Analisi del lavoro di pittura secondo il piano. Piano di analisi scritta dell'opera d'arte. Descrizione e analisi del lavoro della scultura

Ministero dei trasporti della Federazione Russa

Educativo di bilancio dello Stato federale
Istituzione di un reclutamento superiore
"Università di trasporto russa"
Ruth (Miit)
Accademia di trasporto russa

Facoltà di "veicoli"

Dipartimento "Filosofia, sociologia e storia"

Lavoro pratico

dalla disciplina

"Culturalologia"

Ho fatto il lavoro

studente del 1 ° corso

gruppi ZSA-192

Nikin a.a.

CIFR 1710-C / SDS-0674

Mosca 2017-2018 G.

Lezione pratica numero 1

Compito: dare un'analisi significativa da parte dell'opera dell'architettura della tua città (villaggio, distretto)

Monumento ai lavoratori ferroviari, 2006 Scultore I. Dikunov.

Vengo dalla città della regione di Lisky Voronezh. La mia città è il più grande nodo ferroviario. A partire dal 1871, la storia della città è intrecciata con lo sviluppo della ferrovia. Nella nostra città, ogni sesto residente è strettamente connesso con la professione ferroviaria, quindi quando è nata la domanda sul luogo di installazione del monumento in onore del 140 ° anniversario della ferrovia sud-orientale, la scelta cadde sulla nostra città. L'apertura del monumento ai lavoratori ferroviari era nel 2006

Questo è uno dei pochi diritti d'autore della città, realizzati dal famoso scultore Voronezh Ivan Dikunov in co-paternità con sua moglie Elsa Pak e figli Maxim e Alexei. Sono gli autori dei busti degli eroi dell'Unione Sovietica e della Russia sul vicolo della gloria, oltre a personaggi di fiaba che adorano il parco della città nella nostra città.

Dikunov Ivan Pavlovich - Artista onorato della Federazione Russa, Operaio d'arte onorato, Laureate del premio Stato 1990. Membro attivo dell'Accademia di Scienza e Arte di Petrovskaya, Professore.

Ivan Pavlovich è nata nel 1941 nel villaggio del distretto di Petrovka Pavlovsky della regione di Voronezh. La sua infanzia ha rappresentato gli anni postbellici difficili. Nonostante le difficoltà, ha trovato tempo per la creatività, gli piaceva disegnare, e ancora più scolpire. Già allora il suo talento era visibile. Ivan Dikunov si è laureato alla scuola d'arte di Leningrado dal nome Serov nel 1964, quindi l'Istituto di pittura, scultura e architettura. Cioè Repin nel 1970. Nel 1985. Arrivò a Voronezh e andò a lavorare nel Voronezh State Architectural And Construction Institute, dove ha insegnato 20 anni. Dal 1988 al 1995, Dikunov Pedagogue of the Voronezh Art School.

Nelle città delle regioni di Voronezh e Lipetsk nel Commonwealth con colleghi VGasu, Ivan Pavlovich ha creato una serie di monumenti significativi, che sono immagini uniche della formazione del mezzo architettonico e sono una combinazione di sculture e architettura monumentale. Ha parlato dall'autore dei progetti e dal capo dei gruppi creativi sulla creazione di monumenti di Voronezh con una straordinaria personalità russa - M.E. Pyatnitsky (1987), A.S. Pushkin (1999), A.P. Platonotov (1999) e altri. Ivan Pavlovich partecipa costantemente a mostre regionali, zonali, repubblicane, all-unin, tutte russali e straniere.

Dikunov ha detto che il lavoro sul monumento ai lavoratori ferroviari ha avuto luogo per tre anni e il suo pensiero principale era quello di mostrare l'idea della ferrovia in movimento. C'è un monumento all'ingresso della città di Liski ed è un biglietto da visita della nostra città.

Il monumento ai lavoratori ferroviari è un monumento che ci influenza una composizione complessa, un profondo significato e simbolismo. Nel piano iniziale, il monumento era un'immagine di divergenza dalla colonna in diverse direzioni dei lavoratori ferroviari. Ma successivamente, gli scultori arrivarono alla composizione in cui entrambe le figure camminano lungo la piattaforma in una direzione. Questo è stato chiesto come l'aspirazione in avanti e l'unità della comunicazione inseparabile delle generazioni di ferrovie.

Creare un monumento usato in pietra e metallo. Ci sono molti dettagli simbolici in esso che, con una considerazione attenta, piega nella caposa immagine solida della ferrovia. Al centro, la composizione è un'alta colonna di una forma elegante su un piedistallo quadrato decorato con immagini di strumenti di lavoro sullo sfondo dei raggi divergenti. Ha incoronato l'emblema della ferrovia e l'iscrizione "" Liski ". Le figure di 3,5 metri di altezza sono due generazioni di lavoratori ferroviari - un sentiero con una lanterna e un lungo martello, un'immagine del XIX secolo e un moderno autista in un abito sagomato con un portfolio in mano. Sembrano intorno al treno intorno alla piattaforma.

Dettagli di abbigliamento e inventario sono stati scelti con cura speciale: forma mantenuta, subtleties ricreati su dipinti e mostre museali. In una specie di scultori serviti dagli operai del sito ferroviario di Liskinsky. Ai margini della lastra passa l'iscrizione: "" è dedicato ai lavoratori ferroviari verso i guerrieri-eroi 140 anni Yev Railway

Ho un senso di orgoglio nella mia città, per la gente comune dei lavoratori, la cui professione difficile e responsabile è immortalata nel monumento. E due figure di generazioni diverse suggeriscono che la ferrovia nel suo sviluppo si muove in avanti, migliora ogni anno.

Compito pratico numero 2

Compito: dare un'analisi significativa del dipinto dell'artista dalla tua città (villaggio, distretto)

Il mio Countryman è stato il famoso artista russo Kramskaya Ivan Nikolaevich (27 maggio 1837. - 24 marzo 1887). È nato nella città della provincia di Ostrogozhsk Voronezh (questo si trova a 30 km dalla mia città natale di Liski) nella famiglia di un piccolo funzionario.

Ha studiato alla St. Petersburg Academy of Arts (1863-1868) nel 1863. Ha ricevuto una piccola medaglia d'oro per l'immagine "Mosè trasuda l'acqua dalla scogliera". Kramskaya era l'iniziatore della "Bunta of Fourteen", che si è conclusa con accesso dall'accademia delle Arti dei suoi laureati che organizzò Art Art Artists. Inoltre, uno dei creatori nel 1870 "Associazione delle mostre d'arte mobile". Influenzato dalle idee dei democratici russi-rivoluzionari, Kramskaya ha difeso la sua opinione sull'elevato ruolo pubblico dell'artista, i principi fondamentali del realismo, l'essenza morale dell'arte e la sua affiliazione nazionale. Nel 1869 insegnava in una scuola di disegno della promozione pubblica degli artisti. Nel 1869, Kramskaya ha ricevuto il titolo di Accademico.

I 1970-80 anni del XIX secolo erano per Ivan Nikolayevich dal periodo in cui è stata scritta una delle opere più famose, questo è il "Hollowman", "Mina Moiseeva", "contadino con una briglia" e altri. Sempre unito l'artista nei suoi lavori ritratto e argomenti domestici ("Stranger", "Rezazynaya Mount").

Molte tela di Kramsky sono riconosciute come un classico della pittura russa, era un maestro di scene di ritratto, storico e genere.

Vorrei soffermarmi sull'analisi dei suoi dipinti "Cristo nel deserto", che occupa un posto molto speciale nella biografia creativa di I. Kramsky.

Cristo nel deserto.

Tela, olio.

180 x 210 cm.

L'idea principale dei tre anni di Kramsky, che ha fortemente impegnato in lui è la tragedia della vita di quelle alte natura che si rifiutarono volontariamente tutta la felicità personale, il meglio, il più puramente, che l'artista poteva trovare per esprimere la sua idea, era Gesù Cristo.

Kramskaya è stato pensato alla sua tela per un decennio. Nei primi anni del 1860, ancora all'Accademia delle Arti, fa il primo schizzo, nel 1867. - La prima versione dell'immagine che non lo ha soddisfatto. La prima opzione di immagine era un formato di tela verticale e l'artista ha deciso di scrivere una foto su tela orizzontale e seduta sulle pietre di un uomo più grande. Il formato orizzontale ha permesso di presentare il panorama del deserto roccioso infinito, secondo il quale c'è un uomo solitario nel suo silenzio e notte. Solo sotto la mattinata era stanco ed esausto sulla pietra, non ha ancora visto nulla davanti a lui. Le impronte di esperienze dolorose e profonde sono visibili sul suo stanco, una faccia flosa, la gravità dello spirito come se fossero sdraiarsi sulle spalle e si inchinò la testa.

