřítku, formě konstrukce.

1. Jaké zařízení si zasloužíte pozornost?

2. S jakými technikami a prostředky jsou nápady autora vyjádřené v této práci?

3. Jaký dojem dělá práci?

4. Jaký pocit může mít příjemce (vnímavý)?

5. Jako emocionální dojem práce pomáhá svému rozsahu, formátu, horizontálním, vertikálním nebo diagonálním umístění dílů, používání určitých architektonických forem, rozložení světla v architektonické památce?

6. Co viz návštěvník, stojící před fasádou?

7. Snažte se vysvětlit, proč vám to vypadá hlavní věc?

8. Co znamená architekt upozorňuje hlavní věc? Popište hlavní umělecké agenti a techniky pro vytvoření architektonického obrazu (symetrie, rytmus, proporce, černobílé modelování, měřítko).

9. Jako v architektonické struktuře jsou vypracovány svazky a prostor (architektonická kompozice)?

10. Popište příslušnost tohoto předmětu na konkrétní typ architektury: objemové struktury (veřejnost: obytný, průmyslový); Krajina (zahradnictví nebo malé formy), městské plánování.

11. Pokuste se předložit, které události mohou být častěji nastat v této architektonické struktuře.

12. Jsou symbolický charakter složení práce a jeho hlavní prvky: kupole, oblouk, oblouk, zeď, věž, klidný?

13. Jaký je název práce? A jak bys mu zavolal?

14. Určete příslušnictví tohoto produktu na kulturní a historickou éru, umělecký styl, směr.

16. Jak forma a obsah této práce korelují?

17. Jaké je spojení mezi vnějším a vnitřním vzhledem této architektonické struktury? Je harmonicky zapsán v životním prostředí?

18. Jaké provedení podle Vašeho názoru naleznete v této práci Formula Vitruvi: Výhody, síla, krása?

19. Jsou další typy umění používaných v konstrukci vzhledu tohoto architektonického objektu? Jaký druh? Doporučili jste svůj výběr autora?

Práce malby

Aby bylo možné abstraktovat z vnímání spiknutí, nezapomeňte, že obraz není oknem do světa, ale letadlo, na kterém může být iluze prostoru vytvořen s malebnými prostředky. Proto je nejprve důležitá analyzovat základní parametry práce.

1. Velikost malby (monumentální, stroj, miniatura)?

2. Formát obrazu: horizontální rozšířený nebo vertikální obdélník (případně se zaobleným dokončením), čtvercový, kruh (tdado), oválný?

3. V jaké technice (teplota, olej, akvarel atd.) A na jakém základě (dřevo, plátno atd.) Je obraz?

4. Z jaké vzdálenosti je nejlépe vnímáno?

Analýza obrazu.

5. Je na obrázku nějaký pozemek? Co je zobrazeno? Ve kterém prostředí jsou zobrazeny znaky, položky?

6. Na základě analýzy obrazu, provést závěr o žánru (portrét, krajina, zátiší, nahý, domácnost, mytologický, náboženský, historický, havaráteje).

7. Jak si myslíte, jaký úkol je umělec dekazován - v pořádku? expresivní? Jaký je stupeň úmluvy nebo naturalismu obrazu? Je podmínka pro idealizaci nebo expresivní zkreslení?

Analýza kompozice

8. Jaké složky tvoří kompozici? Jaký je poměr předmětu obrazu a pozadí / prostoru na vzor obrázku?

9. Jak blízko k obrázkové rovině jsou objekty obrazu umístěny?

10. Jaký úhel pohledu si vybral umělec - shora, spodní, flush s zobrazenými objekty?

11. Jak je stanovena pozice diváka - je zapojena do interakce s těmi, které jsou uvedeny na obrázku, nebo dostane roli pozastaveného rozjímání?

12. Je možné zavolat složení vyvážené, statické nebo dynamické? Pokud je tah, jak je řízeno?

13. Jak je objektivní prostor postavený (plochý, nejasně, prostorová vrstva se oživuje, byl vytvořen hluboký prostor)? Vzhledem k tomu, co je dosaženo iluzí prostorové hloubky (rozdíl ve velikosti zobrazených obrázků, přehlídka objemu objektů nebo architektury pomocí barevných gradací)?