La trama dei dipinti è associata a descritti nel Nuovo Testamento del post di quaranta giorni di Gesù Cristo nel deserto, dove si è ritirato dopo il suo battesimo, e con la tentazione di Cristo Devil, che è successo durante questo post. Secondo l'artista, voleva catturare la drammatica situazione delle scelte morali, inevitabili nella vita di ogni persona.

Nella foto raffigurata Cristo seduto su una pietra grigia situata sulla collina nello stesso deserto grigio roccioso. Kramskaya usa i colori freddi per ritrarre il mattino presto - Dawn è appena iniziato. La linea dell'orizzonte passa piuttosto bassa, dividendo la foto all'incirca a metà. In fondo c'è un freddo deserto roccioso, e nella parte superiore - il cielo predestrooso, il simbolo della luce, della speranza e della trasformazione futura. Di conseguenza, la figura di Cristo, vestita in Hiton rosso e il capo blu scuro domina il quadro della foto, ma si sofferma in armonia con il paesaggio duro circostante. In una cifra solitaria raffigurata tra pietre fredde, non solo pensosità dolorosa e affaticamento, ma anche "disponibilità a prendere il primo passo su un sentiero roccioso che porta al Calvario".

Mani di Cristo (pittura del frammento)

La moderazione nell'immagine dell'abbigliamento consente all'artista di dare il valore principale al viso e alle mani di Cristo, che creano persuasività psicologica e umanità dell'immagine. I pennelli a mano compressa fermamente compressi sono praticamente nel centro della tela. Insieme al volto di Cristo, sono un centro semantico ed emotivo della composizione, attirando l'attenzione dello spettatore. Mani accoppiate, situate a livello della linea dell'orizzonte, "in una tensione convulsive volitional, sembra essere cercata di legare, come una pietra del castello, il mondo intero è il cielo e la terra - insieme." Piedi biasidi di Cristo incuneti da lunghi camminare lungo pietre affilate. Ma nel frattempo, il volto di Cristo esprime l'incredibile potere della volontà.

Non c'è alcuna azione in questo lavoro, ma la vita dello Spirito è mostrata visibilmente mostrata. Cristo nella foto è più simile a una persona, con le sue sofferenze, dubbi che in Dio, t questo rende la sua immagine di un visualizzatore chiaro e vicino. Questa persona fa un passo importante nella vita, e il destino delle persone che credono in lui dipende dalla sua soluzione, vediamo l'onere di questa responsabilità sul volto dell'eroe.

Guardando questa immagine, ti rendi conto che la tentazione fa parte della vita di una persona. Spesso le persone stanno di fronte alla scelta: venire onestamente, giustamente o, al contrario, per fare qualcosa di illegale, riprovevole. Assolutamente tutti passano attraverso questo test. Questa immagine mi dice che non importa quanto fosse grande tentazione, è necessario trovare forza per combatterlo.

Oggi questa immagine si trova nella Galleria Tretyakov di Mosca.

Bibliografia:

1. (risorsa elettronica) Monumento ai lavoratori ferroviari in foglie. - Modalità di accesso: https: // yandex.ru / search /? Testo \u003d Monumento ai lavoratori ferroviari nelle foglie (data di gestione 23.11.2017)

2. (risorsa elettronica): Dikunov Ivan Pavlovich Scultore VRNSH.RU\u003e? Page_ID \u003d 1186 (data di gestione 23.11.2017)

3. La vita delle persone eccezionali. 70 artisti famosi. Destino e creatività. A. Ladvinskaya Donetsk - 2006. 448 pp.

4. 100 grandi dipinti. Mosca. Casa editrice "Veche" - 2003, 510 pp.

Allegato 1.

Analisi dell'opera d'arte con un supporto sull'algoritmo:

"Come posso analizzare le opere di pittura?".

creatività?

2. Appartenente al genere: storico, domestico, basso, ritratto,

paesaggio, natura morta, interno.

3. Attività fisse di creare un'immagine artistica: colore, disegno,

luce, texture, modo di lettere.

4. Il significato del nome. Caratteristiche della trama e della composizione.

5. appartenente all'era culturale e storica, stile o direzione artistica.

6. Quali sono le tue impressioni personali dei lavori di pittura?

Appendice 2.

1 Gruppo "Firebrush Romantics" (Guide) nella storia del romanticismo di pittura mondiale è stata un'era brillante brillante.

La parola "romanticismo" risale al latino romano -Rimsky, cioè che è nato sulla base della cultura romana o è strettamente collegata ad essa.

Il mondo dei sensi ed esperienze di una persona. Dipingere il romanticismo è stato inerente alla "sete di creare tutti i modi possibili". Pittura in acciaio: sapore saturo brillante, illuminazione a contrasto, maniere di emotività.

Qual è l'uomo di generazione romantico? Spesso diventa testimone di crudele spargimento di sangue e guerre, fatti tragici di intere nazioni. Rende le azioni eroiche in grado di ispirare gli altri. I romantici hanno attirato eventi storici in cui hanno disegnato i grafici per molte delle loro opere.

1. Un luminoso rappresentante della direzione del romanticismo nella pittura era l'artista spagnolo Francisco Goya (1746-1828). Possedeva tutti i generi della pittura. Aveva foto sui terreni religiosi, ritratti di tribunale.

A. Ha assistito alle guerre napoleoniche, devastante e rovinavano la Spagna. Nel 1808, in risposta alle repressioni più gravi dell'occupazione napoleonica a Madrid, scoppiata una popolare rivolta. In questi anni difficili, Francisco Goya era con il suo popolo. L'escrezione di pittura dei ribelli nella notte del 3 maggio 1808 ", scritta nel 1814 e ha sopportato il Museo di Madrid Prado era l'atto accusatorio dell'artista del male e della violenza. Ha chiaramente sentito la vera scala della tragedia popolare.

L'immagine cattura l'inizio della liberazione del wrestling degli spagnoli con invasori francesi, vale a dire la scena della sparatoria dei ribelli spagnoli con le truppe francesi che occupano. I ribelli spagnoli e i soldati francesi sono raffigurati da Goya come due gruppi opposti di gruppi: alcuni artigiani di Madrid disarmati e soldati soldati con pistole alzate. Le persone e le posture degli spagnoli sono registrate da Goya piuttosto chiaramente (patriottismo, coraggio, rabbia, impavidità, ecc.) Mentre i soldati francesi sono scritti fluentemente e, come lo era, si fondono in una massa senza volto.

B. "Ritratto della famiglia reale Carlos VI"

Da sinistra a destra: Don Carlos Senior, futuro re della Spagna Ferdinand VII, sorella Carlos IV Maria Josef Carmela, donna sconosciuta, Maria Isabella, cena Carlos IV Queen Maria-Louise Parm, Francisco de Paula de Bourbon, King Carlos IV, suo fratello Antonio Pascal, Joikin Cartrol (è visibile solo una parte della testa), Louis I con sua moglie Maria Louise, nelle mani del loro figlio - Karl II, il futuro del Duca Parm. Sullo sfondo, Goya si ritraeva. Magia, vernici scintillanti non sono in grado di nascondere i personaggi del podio della chiama, della stupidità, della podio morale e mentale.

2. Un profondo interesse nel mondo interiore dell'uomo ha mostrato anche un contemporaneo del grande spagnolo - Theodore Zheriko. Per la creatività, Zheriko è caratterizzato da dramma limite, passioni incandescente, contrasto di colore. Servizio nei musketeers reali, Zhero scrisse prevalentemente scene di battaglia, ma dopo aver viaggiato in Italia nel 1817-19. Ha eseguito una grande e complessa immagine "la zattera" meduse ""

(Situato nel Louvre, a Parigi). La novità della trama, la profonda composizione del dramma e la verità vitale di queste opere magistralmente scritte non sono state valutate immediatamente sulla dignità, ma presto ha ricevuto riconoscimento e ha portato l'artista alla fama di un innovatore talentuoso e audace.

Doveva godere la gloria, doveva essere goduto di: difficilmente il tempo di tornare a Parigi dall'Inghilterra, dove il soggetto principale della sua occupazione era lo studio dei cavalli, è andato alla tomba come risultato di un incidente - Gocce da un cavallo .

La trama dell'immagine si basa sul vero incidente, che è accaduto il 2 luglio 1816 al largo della costa del Senegal. Quindi, gli argomenti in 40 Lei della costa africana hanno subito un relitto di fregata "medusa". 140 passeggeri e membri del team hanno cercato di fuggire, atterrare sulla zattera. Solo 15 di loro erano vivi e il dodicesimo giorno delle guardie sono stati scelti da Brig "Argus". I dettagli dei sopravvissuti hanno scioccato l'opinione pubblica moderna e il relitto si è trasformato in uno scandalo nel governo francese a causa dell'incompetenza del capitano della nave e dell'insufficienza dei tentativi di salvare le vittime.

Oltre al Plem Plem of Medusa Plok ", il Louvre è sette dipinti di battaglia e sei disegni di questo artista. I suoi dipinti sono pieni di confusione, ansia.

3. In modo simile con Theodore, Zhero ha scritto ed Eugene Delacroix (1798-1863).

A. Per lui, l'attenzione era caratterizzata dalle trame orientali. Una delle sue creazioni più sorprendenti è il dipinto "Massacre in Chios", mostrando gli episodi della guerra greca - turca. Quindi gli storici hanno chiamato le brutali violenze l'11 aprile 1822. Turchi sopra gli abitanti dell'isola di Chios per il fatto che gli isolani sostenevano lottatori per l'indipendenza della Grecia. Da 155.000 abitanti dell'isola dopo la macellazione sopravvissuti solo

2000. Fino a 25.000 sono stati tagliati, il resto in schiavitù era in esilio.

La grande rivoluzione francese e i viaggi predittivi per naoleo, crudele repressione politica ed esecuzioni, l'infinito cambiamento dei governi dei governi del 1830 con particolare nitidezza ha sollevato la questione del ruolo della gente e della personalità della storia.

B. Delacroix è stato caratterizzato da un pathos politico. Nel 1830, l'artista si è laureato alla tela "Libertà, Leading People". Delacroix ha creato un'immagine basata sulla rivoluzione del luglio 19930, che ha messo la fine del regime di restauro della monarchia Bourbon. Dopo numerosi schizzi preparatori, aveva bisogno di soli tre mesi per scrivere una foto. In una lettera al fratello il 12 ottobre 1830, Delacroix scrive: "Se non avessi combattuto per la mia patria, scriverò almeno per questo". Per la prima volta, "La libertà, la principale" è stata esposta nel salone di Parigi nel maggio del 1831, dove l'immagine era entusiasta accettata e immediatamente acquistata dallo stato. A causa della trama rivoluzionaria, il web per circa 25 anni non è stato esposto in pubblico. Attraverso il sangue, la sofferenza e la morte. Una bella donna con un bandiera tricolore in mano porta persone alla vittoria. Il petto nudo simboleggia la dedizione del francese di quel tempo, che con "seni nudi" è andato al nemico. Tra la folla puoi vedere i poveri armati, gli abitanti della baraccopoli, dello studente e dei piccoli gavros con le pistole. L'artista si raffigurava sotto forma di un uomo nel cilindro a sinistra dell'eroina principale. A volte l'immagine è erroneamente associata agli eventi della grande rivoluzione francese.

"La pittura francese di Marsellese" ha definito l'immagine dei contemporanei, e le autorità hanno dichiarato un artista pericoloso.

Appendice 3.

2 Gruppo "È necessario modificare l'arte" (esperti - dirigenti) direzione realismo nell'arte della direzione della seconda metà del XIX secolo. Il concetto di realismo è latino realis - denota un profondo riflesso della realtà. Nel mezzo del XIXVEK, il realismo diventa la direzione di arte principale e più influente.

Quali nuovi compiti ora hanno arte?

1. Una straordinaria litografia master (un tipo di grafica di stampa per cui è la superficie della pietra) Artista francese Onor Houses, essendo un uomo che odiava qualsiasi oppressione e violenza ha sempre risposto alle domande topiche del suo tempo, dando loro la propria valutazione. Ha iniziato la sua creatività come un fumettista, ho fatto disegni satirici per la rivista. Le sue litografie erano immediatamente acquistate, erano conosciute da tutti.

La famosa Litografia "Street Transnonen" è stata percepita dai contemporanei come protesta contro il terrore e spargimento di sangue, che si è verificato dopo la rivoluzione di luglio (1834). La base storica di questo lavoro è stata gli eventi dell'aprile del 1834, la dimostrazione politica delle truppe governative associate all'overclocking. Dalla casa numero 12 lungo la via Transnonen da qualche finestra, ciechi coperti sparati ai soldati che disperdono la dimostrazione. In risposta, i soldati hanno rotto in casa e uccisero tutti gli inquilini. Domier voleva la litografia non un peccato, ma rabbia. È così che è stato percepito dai contemporanei: "Questo non è un cartone animato, non un cartone animato, questa è una sanguinosa pagina della storia moderna, una pagina creata da una mano vivace e dettata da nobili indignazioni".

Domier - il fumettista era ben noto al pubblico, ma sul fatto che era impegnato nella pittura, non molti lo sapevano. Tela copiata in un piccolo opaco dell'artista. Un posto speciale appartiene ai dipinti del Don Chisciotte. Cavaliere senza paura e rimprovero, vagabondo in cerca di bene e giustizia, ha attirato la casa del potere dello Spirito. Per l'aspetto divertente e le azioni ridicole, le nobili, la grandezza e la compassione per le persone differiscono.

2. Gustave Kourba Pittore francese, giocatore del paesaggio, Genver e Portraight. È considerato uno dei completi del romanticismo e dei fondatori del realismo nella pittura. Uno dei più grandi artisti della Francia in tutto il XIX secolo, la figura chiave del realismo francese.

Nato in Francia, il suo ingresso in pittura francese era scandaloso. Alcuni rimproverano violentemente il suo lavoro, chiamandoli brutti, altri di fronte - un grande futuro lo ha puntato. A Parigi, il 1855 ha aperto la mostra "Padiglione del realismo". Il signor Kourbe ha cercato di ritrarre le persone come sono, come brutte e scortese, cosa li vede. Chiudere l'attenzione sull'ambiente, la natura, le relazioni sociali e le caratteristiche individuali di una persona ha determinato l'essenza della direzione realistica dell'art.

Nella sua immagine dei "frantoi di pietra", un vecchio lavoratore in abbigliamento a pagamento grossolano e scarpe di legno incrinata, cadendo nel suo ginocchio, distrugge le pietre cotte del martello per la costruzione. Il giovane in stracci con difficoltà tiene nelle sue mani un cestino pesante. I giornali dell'artista hanno accusato di glorifica il brutto, ma è sufficiente guardare l'immagine del "Armormen", per capire quale aspetto Kurba ha scritto persone di lavoro.

3. "Il pittore contadino" - il cosiddetto artista di Jean Mille-Francese. Il mondo del villaggio francese è diventato una fonte inesauribile del suo lavoro. Già un artista famoso, ha continuato a impegnarsi nel manodopera contadina, dando a dipingere il suo tempo libero.

Nel 1857, i suoi canvas "collezionisti di Kohlis" sono rappresentati. I collezionisti sono stati autorizzati a passare attraverso i campi all'alba e raccogliere gli spikelet mancati da Kost. Su questo web, l'artista ha raffigurato tre di loro che si chinano sul terreno in un fiocco basso - solo così riescono a raccogliere la sinistra dopo il raccolto ... il mulino ha mostrato tre fasi di duro movimento, che le donne dovevano essere indifferenti Ripetendo una volta - piega, spighette selezionate con grano e raddrizza di nuovo. Piccoli pacchi nelle loro mani Contrasto con un ricco raccolto, che è visibile sullo sfondo. Ci sono pile, shear, carro e occupati dal lavoro della folla di mietitori.

L'artista riuscì a trasmettere molto accuratamente la gravità del lavoro dei contadini, la loro povertà e umiltà. Tuttavia, il lavoro ha suscitato varie valutazioni del pubblico e dei critici, che rendono il mulino ricorso temporaneamente a parti più poetiche alla vita contadina.

Appendice 4.

3 Gruppo "Componenti del salone" (artisti impressionisti) Parigi, 1863, Palazzo Industria: La giuria della famosa esibizione del salone, che si svolge ogni anno, respinge circa il settanta percento del lavoro inviato ... nello scandalo, l'imperatore La stessa Napoleone III ha dovuto intervenire nello scandalo. Avendo familiarizzato con la tela respinta, ha gentilmente permesso loro di presentarli in un'altra parte del palazzo dell'industria. Per questo 15 maggio 1863, la mostra è stata aperta immediatamente chiamata "Salone di landscreen".

Fine dell'inizio XIX del XX secolo - tempo di cambiamento. Il progresso scientifico e tecnico e i cataclismi politici hanno causato importanti cambiamenti nell'arte, identificati percorsi di sviluppo nuovi e originali. L'arte del XIX secolo è percepita come un rifiuto di vecchie tradizioni artistiche, un tentativo di ripensare in modo creativo il classico patrimonio del passato. Appaiono innovazioni audaci, esperimenti, illimitati da qualsiasi tipo di quadro e convenzioni. L'artista è diventato liberato e libero nel suo lavoro. Si è concentrato sul proprio gusto e della sua dipendenza.