Analýza vzoru.

14. Pokud je lineární start vyjádřen na obrázku?

15. Zdůraznil nebo vyhlazen obrysy, s výjimkou jednotlivých položek? Jaké prostředky je tento efekt dosaženo?

16. Do jaké míry vyjádřil objem objektů? Jaké techniky jsou vytvářeny iluzí objemu?

17. Jakou roli hraje světlo na obrázku? Co je to (hladký, neutrální; kontrast, tlačí objem; mystický)? Je zdrojem / směr světla číst?

18. Jsou siluety zobrazených postav a objektů? Jak je expresivní jsou v sobě cenné?

19. Jak podrobně (nebo je opačný zobecněný) obraz?

20. Je řada textur zobrazených povrchů (kůže, tkáň, kov, atd.) Přeložit?

Analýza barev.

21. Jaká role se chuť hraje na obrázku (podřízený výkresu a objemu nebo naopak podsuzí jeho kreslení a staví sám složení)?

22. Je barva jen zbarvení nebo něco velkého? Je to opticky spolehlivé nebo expresivní?

23. Jsou rozlišovány hranice barevných skvrn? Odpovídají okrajům svazků a objektů?

24. Umělec pracuje ve velkých barevných hmot nebo malých skvrn skvrny?

25. Jak jsou napsány teplé a studené barvy, používá umělec kombinaci dalších barev? Proč to dělá? Jak jsou vysílány nejvíce osvětlená a skrytá místa?

26. Jsou tam odlesky, reflexy? Jak jsou stíny (hluché nebo průhledné, jsou barevné)? Existuje dominantní barva / kombinace barev?

Jiné parametry

1. Jaké jsou autorské emocionální objekty k objektu (skutečnost, událost, fenomén), si zaslouží pozornost?

2. Určete příslušnost tohoto produktu na žánr malby (historický, portrét, zátiší, bitva, jiné).

3. S jakými technikami a prostředky jsou nápady autora vyjádřené v této práci?

4. Jaký dojem dělá práci?

7. Jak pomáhá použití určitých barev emocionálním dojmem?

8. Co je zobrazeno na obrázku?

9. Zvýrazněte hlavní věc z toho, co jste viděli.

10. Snažte se vysvětlit, proč vám to vypadá hlavní věc?

11. Co znamená, že umělec přiděluje hlavní věc?

12. Jak se stěžovaly barvy (složení barev)?

13. Zkuste přeformovat pozemek obrazů.

14. Má pozemky, které něco symbolizují?

15. Jaký je název práce? Jak se vztahuje k jeho spiknutí a symbolismu?

16. Jsou symbolickým charakterem složení práce a jeho hlavní prvky: horizontální, vertikální, diagonální, kruh, oválný, barva, kostka?

Práce sochařství

Při analýze prací sochařství je nutné vzít v úvahu své vlastní parametry sochy jako typu umění. Sochařství je typem umění, ve kterém skutečný trojrozměrný objem interaguje s okolním trojrozměrným prostorem. Analýza by proto měla být předmětem objemu, prostoru a způsobu interakce.

1. Jaký dojem dělá práci?

3. Jaký je charakter práce?

4. Jaké jsou autorské emocionální postoj k objektu (skutečnost, událost, fenomén), zaslouží si pozornost?

5. S jakými technikami a prostředky jsou nápady autora vyjádřené v této práci?

6. Jaká je velikost sochy? Velikost sochy (monumentální, Minnak, miniaturní) ovlivňuje jeho interakci s prostorem.

7. Jaký žánr je tato socha? Na co je určena?

8. Popište původní materiál použitý autorem, jeho funkce. Jaké funkce sochy jsou dána jeho materiálem (proč byl tento materiál vybrán pro tuto práci)? Jsou jeho vlastnosti s myšlenkou práce? Je možné si představit stejný výrobek z jiných materiálů? Jak by to bylo?

9. Jaká je textura sochařského povrchu? V různých částech? Hladký nebo "skica" jsou viditelné stopy dotykové nástroje, podmíněné rozstřikování. Jak se tato textura vztahuje k vlastnostem materiálu? Jak ovlivňuje texturu vnímání siluety a objem sochařské formy?