L'impressionismo è l'impressione della parola francese traduce come impressione.

A differenza dei romantici e dei realisti, gli impressionisti non hanno cercato di rappresentare il passato storico, la sfera dei loro interessi era moderna.

Dopo aver presentato i propri principi della percezione e mostrando il mondo circostante, hanno creato una nuova lingua pittoresca. Non erano importanti per la trama stesso, ma la sua percezione sensuale, l'impressione che poteva produrre sullo spettatore. Gli impressionisti hanno cercato di trasmettere l'immagine "istantanea" nell'immagine, sensazione momentanea. Queste sensazioni hanno distrutto forme familiari e disegni standard. La loro vista era puramente individuale.

1. Il rappresentante più sorprendente dell'impressionismo e uno dei suoi hedlemen è - Eduard Mana imponente la sua tela "Ritratto di Emil Zol".

Luce solare luminosa, artista espressivo dell'uomo felice dell'uomo. Nel centro dell'attenzione generale è stata l'immagine di Edward Mana "colazione sull'erba".

Usando e ripensando le trame e i motivi di pittura antichi maestri, Mana ha cercato di riempirli con un suono moderno tagliente, introdotto in modo politicamente in famosa immagine di composizioni classiche di una persona moderna. La strada di Mane per fama si è rivelata a lungo e difficile, la giuria del salone ha respinto invariabilmente i suoi dipinti, e solo molti non molti hanno osato difendere la difesa dell'artista. Tra questi c'era Emil Zola, che ha scritto nel giornale: "Posto Mr. Mana nel Louvre era già stato fornito"

"Ritratto di Emil Zol" - L'artista raffigura il suo amico nell'ufficio di lavoro in un tavolo scritto, disseminato di documenti e libri. L'interno testimonia i gusti del proprietario: Shima giapponese con un fantastico paesaggio, riproduzione del mana di pittura. Nell'aspetto dello scrittore, una forte personalità è indovinata, personalità luminosa.

"La colazione sull'erba", che ha causato una tempesta di emozioni, le critiche più gravi e la frase unanime che questa "colazione" è assolutamente "immangiabile". Particolarmente indignato il pubblico che nella foresta poliana è stato riunito decentemente vestito, scarpe, con legami e con cani da uomo, accanto ai corpi femminili nudi. Il nome dell'immagine acquisisce un significato piccante, specialmente dal momento che nulla è veramente mostrato. L'angolo sinistro del primo piano contiene un debole tocco di cibo, ma chiaramente mostra che sul lembo del tessuto, forse il vestito di qualcuno, il cestino semi-vuoto con diversi funghi è sdraiato, e diverse bacche sono visibili su foglie verdi. Questa è l'intera colazione. Due giovani uomini abbastanza che si diffondono liberamente sull'erba, parlando di qualcosa di vivace. Quello che giusto, gesticolato, dice qualcosa di interessante, divertente, perché l'interlocutore è un buon sorriso. Un sorriso imbarazzato brilla e una donna seduta accanto a lui. Sotto di esso, tessuto azzurro accartocciato, la donna stessa in una posa leggera libera si siede, assolutamente nuda, non troppo giovane, leggermente completa. Una coppia seduta nelle vicinanze, un colore di colore, sono coetanei, possibilmente coniugi. La seconda donna in camicia leggera, libera e bianca può essere vista un po 'ulteriormente, ma una conversazione la sale, si può vedere che ascolta e sorride anche lui. L'immagine è piena di pace leggera, calda calda.

Zola ha chiamato la polpa forte della tela, flux di luce simulata semplicemente, sinceramente e girando.

2. Tuttavia, i veramente impressionisti si sono dichiarati nel 1874 da una mostra congiunta. L'intera direzione ha ricevuto sul titolo nell'immagine di Claude Monet "Impression. Sunrise "(dopotutto," impressione "francese -" impronta ".).

Il termine "impressionismo" è sorto con la mano leggera del critico della rivista "Le Charivari" Louis Lurua, che ha intitolato il suo Feuilleton sul salone della "mostra di impressionisti" del / emesso, prendendo come base il nome di questa immagine Claude Monet .

Un raffinato ufficiale del paesaggio, innamorato della periferia di Parigi, Monet era appassionatamente appassionato degli elementi dell'acqua.

Claude Monet ha introdotto in pratica la creazione di una serie di immagini con un'illuminazione diversa, ad esempio, la cattedrale di Rueny. Due anni è andato a Rouen, guardò il gioco della luce. Monet ha scritto più di 20 tipi di cattedrale in diversi momenti del giorno: nei raggi del sole del mattino, in un mezzogiorno abbagliante, davanti al crepuscolo. Il pubblico ha parlato dei monotold dei suoi dipinti.

3. Camille Pissarro Qualcuno dei suoi dipinti cominciò a scrivere dal cielo, credendo che il cielo dà la sua profondità e dice al movimento. Questo è ciò che Pissarro ha parlato di creare i suoi dipinti. "Vedo solo punti. Quando inizio la foto, la prima cosa che faccio ... Stabilisco il rapporto. Tra questo cielo, terra e acqua, indubbiamente ci sono relazioni ben note, e queste relazioni non possono essere altre come armoniose. Questa è la principale difficoltà di dipingere. Sono sempre meno interessato al lato materiale della pittura (cioè linee). La cosa più importante è ridurre tutti i dettagli più piccoli per l'armonia del tutto, cioè da coerenza ". Le acque di Montmartre Boulevard a Parigi ci trasferiscono in un'autostrada vivace. Molti equipaggi si muovono in direzioni diverse, un passante affrettabile. Tutto è avvolto in una foschia trasparente - lilla. L'artista scrive una rapida striscio, toccando a malapena il pennello in tela.

Ma da questi punti e tratti c'è una foto di una giornata di primavera soleggiata, un vivace e bollente.

4. Il mago della luce si chiama Auguste Renoara. L'abbagliamento leggero rallegra l'immagine, conduce in movimento. I lavori presentano una vivace composizione mobile. Renoir ha scritto: "Amo i dipinti che eccitano in me il desiderio di camminare nelle profondità di loro se è un paesaggio, o tocca la mano, se questa è una foto di una donna ...". Molto spesso, Renoir scrive donne e bambini, considerandoli le creature più migliorate della natura. È attratto da non alle bellezze secolari fredde, ma allegre e viventi "reali" francesi. Ma un'immagine completamente diversa è stata creata sulla "ragazza con un ventilatore". Giovane ragazza divertente. Teneri Tones Volto scritto, capelli neri spessi sono cast lilla e lilla. Su una tela bianca, c'è un abbagliamento rossastro della sedia.

5. Enormi opportunità nell'uso della tecnologia pastello aperta a colori (fr.

pastello) - Pittura con matite colorate e polvere colorata. Edgar Degoras ha particolarmente amato lavorare in esso. La trama dei pastelli di un velluto, è in grado di trasmettere la vibrazione del colore, che sembra luminosa dall'interno. Nella pittura "Blue Dancers"

la tecnica pastello viene utilizzata per migliorare la decoratività e il suono della luce della composizione. Lo snob di una luce intensa, versando un'immagine, aiuta a creare una speciale atmosfera festiva di balletto, sembra che la luce qui sia interamente sostituita dal disegno, organizza, porta a un singolo valore della complessa sinfonia delle vernici. Nei pacchetti blu brillanti, con fiori tra i capelli, i ballerini sembrano essere bei favolosi favolosi coinvolti nella stravagania magica.

Il dipinto è immagazzinato nel Museo di Stato di Belle Arti che prende il nome A. S. Pushkin a Mosca, ricevuta nel 1948 dal Museo Stato della New Western Art; Fino al 1918 era nell'incontro di Sergey Ivanovich Schukin a Mosca, dopo aver scritto la foto è stata tenuta nell'incontro di Durane - Ruel a Parigi.

Appendice 5.

Il 4 ° Gruppo "Alla ricerca della propria strada" (visitatori della mostra) sull'esito del XIX secolo, gli artisti Paul Cesanne e Vincent van Gogh disse ad alta voce. Si sono uniti in un gruppo, che ha dato il nome alla nuova direzione artistica del postmentalismo. Postimpressionismo (fr. Postimpressionisme) - Direzione in Arte visiva. Ha avuto origine negli anni '80 del XIX secolo. Artisti di questa direzione non aderiscono solo alle impressioni visive, ma cercarono liberamente e generalmente trasmettono la materialità del mondo, ricorso alla stilizzazione decorativa. L'inizio della posturbatezza è alla crisi dell'impressionismo alla fine del XIX secolo.