10. Jak pomáháte emocionální dojem z práce jeho měřítka, formátu, horizontální, vertikální nebo diagonální části dílů?

11. Jaká je role barvy v sochi? Jak se objem a barva interaguje, jak se navzájem ovlivňují?

12. Kdo (co) vidíte v sochařství?

13. Zvýrazněte nejdůležitější věc, zvláště cennou od toho, co jste viděli.

14. Pokuste se vysvětlit, proč vám to zdá nejdůležitější, obzvláště cenné?

15. Co znamená sochař přidělit hlavní věc?

16. Jak jsou předměty (složení předmětu) uspořádány v práci?

17. Ve kterém prostoru byla práce umístěna (v chrámu, na náměstí, v domě, atd.)? Jaký bod vnímání bylo vypočteno (z dálky, zdola, blízko)? Je to součást architektonického nebo sochařského souboru nebo je to nezávislá práce?

18. Je socha vypočtená pro pevné údaje, nebo je zcela odhaleno s kruhovým obvodem? Kolik hotových expresivních siluety má to? Jaké jsou (uzavřené, kompaktní, geometricky správné nebo malebné, otevřené)? Jak se vztahují k sobě?

19. Co může tato socha (nebo řekněme), pokud "bude oživit"?

20. Jaký je název práce? Jaký je význam (tituly), což znamená, co si myslíte? Jak se vztahuje k spiknutí a symbolismu?

21. Jaký je interpretace motivu (naturalistické, podmíněné, daný Canon, diktovaný místem obsazeným sochou ve svém architektonickém prostředí nebo jiným)?

22. Jaká je ideologická pozice, podle vašeho názoru, chtěl dát lidem autorovi práce?

23. Cítíte se v práci jiných typů umění: architektura, malování?

24. Co si myslíte, že sochařství je vhodnější zvážit přímo, a ne na fotografiích nebo reprodukcích? Argumentujte svou odpověď.

Dekorativní a užitečné umění

Analýza položek dekorativních a užitých umění by měly být pamatovány, že nejprve hráli aplikovanou roli v životě člověka a ne vždy nese estetickou funkci. Ve stejné době, forma předmětu, jeho funkční funkce ovlivňují charakter obrazu.

1. Proč je tento předmět navržen?

2. Jaká je velikost?

3. Jak je scenérie předmětu? Kde jsou zóny figurativní a okrasné dekorace? Jak je umístění obrázků s podobu předmětu?

4. Jaké typy ornamentů se používají? Na které části tohoto předmětu jsou umístěny?

5. Kde jsou obrazové obrazy? Vezmou si více místa než okrasné nebo jsou jen jedním z okrasných registrů?

6. Jak je vytvořen registr s obrazovými obrazy? Je možné říci, že existuje příjem volného složení nebo používat princip adres (tvary ve stejných pózách, minimální pohyb, opakujte se navzájem)?

7. Jak jsou čísla zobrazují? Jsou pohyblivé, zmrazené, stylizované?

8. Jak jsou podrobnosti o obrázcích? Vypadají přirozenější nebo okrasné? Jaké techniky se používají k přenosu čísel?

9. Pokud je to možné, uvnitř předmětu podívejte. Je tam obraz a ozdoby? Popsat je nad výše uvedeným schématem.

10. Jaké jsou hlavní a volitelné barvy používány při výstavbě ozdob a čísel? Jaký je tón hlíny? Jak to ovlivňuje charakter obrazu - dělá to více okrasné nebo naopak přirozenější?

11. Pokuste se uzavřít jednotlivé zákony tohoto typu dekorativního a užitého umění.

Algoritmy analýzy kresby

Hlavní podmínkou pro práci na tomto algoritmu je skutečnost, že jméno obrazu by nemělo být známo těm, kteří pracují.

Jak byste zavolal tento obrázek?

Líbí se vám obrázek nebo ne? (Odpověď musí být nejednoznačná).

Řekněte nám o tomto obrázku tak, aby ji člověk, který ji neví, by o tom mohl udělat.

Jaké máte pocity tento obrázek?

Chcete přidat nebo změnit něco ve své odpovědi na první otázku?

Návrat na odpověď na druhou otázku. Je váš odhad zůstal bývalý nebo změněn? Proč tolik hodnotíte tento obrázek?

Algoritmus pro analýzu malby

Význam názvu obrazu.