1. L'implacabile ricerca di una nuova soluzione composita di dipinti, i metodi di trasmissione di colore e luce sono caratteristici della creatività del campo Cezanne.

Scrisse ancora la vita con frutta, il suo meno catturato la loro somiglianza con l'originale. Era inusuale nel lavoro di Cezanna era l'uso del colore, l'artista credeva che i colori freddi (blu e verde) abbiano una proprietà di rimozione nella profondità dell'immagine, quindi l'immagine è diventata volumetrica.

2. Vincent van Gogh è l'artistosimonista dei Paesi Bassi in tutto il mondo. Dopo la prima mostra di dipinti alla fine del 1880, la fama di Van Gogh è cresciuta costantemente tra colleghi, storici artistici, rivenditori e collezionisti. Dopo la sua morte, le mostre commemorative sono state organizzate a Bruxelles, a Parigi, Aia e Antwerp.

"Sunflowers" - il nome dei due cicli dei dipinti dell'artista olandese Vincent van Gogh. La prima serie è eseguita a Parigi nel 1887. È dedicato ai colori sdraiati. La seconda serie è stata completata in un anno, ad Arle. Raffigura un bouquet di girasoli in un vaso. Due dipinti di Parigi hanno acquisito un amico van Gogh Paul Gajn.

"Iris" - sono stati scritti dall'artista in un momento in cui viveva nell'ospedale di San Paolo Mausoliansky vicino a Saint-Remy de Provence, un anno prima della sua morte nel 1890. Non c'è alta tensione nella foto, che si manifesta nel suo lavoro successivo. Chiamò il dipinto "Gromber per la mia malattia", perché sentiva che poteva trattenere i suoi disturbi, continuando a scrivere.

Durante gli ultimi due mesi di vita - da maggio a luglio 1890 viveva in Over-sur-Uz sotto Parigi, dove lui, tra le altre cose, ha scritto diversi dipinti con i fiori. "Rose Rose" è una delle migliori foto di questa serie. È caratteristico del tardo artista. A differenza delle tonalità arancioni e gialle brillanti, che ha usato ad Arles (per esempio, nel ciclo "girasole"), qui van Gogh applica una combinazione più morbida e malinconica di colori, parlando più fertili e umidi. Questa immagine è tipica per l'ultimo periodo della creatività di Vincent Vin Gogh anche dal fatto che praticamente assente in esso (a prima vista sembra che l'immagine possa essere consegnata, e l'effetto di questo non cambierà) e spazialità (fiori Come è stato fatto dal piano del dipinto nello spazio in cui si trova lo spettatore). Van Gogh è riuscito a trasmettere la sensazione delle immediate vicinanze delle rose all'osservatore. Su dove l'immagine sul fondo, la ciotola quasi invisibile è indicata sotto i fiori, e solo una forma leggermente cambiante di macchie e un leggero cambiamento nelle sfumature di erbbi verdi fino a profondità. I taglienti contorni blu scuro delle foglie e dei gambi delle rose, oltre a linee vibranti e strappate, sono un esempio di influenza sull'artista del filo di legno giapponese. Queste tecniche sebbene assomigliano allo stile del campo Gajic ed Emil Bernard, ma Van Gogh li usa nel suo modo indescrivibile.

Il dipinto "Vigneti rossi in Arle" è stato scritto da Van Gogh nel 1888.

Vivere nel sud della Francia, l'artista grida infinita ispirazione in tipi urbani e rurali, colori vivaci della natura, luce del sole. Questo periodo è il più produttivo nel lavoro di Van Gogh.

A Arles, Hogen lo ha visitato, e una volta, tornando a casa dal quartiere della città, gli artisti hanno assistito a un'immagine insolita:

il sole al tramonto illuminava il vigneto con i suoi raggi, dipingendo le foglie nel colore del filo, e il popolo e la terra - nelle sfumature di una cenere da sole. Poco dopo, Van Gogh ha iniziato a lavorare su un'immagine raffigurante vintage nelle vicinanze di Montmazhur. L'artista ritraeva non solo un paesaggio, ma una specie di parabola, dove tutto è simbolico. Un sole enorme cresciuto sul cielo giallo getta il bagliore verde e arancione. Tutto è sulla Terra, come se fosse falciato sotto di esso.

Le foglie delle uve si trasformano in un bagliore rosso, e la terra sotto di loro acquisisce una tonalità viola. Il lato destro del dipinto è assegnato all'acqua che riflette il cielo giallo.

Le persone che raccoglievano uve sono un simbolo della vita. Il loro lavoro quotidiano van Gogh compreso come qualcosa che consente a una persona di diventare parte integrante dell'universo.

L'immagine è diventata una delle poche opere vendute durante la vita di Van Gogh. Ora si trova nel Museo del Pushkin di Mosca.

Appendice 6.

Musica nel XIX secolo.

I compositori della prima metà del 19 ° secolo erano F. Elenco, F.Shopen, F. Shubert, R. Shuman. Per i compositori di questa scuola, una piccola forma era caratteristica. La loro musica è lirica e melodica ed era prevalentemente la camera.

Allo stesso tempo, l'opera italiana sta vivendo il suo fiorente. I suoi più luminosi rappresentanti -jr.sini, a Bellini, J. Donizetti, J. Verdie. Nell'opera italiana, sono state configurate due direzioni: una molto per il tradizionale buff opera (cioè

commedia), un altro ha designato una tendenza verso la formazione dell'opera nazionale.

Il rappresentante di quest'ultimo era J. Verdie (1813-1901). Era autore di Opera Reoletio, "Traviata", "Otello", "Macbeth", "Aida", "Falstaf", "Trubadur" e altri. Aria dal suo Opera divenne canzoni folk e inno nazionale che chiamano gli italiani alla lotta per l'indipendenza.

La riforma seria dell'opera è stata presa da Z. Bise e R. Vagner. Bizeta, l'autore di una delle opere più popolari - "Carmen", era un sostenitore di un terreno estremamente realistico e un senso francamente esprimendo di una melodia dell'uomo. R. Vagner ha distrutto la solita struttura dell'opera, introducendo elementi di prestazioni drammatiche e un concerto sinfonico in esso. C'era un sacco di concerto sinfonico nelle sue operazioni. C'erano molti inserti e recitati sinfonici nelle sue operazioni.

"La riforma della musica sinfonica è stata eseguita dal compositore francese K. Trybissi. Debussy ha realmente rifiutato di melodie familiari alla musica sinfonica. Cercò di mostrare sentimenti, distruggendo le forme musicali ben consolidate.

Franz Schubert - Compositore austriaco, uno dei fondatori del romanticismo nella musica, autore circa 600 canzoni, nove sinfonie, nonché un gran numero di musica da camera e musica da solista. (Ascoltando il frammento di registrazione della foresta TSAR) Frederick Chopin è l'autore di numerose opere per pianoforte.

Il più grande rappresentante dell'arte musicale polacca. Molti generi interpretati in un nuovo modo: ha rianimato il preludio in base a una base romantica, ha creato una ballata di pianoforte, danza opaciata e drammatizzata - Mazurka, Polonaise, Waltz; Ho girato lo Scherzo in un lavoro indipendente.

Giuseppe Verdi è il grande compositore italiano, il cui lavoro è uno dei più grandi successi dell'opera mondiale dell'opera e del culmine dello sviluppo dell'opera italiana del XIX secolo. Composer ha creato più di 26 opere e un requiem. Il miglior compositore Opera: "Masquerade Ball", "Rigoletto", "Troubadur", "Traviata". La cima della creatività è l'ultima opera: "Aida", "Othello".

Georges Bizeta è un compositore francese di un periodo di romanticismo, l'autore di opere orchestrali, romanzi, interpretare il pianoforte, così come l'opera, il più famoso dei quali è diventato Carmen.

Claude Debussy - non era solo uno dei più significativi compositori francesi, ma anche una delle figure più significative della musica a turno dei secoli XIX e XX; La sua musica è una forma di transizione dalla musica tarda romantica al modernismo nella musica del XX secolo.

Analisi del lavoro pittorico nelle lezioni di classe. Dall'esperienza lavorativa

Gaponenko Natalia Vladimirovna, capo degli insegnanti PMM da e MHC Novoylinsky District, Belle Art Teacher Mbnu "Gymnasum No. 59", G. Novokuznetsk.