Žánrová příslušnost.

Rysy pozemku obrazů. Příčiny psaní obrazu. Vyhledejte odpověď na otázku: Udělal autor své myšlenky divákovi?

Funkce složení obrázku.

Pevná aktiva uměleckého obrazu: barva, výkres, textura, světlo, způsob psaní.

Jaký dojem byl tento umělecká díla na vašich pocitech a náladě?

Kde je toto umělecké dílo?

Algoritmus pro analýzu děl architektury

Co je známo o historii tvorby architektonických struktur a jeho autora?

Určete příslušnictví tohoto produktu na kulturní a historickou éru, umělecký styl, směr.

Jaké provedení nalezeno v této práci vzorec vitruvie: síla, přínos, krása?

Určete umělecké prostředky a techniky pro vytváření architektonického obrazu (symetrie, rytmus, podíl, černobílé modelování, měřítko), na tektonických systémech (stropní paprsek, křemičité, klenuté, vzbouřené kopule).

Určete patřit k typu architektury: hromadné konstrukce (veřejnost: rezidenční, průmyslové); krajina (zahradní park nebo malé formy); městské plánování.

Určete propojení mezi externím a vnitřním vzhledem architektonické struktury, spojení mezi budovou a úlevou, charakterem krajiny.

Jak používat jiné umění v designu jeho architektonického vzhledu?

Jaký dojem pracoval na vás?

Jaké sdružení je umělecký obraz a proč?

Kde je architektonická struktura?

Algoritmus pro analýzu prací sochařství

Historie vytváření práce.

Affiliate k umělecké éře.

Význam názvu práce.

Patřící k typům sochy (monumentální, památník, ocel).

Použití materiálových a zpracovatelských strojů.

Velikosti sochy (pokud je důležité vědět).

Podstavec formy a velikosti.

Kde je tato socha?

Jaký dojem byl tato práce na vás?

Jaké sdružení je umělecký obraz a proč?

Analýza příběhu filmu.

První část analýzy. Historie vzhledu. Dovorem ředitele. Práce s scenáristou a provozovatelem.

1. Analýza postav heroes.

Saturaci filmů s postavami. Charakteristika hlavních postav (podrobnosti o ztělesnění). Charakteristika sekundárních znaků (jejich funkce ve vztahu k hlavním znakům, k akci filmu). Pracovních aktérů o roli. Analýza herecké hry.

2. Analýza filmu jako reflexe subjektivity ředitele

Umělecké kino jako nezávislé umělecké dílo. Autor je, tj. Režijní pozice (nejčastěji se projevuje v jeho rozhovoru, můžete ho najít v rozhovoru, vzpomínkách, článcích účastníků na tvorbě filmu). Vliv skutečných událostí v jeho osobním a společenským životě na filmu. Odraz vnitřního světa ředitele.

Poslat svou dobrou práci ve znalostní bázi je jednoduchá. Použijte níže uvedený formulář

Studenti, absolventi studenti, mladí vědci, kteří používají znalostní základnu ve studiu a práce, budou vám velmi vděční.

Publikováno na http://www.allbest.ru/

Federální státní vzdělávací instituce vyššího odborného vzdělávání

Omsk State Technická univerzita

Katedra DTM.

abstraktní

Na téma:

Analýza kresby umění na příkladu obrazu Michelangelo Buonaroti "Hrůzného soudu"

Provedeno: student c. ZSR-151 A.a.a. Karev

Zkontrolován: Profesor Gumenyuk A.n.

Úvod

1. Zásobník "Scary Court"

2. Obecné informace o rozdílech na obrázku z ikony

3. Složení oltářních fresků Sicstinian Capella Michelangelo Buonarot (1475-1564) "Scary Court" (1535-1541)

Závěr

Seznam použité literatury

Úvod

Hrozný soud - freska Michelangelo na oltářní stěně Sistinské kaple ve Vatikánu. Umělec pracoval na fresku čtyři roky - od 1537 do roku 1541. Michelangelo se vrátil k Sistinské kapli tří desetiletí po dokončení stropu. Velkoplošné fresky zaujímá celou stěnu za oltářem Sixtinské kaple. Tématem bylo druhým příchodem Krista a apokalypsy.