"Le coperture d'arte e allo stesso tempo consacrano la vita umana. Ma per capire le opere d'arte è tutt'altro che facile. È necessario imparare questo - impara a lungo, tutta la mia vita ... sempre, per capire le opere d'arte, devi conoscere le condizioni di creatività, gli obiettivi della creatività, la personalità dell'artista e dell'era. Spettatore, listener, lettore deve essere armato di conoscenza, informazioni ... e soprattutto voler sottolineare il significato dei dettagli. A volte un po 'ci permette di penetrare nella cosa principale. Quanto è importante sapere cosa è stata scritta una o un'altra cosa per o dipinta! "

D.S. Likhachev.

L'arte è uno dei fattori importanti per la formazione della personalità di una persona, la base per la formazione dell'atteggiamento di una persona nei fenomeni del mondo circostante, quindi lo sviluppo delle capacità di percezione dell'arte diventa uno dei compiti essenziali dell'istruzione artistica.

Uno degli obiettivi di studiare il soggetto "Fine Art" è lo sviluppo di un'immagine artistica, cioè la capacità di comprendere la cosa principale nell'opera d'arte, distinguere i mezzi di espressività che l'artista utilizza per caratterizzare questa immagine. C'è un compito importante dello sviluppo delle qualità morali ed estetiche della persona attraverso la percezione delle opere di arte visiva.
Proviamo a considerare la metodologia per l'apprendimento della percezione e l'analisi dei dipinti

Metodi di apprendimento Percezione e analisi dei dipinti

I metodi utilizzati negli scolari familiarizzanti con la pittura sono suddivisi in verbale, visivo e pratico.

Metodi verbali

1. Domande:

a) per capire il contenuto dell'immagine;

b) identificare l'umore;

c) Identificare mezzi espressivi.

In generale, le domande incoraggiano il bambino a scrutare nella foto, vedere i suoi dettagli, ma non perdere la sensazione olistica del lavoro artistico.

2. Conversazione:

a) come entrata nella lezione;

b) conversazione nell'immagine;

c) Conversazione finale.

In generale, il metodo di conversazione è finalizzato a sviluppare l'abilità degli studenti per esprimere il loro pensiero, per garantire che il bambino possa ottenere campioni di discorso per questo in una conversazione.

3. Storia dell'insegnante.

Visivo:

Escursioni (escursione virtuale);

Visualizzazione delle riproduzioni, album con immagini di artisti famosi;

Confronto (immagine dell'umore, mezzi espressivi).

Pratico:

Esecuzione di opere scritte nella foto;

Preparazione di rapporti, abstract;

Nelle lezioni dell'arte visiva, è consigliabile combinare diversi metodi di lavoro con opere d'arte, fare enfasi su questo o quel metodo considerando la preparazione degli studenti

Lavorare con l'immagine

A. A. Lublinskaya ritiene che la percezione dell'immagine del bambino dovrebbe essere insegnata, conducendo gradualmente per capire cosa è raffigurato su di esso. Ciò richiede il riconoscimento di singoli oggetti (persone, animali); Evidenziando le posizioni e le posizioni della posizione di ciascuna figura nel piano generale dell'immagine; stabilire collegamenti tra i personaggi principali; Selezione dei dettagli: illuminazione, sfondo, espressioni di persone.

S. L. Rubinstein, T. Ovsepyan, che ha studiato la percezione dell'immagine, credo che la natura delle risposte dei bambini nel suo contenuto dipenda da una serie di fattori. Prima di tutto, dal contenuto del dipinto, della prossimità e della disponibilità della sua trama, dall'esperienza dei bambini, dalla loro capacità di considerare il disegno.

Lavorare con l'immagine coinvolge diverse direzioni:

1) Esplorando le fondamenta della lettera visiva.

Nelle lezioni, gli studenti hanno familiarità con la specie di belle arti, generi, con mezzi di espressività dell'art. Gli studenti ricevono competenze per utilizzare la terminologia dell'arte: ombra, metà, contrasto, riflesso, ecc. Attraverso il vocabolario, vengono introdotti i termini degli studi storici dell'arte, vengono studiate le leggi della composizione.

2) Riconoscimento sulla vita, il lavoro dell'artista.

La preparazione degli studenti per percepire attivamente l'immagine è più spesso eseguita nel processo di conversazione. Il contenuto di conversazione è solitamente informazioni sull'artista, la storia del dipinto. Tracciando la vita dell'artista, è consigliabile soffermarsi su tali episodi che hanno influenzato la formazione delle sue convinzioni, ha dato la direzione al suo lavoro.

Forme di informazioni sulla vita e il lavoro dell'artista diversificato : La storia dell'insegnante, il film scientifico, a volte le esibizioni con i rapporti sono affidati agli studenti.

3) utilizzando ulteriori informazioni.

La percezione dell'immagine contribuisce all'appello a lavori letterari, il cui oggetto è vicino al contenuto dell'immagine. L'uso di opere letterarie prepara il terreno per una percezione più profonda e comprensione da parte dei bambini della tela pittorica della conoscenza con la trama del mito.

Grande importanza per la comprensione dei giochi di pittura della trama situazione storica Nel paese studiato, in una specifica sezione temporale, caratteristiche stilistiche dell'art.

4) Visualizzazione dell'immagine.

La capacità di considerare l'immagine è una delle condizioni necessarie per lo sviluppo della percezione, l'osservazione. Nel processo di visualizzazione dell'immagine, una persona vede prima di tutto questo consonant con lui, i suoi pensieri e sentimenti. Lo studente che considera l'immagine, attira l'attenzione su ciò che le preoccupa, occupa quello è per lui nuovo, inaspettato. A questo punto è determinato l'atteggiamento degli studenti all'immagine, è formata la sua comprensione individuale dell'immagine artistica.

5) Analisi della pittoresca tela.

Lo scopo dell'analisi dell'immagine è quello di approfondire la percezione originale, aiutare gli studenti a comprendere il linguaggio dell'arte figurativa.

Nelle prime fasi, l'analisi del lavoro viene effettuata nel corso della conversazione o nella storia dell'insegnante, gradualmente gli studenti conducono un'analisi in modo indipendente. La conversazione aiuta i bambini più sottili, più profondi da vedere, sentire e comprendere l'opera d'arte.

Metodi di analisi del lavoro pittorico

Metodi A. Melik-Pashayeva. (Fonte: Journal "Art at School" No. 6 1993 G.A. Melik-Perezaev "Festive Day" o "vacanza terribile" (per il problema della comprensione del piano dell'autore)

Domande per l'immagine:

1. Come chiameresti questa immagine?

2. Ti piace una foto o no?

3. Parlami di questa immagine in modo che la persona che non la sa che lei potesse farne un'idea.

4. Quali sentimenti, umore ti fa questa foto?

7. Vuoi aggiungere o modificare qualcosa nella tua risposta alla prima domanda?

8. Passa alla risposta alla seconda domanda. La tua stima è rimasta per il precedente o modificato? Perché stai valutando la foto?

2 . Esempi di domande per l'analisi di opere d'arte

Livello emotivo:

Quale impressione fa un lavoro?

Quale stato d'animo sta cercando di trasmettere l'autore?

Quali sensazioni possono lo spettatore?

Qual è il carattere del lavoro?

Come aiutare un'impressione emotiva del lavoro della sua scala, formato, posizione orizzontale, verticale o diagonale delle parti, l'uso di determinati colori nella foto?

Soggetto:

Cosa (o chi) è rappresentato nella foto?

Evidenzia la cosa principale da quello che hai visto.

Cerca di spiegare perché ti sembra la cosa principale?

Cosa significa che l'artista evidenzia la cosa principale?

In che modo gli articoli (composizione del soggetto) sono contemplati nel lavoro?

Come sono state eseguite le linee principali (composizione lineare)?

Livello della scena:

Prova a raccogliere la trama dei dipinti ..

Cosa può fare (o dire) l'eroe, l'eroina del lavoro pittorico, se verrà a sapere?

Livello simbolico:

C'è qualche oggetto nel lavoro che qualcosa simboleggia?

Se il carattere simbolico è la composizione del lavoro e dei suoi elementi principali: orizzontale, verticale, diagonale, cerchio, ovale, colore, cubo, cupola, arco, arco, muro, torre, guglia, gesto, posa, vestiti, ritmo, timbro , ecc.?

Qual è il nome del lavoro? Come si riferisce alla sua trama e simbolismo?

Cosa pensi che volesse dare alla gente l'autore del lavoro?

Piano per l'analisi del lavoro pittorico. Saggio - sentimento.