"Hrozný soud" je považován za práci, která skončila v umění renesance, kterou Michelangelo sám dal poctě obrazu stropu a oblouků Sixtinské kaple a otevřela novou dobu zklamání v filozofii antropocentrického humanismu .

1. Pozemek "hrozného soudu"

Druhý příchod Krista, kdy podle křesťanské doktríny, univerzální vzkříšení mrtvých, kteří spolu s naživu, bude konečně vyzkoušen a budou jmenováni, aby se vzali na oblohu nebo svrhl do pekla. Posvátný Písmo mluví mnohokrát o tom, ale hlavní autoritou je Kristus pro učedníky, kteří se chovali s Mattehem: "Když syn člověka přijde do slávy jeho vlastní a všechny svaté andělé s ním, pak se všechny národy shromáždí před ním; a oddělit ostatní, protože pastýř odděluje ovce z koz; a dát ovce na pravé straně a kozy - vlevo. " Musí být vyzkoušeny, podle jejich milostí záležitostí, které vykonávali ve svém pozemském životě. Hříšníci budou muset jít do "věčné mouky".

Druhý příchod Kristus (nebo Kristova království na Zemi) se očekávalo s důvěrou v 1000, a když tato očekávání nebyla splněna, církev začala přikládat rostoucí význam "čtyř recenzí" doktrínu - Smrt, soud, nebe peklo.

Od té doby se obrazy hrozného soudu objevují (především v XII-XIII století) na sochařských západních frontě francouzských katedrálů.

To je velký pozemek sestávající z několika částí. Kristus - soudce je centrální postava. Na obou stranách, apoštolů, kteří byli s ním na poslední večeři: "a budete sedět na trůny, abych posoudil 12 kolen Izraele."

Níže jsou mrtví, stoupající z hrobů nebo ze Země nebo moře: "A mnoho z pozemků spí v Praze se zlomí, jeden pro život věčného, \u200b\u200bjiní pro věčná pravidla a zábavu." "Pak dal moře mrtvých, kteří byli v nich; A on byl posuzován každou z jejich podnikání. " Archanděl Michail drží váhy, na kterých váží duši. Spravedlivý - podle správné ruky Krista, doprovázené anděly, na levé straně od něj pod ním hříšníci jsou přenášeni do pekla, kde jsou znázorněny v hrozné mouce. (Hall D. Slovník pozemků a symbolů v oboru. M, 1996)

2. Všeobecnéinformace o rozdílech obrázku z ikony

Obrázek, především působí na emocionální sféru. Ikona - na mysl a intuici. Obraz odráží náladu, ikona je stav člověka. Obrázek má hranice, rám spiknutí; Ikona - zahrnuje neomezené. Někteří věří, že starověké ikony malíři neznali zákony přímého výhledu a symetrie lidského těla, tj. Byly neznámé s anatomickým saténem. Umělci této éry však pozorovali přesné podíly lidského těla, když dělali sochu nebo obecně sochy (trojrozměrný obraz nebyl používán ve východní církvi, ale probíhal pouze v sekulárním umění). Nedostatek přímé perspektivy označuje další prostorové dimenze, o lidských schopnostech vládnout přes prostor. Prostor přestane být překážkou. Vzdálený předmět se nestane iluzorně snížen. Magitudy v ikonách nejsou prostorové, ale axiologický charakter, vyjadřující stupeň důstojnosti. Například démoni zobrazují menší než andělé; Kristus mezi studenty stoupá nad nimi atd.

Obrázek lze považovat za analyticky. Můžete se hádat o jednotlivých fragmentech obrázku, uveďte, co se vám líbí a co se mi nelíbí. A ikona nemůže být považována za buňky, fragmenty, na dílu, je vnímána synteticky jedním vnitřním náboženským pocitem. Ikona je krásná, když volá osobu k modlitbě, když duše cítí dynamickou oblast energií a síly emitovaných ikonou z věčného světla. V ikoně jsou postavy stále, zmrazené. Ale to není zima smrti; Zde je zdůrazněn vnitřní život, vnitřní dynamika. Svatí jsou v rychlém duchovním letu, ve věčném pohybu směrem k božskému, kde není místo pro tiché pózy, rozruch a vnější výraz.

Osoba přijala hlubokým pocitem nebo ponořeným do meditace, také přepne na vnitřní a toto odpojení od vnějšího svědčí o intenzitě a napětí svého ducha. Naopak externí reproduktor je vytisknout emoce jako dočasné státy - říká, že ten, kdo chtěl zobrazovat na ikonu, není ve věčnosti, ale v čase, v moci smyslné a přechodné.

Jeden z vrcholů západního umění je obraz hrozného soudu v Sicastinské kapli, který vytvořil Michelangelo. Čísla jsou prováděna s úžasnými znalostmi poměrů lidského těla a zákonů harmonie. Podle nich můžete studovat anatomii. Každý člověk má vlastní jedinečnou osobnost a psychologickou charakteristiku. Zároveň je náboženský význam tohoto obrázku nulový. Kromě toho je to relaps pohanství, který vznikl v srdci katolického světa. Paganové a židovské tradice jsou zakotveny v předmětu "hrozného soudu". Charon transportuje duše zemřelých přes vodami Styxu. Obraz je převzat ze starožitné mytologie. Vzkříšení mrtvých se koná v údolí Josafatu, protože talmudická legenda říká.

Obraz se provádí v zdůrazněném naturalistickém stylu. Michelangelo zobrazoval těla nahá. Když Pavel Pavel III zvažuje obraz Sixtinské kaple, zeptal se řidič obřadního obřadu Biangio, a Cesena, jak se mu líbí malba, odpověděl: "Vaše svatost, tyto postavy by byly vhodné někde v hospodě, a ne ve vašem kaple." ("V jazyce ortodoxní ikony". Archimandrite rafail (kareline), 1997)

Dotkli jsme se západní evropské malby, abychom zdůraznili svůj základní rozdíl od ortodoxního umění. Jedná se o živý příklad skutečnosti, že forma se neshoduje s obsahem, bez ohledu na to, jaký brilantní je sám. V takzvané náboženské malbě renesance je přiložena metodická chyba. Malíři se snaží přes napodobovat umění, tj. Obraz bohatý na emoce a vášně, pohybující se nebeským na pozemský plán, ale dosáhne reverzní - ne regenerovaný významnost tolerovat do působnosti oblohy; Země a smyslné vysídlení duchovního a věčného (nebo spíše neexistují místo pro oblohu, tam všechno trvalo a spolklo zemi), jeho srdce; Mírně náchylná postava poslušnost vůči Božímu, atd.

Katolický obraz je nesrozumitelný, ortodoxní ikona je mnohostranná. V ikoně plány se protínají mezi sebou, koexistují nebo propojují, aniž by se spojily a rozpustily v sobě. Obrázek zaznamenal čas v okamžiku zastavil vůli umělce, jako by fotografický blesk. Čas je podmíněně v ikoně, tedy události v chronologickém neplašování mohou být prezentovány na poli ikon. Ikona vypadá jako interní plán a kreslení událostí. Pro ikony se vyznačuje jednorázovým obrázkem: Všechny události se vyskytují okamžitě. Michelangelo sequstine freska ikona

Obrázek je napodobovat realitu s prvky fantazie, také brát materiál pro jejich nálady od pozemských realit. Ikona - Provedení duchovního rozjímání, který je uveden v mystických zkušenostech, ve stavu cívky, ale uvažuje o čarách a barvách přenášených a objektivizovaných přes kultovní jazyk. Ikona je teologická kniha napsaná štětcem a barvami. V ikoně obraz dvou sfér - nebeský a pozemský - není uveden podle principu rovnoběžnosti, ale podle principu symetrie. Na obrázku na náboženských tématech, která je nesprávně nazývána ikonou, mezi nebem a zemí nebo neexistují žádné rozdíly, rozlišení, nebo jsou spojeny "paralelními liniemi" historie, jako jediná bytost v čase a prostoru.

Na obrázku, princip přímého, lineárního hlediska, který dává iluzi objemu, trojrozměrnost v obraze skutečných i duchovních entit. Duchovní se projevuje na obrázku, ale je nahrazen materiálem, objemovými formami a těly v něm, a zmizí v těchto mimozemských forem. Duchovní na obrázku přestává být superitivní, ale stává se "přirozeným", zde existuje profanace svatyně. To bylo správně naznačeno Iconoborets, popírající výšty obrázků na náboženských tématech, ale nespravedlivě zobecňující se špatnou metodou všechny možnosti výtvarného umění - v tomto případě, ikonista - který otevírá duchovní svět, aniž by ho identifikoval s nekonečna jako nekonečná Délka, s realitou reálného světa, který je pod orgány smrti a poklesu.