1.vutore, immagine del titolo
2. Stile / direzione artistico (realismo, impressionismo, ecc.)
3. Pittura Stankovaya (pittura) o monumentale (affresco, mosaico), materiale (per la pittura a macchina): vernici ad olio, gouache, ecc.
4. Genere d'arte (ritratto, natura morta, storico, famiglia, marina, mitologico, paesaggio, ecc.)
5. Trama della libreria (che è raffigurata). Storia.
6. Misure espressive (colore, contrasto, composizione, centro visivo)

7. L'impressione (sentimenti, emozioni) - la reception del "tuffo" nella trama dei dipinti.

8. L'idea principale della trama dell'immagine. Che l'autore "voleva dire", perché ha scritto una foto.
9. Il nome dell'immagine.

Esempi di lavori per bambini sulla percezione e analisi delle opere pittoresche.

La scrittura è la sensazione del dipinto I. E. Repin "alla madrepatria. L'eroe della guerra del passato "

I. E. Repin ha scritto un'immagine "nella sua patria. L'eroe della guerra del passato "Molto probabilmente nel tempo di dopoguerra, più precisamente dopo la prima guerra mondiale.
La direzione artistica in cui è scritta l'immagine, realismo. Pietra pittura, per il lavoro L'artista ha usato vernici ad olio. Genere-ritratto.
Il film di Repin mostra un giovane che aveva molto. Ritorna a casa dei suoi cari e dei suoi parenti, sul viso si può vedere un'espressione seria, leggermente triste. Gli occhi sono pieni di triste tristezza. Viaggia intorno al campo, che sembra infinito, che ricorda i colpi delle armi e tutti quelli che cadde su di lui. Va insapevolezza che molti dei quali amato, non di più. E solo corvi, come i fantasmi, ti ricordano gli amici morti.

Ripensa come il mezzo di espressivo ha scelto i colori freddi dei toni attenuati, una pluralità di ombre nell'immagine trasmette volumi di oggetti e spazio. La composizione è statica, la persona stesso è un centro visivo della composizione, la sua occhiata diretta a noi attrae la visione dello spettatore.

Quando guardo l'immagine, c'è tristezza e consapevolezza del fatto che la vita attuale è diversa da quella che era prima. Sento una sensazione di gelo sul corpo, una sensazione di tempo cadente senza vento.

Credo che l'autore volesse mostrare cosa siano le persone che hanno superato la guerra. No, ovviamente, non sono cambiati in outland irriconoscibile: il corpo, le proporzioni sono rimaste le stesse, coloro che sono stati fortunati, non hanno iniezioni esterne. Ma sui volti non ci saranno precedenti emozioni, un sorriso sereno. Gli orrori della guerra che questo grazioso giovane sopravvissero, impresso per sempre nella sua anima.

Chiamerei il quadro "soldato solitario" o "casa stradale" ... ma dove va? Chi lo sta aspettando?

Produzione: Quindi, la percezione del lavoro artistico è un processo mentale complesso che coinvolge l'abilità scopri di capire il raffigurato, esprimere con competenza il mio pensiero usando termini artistici professionali. Ma questo è solo un atto cognitivo. Un prerequisito per la percezione artistica è pittura emotiva percepito, espressione di atteggiamento nei suoi confronti. Saggio - La sensazione ti permette di vedere i giudizi dei bambini che testimoniano la capacità non solo di sentirsi belli, ma anche per valutare.

Dizionario dei concetti di base ....419

Analisi dell'opera d'arte.

Esempi di domande e schemi

Architettura del lavoro

Quando si analizzano le opere di architettura, è necessario tenere conto delle caratteristiche dell'architettura come tipo di arte. L'architettura è una specie di arte accartocciata nella natura artistica della struttura. Pertanto, l'analisi dovrebbe essere soggetta all'apparizione, alla scala, alla forma di costruzione.

1. Quali strutture meriti l'attenzione?

2. Con quali tecniche e mezzi sono le idee dell'autore espresse in questo lavoro?

3. Che impressione fa un lavoro?

4. Quale sensazione può avere un destinatario (percezione)?

5. Come impressione emotiva del lavoro aiuta la sua posizione, il formato, il formato orizzontale, verticale o diagonale delle parti, l'uso di determinate forme architettoniche, la distribuzione della luce nel monumento architettonico?

6. Che cosa vede il visitatore, in piedi davanti alla facciata?

7. Prova a spiegare perché ti sembra la cosa principale?

8. Cosa significa che l'architetto sottolinea la cosa principale? Descrivi i principali agenti artistici e tecniche per creare un'immagine architettonica (simmetria, ritmo, proporzioni, modellazione nera e colore).

9. Come nella struttura architettonica, i volumi e lo spazio sono redatti (composizione architettonica)?

10. Descrivere l'appartenenza di questo oggetto a uno specifico tipo di architettura: strutture volumetriche (pubblico: residenziale, industriale); Paesaggio (giardinaggio o piccole forme), pianificazione urbana.

11. Prova a presentare quali eventi potrebbero essere più spesso in questa struttura architettonica.

12. Il carattere simbolico della composizione del lavoro e dei suoi elementi principali: cupola, arco, arco, muro, torre, calma?

13. Qual è il nome del lavoro? E come lo chiameresti?

14. Determinare l'appartenenza di questo prodotto all'era culturale e storica, stile artistico, direzione.

16. In che modo la forma e il contenuto di questo lavoro sono correlati?

17. Qual è la connessione tra l'aspetto esterno e interno di questa struttura architettonica? È armoniosamente inscritto nell'ambiente?

18. Quale forma di realizzazione, secondo te, trovata in questo lavoro la formula Vitruvia: benefici, forza, bellezza?

19. Sono altri tipi di arte utilizzati nella progettazione dell'aspetto di questo oggetto architettonico? Che tipo? Hai giustificato la tua scelta dell'autore?

Lavoro di pittura

Per riassumere dalla percezione della trama-domestica, ricorda che l'immagine non è una finestra nel mondo, ma l'aereo su cui può essere creata l'illusione dello spazio con mezzi pittoreschi. Pertanto, è il primo importante analizzare i parametri di base del lavoro.

1. Dimensione della pittura (monumentale, macchina, miniatura)?

2. Formato immagine: rettangolo orizzontale esteso o verticale (possibilmente con completamento arrotondato), quadrato, cerchio (TDADO), ovale?

3. In quale tecnica (temperatura, olio, acquerello, ecc.) E su quali basi (legno, tela, ecc.) È l'immagine?

4. Da quale distanza è meglio percepito?

Analisi dell'immagine.

5. C'è una trama nella foto? Cosa è raffigurato? In quale ambiente sono i personaggi raffigurati, gli oggetti?

6. In base all'analisi dell'immagine, fare una conclusione sul genere (ritratto, paesaggio, natura morta, nudo, famiglia, mitologico, religioso, storico, animalista).

7. Come pensi che tipo di compito che l'artista è decorato - bene? espressivo? Qual è il grado di convention o naturalismo dell'immagine? La condizionalità è l'idealizzazione o la distorsione espressiva?

Analisi della composizione

8. Quali componenti costituiscono la composizione? Qual è il rapporto tra un oggetto dell'immagine e dello sfondo / spazio sul modello dell'immagine?

9. Quanto vicino al piano dell'immagine è posizionato gli oggetti dell'immagine?

10. Che angolo di vista ha scelto un artista - dall'alto, in basso, a filo con oggetti raffigurati?

11. Come è determinata la posizione del visualizzatore - è coinvolto nell'interazione con quelli mostrati nella foto, o ha dato il ruolo di un contemplatore sospeso?

12. È possibile chiamare la composizione bilanciata, statica o dinamica? Se c'è una mossa, come è diretto?

13. Come è stato costruito lo spazio dell'immagine (piatto, vagamente, uno strato spaziale è risvegliato, è stato creato uno spazio profondo)? A causa di ciò che è ottenuto dall'illusione della profondità spaziale (la differenza nella dimensione delle figure raffigurate, lo spettacolo del volume di oggetti o architettura, utilizzando le gradazioni del colore)?

Analisi del modello.

14. Per quanto riguarda l'inizio lineare è espresso nella foto?

15. Contour stressati o levigati, esclusi i singoli elementi? Cosa significa questo effetto raggiunto?

16. In che misura ha espresso il volume degli oggetti? Quali tecniche sono create dall'illusione del volume?

17. Che ruolo gioca la luce nella foto? Cos'è (liscio, neutro, contrasto, che spinge il volume; mistico)? La fonte / direzione della luce ha letto?

18. Le sagome di figure e oggetti raffigurati? Quanto loro espressivi sono preziosi in se stessi?

19. Quanto dettagliato (o è l'immagine generalizzata al contrario)?

20. La varietà di trame di superfici raffigurate (pelle, tessuto, metallo, ecc.) Traduci?

Analisi del colore.