Iconoborety identifikovaly ikonu mimitického portrétu, s fantazií nebo alegorií, ale ikona, jako posvátný symbol, byla ignorována nebo nepochopitelná. V ikoně nejen opozice dvou sfér času a věčnosti, ale ve svých rytmech - církev času, přitažlivost k věčnosti. ("V jazyce ortodoxní ikony". Archimandrite rafail (kareline), 1997)

3. Složení oltářních fresků Sicstinsky CapellaMichelangelo Buonarroti.(1475-1564) "Scary Court" (1535-1541)

Neobvyklé rozhodnutí autora ve výstavbě složení si zachovává nejdůležitější tradiční prvky ikonografie. Prostor je rozdělen do dvou hlavního plánu: Nebeského - s rozhodčím Kristem, matkou Boha a Svaté a Zemí - s scénami vzkříšení mrtvých a dělení na spravedlivé a hříšníky.

Děrovací andělé jsou vyhlášeni na začátku hrozného soudu. Kniha je otevřená, ve které jsou zaznamenány všechny lidské záležitosti. Kristus sám není milosrdný redempuor, ale trestání Vladya. Gesto soudce působí pomalé, ale neúprosný kruhový pohyb, který zahrnuje řady spravedlivých a hříšníků do svého proudu. Matka paní sedící vedle Kristu se odvrátila od toho, co se děje.

Odmítá svou tradiční roli přímluvy a s trepidation váhá konečnou větu. Kolem svatých: apoštolů, proroky. V rukou mučedníků, zbraně pro mučení, symboly utrpení utrpěli za víru.

Dead, s nadějí a hrůzou, otevírání očí, vstaň z hrobů a jděte k Božímumu dvoře. Někteří se snadno a volně stoupají, jiní pomalejší, v závislosti na závažnosti vlastních hříchů. Silný duch pomáhá vstávat potřebu pomoci.

Plná hrůzy tváře těch, kteří musí jít dolů na očistit. Zpívající hroznou mouku, hříšníci se nechtějí dostat do pekla. Síly zaměřené na dodržování spravedlnosti je tam tlačí tam, kde je nutné být lidé, kteří způsobili utrpení. A ďáblové je vytáhnou na Minos, kdo je ocas, ztrácí kolem těla, označuje kruh pekla, ke kterému by měl hříšník jít dolů. (Soudce mrtvých duší umělník dal vlastnostem obličeje Ceremonyster papeže Biangho da Cesena, který často sestavil na nahotu zobrazených postav. Jeho osel uši - symbol nevědomosti.) A v blízkosti Barka je viditelná, spravuje dopravce Charone. Jeden pohyb má hříšné duše. Zoufalství a vzteklina jsou převedeny s ohromující silou. Vlevo od Barka, Heerish Abyss mezery - existuje vstup do očistce, kde démoni očekávají nové hříšníky. Zdá se, že je slyšet pláče hrůzy a překračuje zuby nešťastného.

Nahoře, mimo silný cyklus, nad duší, které se očekává, že ušetří, snižují odlehlé anděly se symboly utrpení nejvíce utrpení. Nahoře na pravé, krásné a mladých tvorech nesou atributy ušetřit hříšníky. (SMIRNOVA I.A. Monumentální obraz italské renesance. M.: Vizuální umění, 1987)

Závěr

V této abstraktní, freska Michelangelo "Termizijský soud" byl zvažován ve srovnání s ikonou "děsivého soudu" (1580s.). Obě ikona i freska jsou napsány na jednom příběhu - druhý příchod Krista a hrozné pokusy o hříchy lidstva. Mají podobnou složení: Centrum je znázorněno Krista a apoštolové se nacházejí na levé a pravé ruce. Nad nimi Bůh. Pod Kristem - hříšníci, kteří slibují peklo. Oba obrazy jsou vyrobeny v opačném směru. Ale zároveň se v ikoně používají méně jasných barev než v Michelangelo fresku. V ikoně existuje mnoho symbolických obrázků (dlaní s dítětem - "spravedlivé duše v ruce Boží", a tady, váhy - to je "Míra člověka").

V moderní době bylo vytvoření těchto prací populární mezi lidmi Eschatologickými názory, takže tyto obrazy odůvodňovaly jejich jmenování, aby nevyděšily lidstvo, ale sdělit myšlenku žít spravedlivý život, takový pozemský hříchový život Ježíše Kristus.

Seznam použité literatury

1. Hall D. Slovník pozemků a symbolů v umění. M, 1996.

2. "V jazyce ortodoxní ikony." Archimandrite Rafail (Kareline) 1997

3. SMIRNOVA I.A. Monumentální malování italské oživení. M.: Výtvarné umění, 1987

4. Buslaev F.I. Obrazy hrozného soudu na ruských originálech // Buslaev F.I. Práce. T. 2. SPB., 1910.

5. Alkeev S. Viditelná pravda. Encyklopedie ortodoxní ikony. 2003.

Publikováno na allbest.ru.

Podobné dokumenty

Pozemek "děsivého soudu". Obecné informace o rozdílech na obrázku z ikony. Složení oltářních freseky Sicstinian Capella Michelangelo Buonarotiho "hrozného soudu". Vlastnosti ikon "Scary Soud". O přímém a inverzním pohledu. Světelná a barevná symbolika.

abstrakt, přidáno 03/18/2012


Analýza umění a humanismu ve florencie Times Lorenzo velkolepý. Životopis a tvořivost Michelangelo Buonaroti. Psychologická struktura osobnosti a myšlenky Mistra, charakteristiky jeho soch a obrazů. Malování sycstinské Capella ve Vatikánu.

diplomová práce, přidaná 12/10/2017


Studium vlastností tvořivosti Michelangelo Buonarot - italský sochař, malíř, architekt, básník. Výrazné funkce s vysokým znovuzrozením éry. David. Slavný freska z Sicstine malby Michelangelo - stvoření Adama.

prezentace, přidaná 24.10.2014


Stručná biografie Michelangelo Buonotti - velký sochař a umělce. Jeho tvůrčí vývoj: sochy Vakhka a krmiva, mramorový obraz Davida, fresky "bitvy Kashin" a "bitva s angienem". Historie obrazu sistinské kaple.

prezentace, přidaná 12/21/2010


Životopis, vzhled a charakter Michelangelo Buonaroti (1475-1564) - Velká geniální architektonická éra renesance v Itálii, stejně jako popis brzy a později dokončené a nedokončené práce. Analýza vztahu mezi Michelangelem s kolonou Vittoria.

abstrakt, přidáno 11/14/2010


Kultura domorodých národů Itálie a jeho předchůdce států. Období dějin italské kultury. Kreativita Leonardo da Vinci. Obraz mladé florentské Mona Lisy. Malování stropu sistinních kaplí ve Vatikánu, vyrobený Michelangelem.

prezentace, přidaná 01/14/2014


Hlavní události v životopisu Michelangelo Buonarot - italský sochař, malíř, architekta a básník. Kreativní vyjádření ideálů vysokého oživení a tragického pocitu krize humanistického světa-upsion v období pozdního oživení.

abstrakt, přidáno 12.11.2011


Studium historie výstavby Sixtinské kaple - bývalého domu kostela ve Vatikánu. Popisy haly s oválným obloukem, scény z knihy Genesis, která se nachází od oltáře do vchodu. Závěry, které prošly v kapli. Michelangelo Fresco cyklus, zdobené strop.

prezentace, přidaná 04/23/2013


Duchovní a morální atmosféra Itálie XIV-XVI. Analýza tvorby bootharrotik a odrazu v moderní společnosti. Psychologická struktura myšlenek Michelangelo. Analýza vztahu geniace s úřady. Mistrovská díla frézy a kartáčů. Poetické dědictví.

diplomová práce, přidána 04/29/2017


Analýza umělecké tvořivosti Leonardo da Vinci v dílech domácích vědců. Biografické informace o Titanu renesance. Složení a pozemky Fresky "Poslední večeře". Příspěvek Velkého umělce a vědec ve vývoji světové kultury, vědy a technologie.