21. Che ruolo gioca il sapore nella foto (subordinata al disegno e al volume o viceversa sottomette il suo disegno e costruisce la composizione stessa)?

22. Il colore è solo un volume da colorare o qualcosa di grande? È otticamente affidabile o espressivo?

23. I confini dei punti di colore si distinguono? Abbinano i bordi dei volumi e degli oggetti?

24. L'artista opera in grandi masse di colore o macchie di piccole macchie?

25. Come sono scritti i colori caldi e freddi, l'artista usa la combinazione di colori aggiuntivi? Perché lo fa? Come vengono trasmessi i luoghi più illuminati e nascosti?

26. Ci sono abbagliamenti, riflessi? Come sono le ombre (sordiche o trasparenti, sono colorate)? C'è un colore dominante / combinazione di colori?

Altri parametri

1. Quali sono gli oggetti emotivi dell'autore per l'oggetto (fatto, evento, fenomeno) meritano attenzione?

2. Determinare l'affiliazione di questo prodotto al genere della pittura (storico, ritratto, natura morta, battaglia, altro).

3. Con quali tecniche e mezzi sono le idee dell'autore espresse in questo lavoro?

4. Che impressione fa un lavoro?

7. In che modo l'uso di certi colori aiuta un'impressione emotiva?

8. Cosa viene mostrato nella foto?

9. Evidenziare la cosa principale da ciò che hai visto.

10. Prova a spiegare perché ti sembra la cosa principale?

11. Cosa significa che l'artista assegna la cosa principale?

12. Come si sono lamentati i colori (composizione a colori)?

13. Prova a raccogliere la trama dei dipinti.

14. Ci sono grafici che simboleggiano qualcosa?

15. Qual è il nome del lavoro? Come si riferisce alla sua trama e simbolismo?

16. Il carattere simbolico della composizione del lavoro e dei suoi elementi principali: orizzontale, verticale, diagonale, cerchio, ovale, colore, cubo?

Lavoro della scultura

Quando analizzano le opere di scultura, è necessario tenere conto dei propri parametri della scultura come tipo di arte. La scultura è un tipo di arte in cui il vero volume tridimensionale interagisce con il suo spazio tridimensionale circostante. Pertanto, l'analisi dovrebbe essere soggetta a volume, spazio e come interagiscono.

1. Che impressione fa un lavoro?

3. Qual è il carattere del lavoro?

4. Quali sono le strutture di atteggiamento emotivo dell'autore per l'oggetto (fatto, evento, fenomeno) meritano attenzione?

5. Con quali tecniche e mezzi sono le idee dell'autore espresse in questo lavoro?

6. Qual è la dimensione della scultura? La dimensione della scultura (monumentale, minnak, miniatura) influenza la sua interazione con lo spazio.

7. Che genere è questa scultura? Per cosa intendeva?

8. Descrivi il materiale originale utilizzato dall'autore, le sue caratteristiche. Quali caratteristiche della scultura sono dettate dal suo materiale (perché questo materiale è stato scelto per questo lavoro)? Sono le sue proprietà con l'idea del lavoro? È possibile immaginare lo stesso prodotto da altri materiali? Come sarebbe?

9. Qual è la trama della superficie scultorea? Uniforme o diverso in parti diverse? Liscio o "schizzo" sono tracce visibili di utensili commoventi, schizzi simili, condizionali. In che modo questa struttura è correlata alle proprietà del materiale? In che modo la consistenza influisce sulla percezione della silhouette e il volume della forma scultorea?

10. Come si aiuta un'impressione emotiva dal lavoro della sua scala, formato, orizzontale, verticale o diagonale della parte delle parti?

11. Qual è il ruolo del colore nella scultura? In che modo il volume e il colore interagiscono, come si influenzano l'un l'altro?

12. Chi (cosa) vedi nella scultura?

13. Evidenzia la cosa più importante, particolarmente preziosa da ciò che hai visto.

14. Prova a spiegare perché ti sembra il più importante, particolarmente prezioso?

15. Che cosa significa lo scultore assegna la cosa principale?

16. Come sono organizzati gli articoli (composizione del soggetto) nel lavoro?

17. In quale spazio, il lavoro era situato (nel tempio, nella piazza, nella casa, ecc.)? Quale punto di percezione è stato calcolato (da lontano, dal basso, vicino)? Fa parte di un ensemble architettonico o scultoreo o è un lavoro indipendente?

18. La scultura è calcolata per punti di vista fissi, o è completamente rivelato con una circonferenza circolare? Quante sagome espressive finite ce l'hanno? Cosa sono (chiusi, compatti, geometricamente corretti o pittoreschi, aperti)? Come sono legati l'un l'altro?

19. Cosa può questa scultura (o dire), se lei "riviverà"?

20. Qual è il nome del lavoro? Qual è il significato di IT (titoli) che significa, cosa ne pensi? Come si riferisce alla trama e al simbolismo?

21. Qual è l'interpretazione del motivo (naturalistico, condizionale, dettato dal canone, dettata da un luogo occupato dalla scultura nel suo ambiente architettonico o in qualche altro)?

22. Qual è la posizione ideologica, secondo te, voleva dare alla gente l'autore del lavoro?

23. Ti senti nel lavoro di altri tipi di arte: architettura, pittura?

24. Cosa pensi che la scultura sia preferibile considerare direttamente, e non in fotografie o riproduzioni? Argomento La tua risposta.

Arti decorative e applicate

Analizzare gli articoli di arti decorativi e applicati dovrebbero essere ricordati di aver giocato per la prima volta un ruolo applicato nella vita di una persona e non trasporta sempre una funzione estetica. Allo stesso tempo, la forma del soggetto, le sue caratteristiche funzionali influenzano il carattere dell'immagine.

1. Perché questo argomento è stato progettato?

2. Che taglia è?

3. Come è lo scenario del soggetto? Dove sono le zone delle decorazioni figurative e ornamentali? Come è il posizionamento delle immagini con la forma del soggetto?

4. Quali tipi di ornamenti sono usati? Su quali parti del soggetto si trovano?

5. Dove sono le immagini figurative? Prendono più spazio di ornamentale o sono solo uno dei registri ornamentali?

6. Come viene costruito il registro con immagini figurative? È possibile dire che ci sono assunti di composizione gratuita o utilizzare il principio degli indirizzi (forme nelle stesse pose, il movimento minimo, si ripetono a vicenda)?

7. Come si raffigurano le figure? Sono mobili, congelati, stilizzati?

8. Come sono i dettagli delle figure? Sembrano più naturali o ornamentali? Quali tecniche sono utilizzate per trasmettere figure?

9. Guarda, se possibile, all'interno del soggetto. C'è un'immagine e ornamenti lì? Descrivili sopra lo schema di cui sopra.

10. Quali sono i colori principali e opzionali utilizzati nella costruzione di ornamenti e figure? Qual è il tono dell'argilla stessa? Come influisce sul carattere dell'immagine - rende più ornamentale o, al contrario, più naturale?

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Analisi della storia del film.

La prima parte dell'analisi. La storia dell'aspetto. Idea del regista. Lavora con uno screenwriter e un operatore.

1. Analisi dei personaggi degli eroi.

Saturazione del film con personaggi. Caratteristiche dei personaggi principali (Dettagli personalizzazione). Caratteristiche dei personaggi secondari (le loro funzioni in relazione ai personaggi principali, all'azione del film). Attori del lavoro sul ruolo. Analisi del gioco dell'attore.

2. Analisi del film come riflesso della soggettività del regista

Cinema artistico come opera d'arte indipendente. Autore, I.e. La posizione alla regia (più spesso si manifesta nella sua intervista, puoi trovarlo in un'intervista, ricordi, articoli di partecipanti alla creazione di un film). L'influenza di veri eventi nella sua vita personale e sociale sul film. Riflessione del mondo interiore del regista.

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Dipartimento di DTM.

astratto

Sull'argomento:

Analisi dell'opera d'arte dell'arte sull'esempio del dipinto di Michelangelo BUONAROTI "terribile tribunale"

Eseguito: studente c. ZSR-151 A.A. KAREV

Controllato: Professor Gumenyuk A.N.

introduzione

1. La trama "Corte spaventosa"

2. Informazioni generali sulle differenze nell'immagine dall'icona

3. La composizione degli affreschi dell'altare del sicstiniano Capella Michelangelo Buonarot (1475-1564) "Corte spaventosa" (1535-1541)

Conclusione

Elenco di letteratura usata

introduzione

Un terribile tribunale - Affresco di Michelangelo sul muro dell'altare della cappella sistina in Vaticano. L'artista ha lavorato all'Affresco a quattro anni - dal 1537 al 1541. Michelangelo tornò alla cappella sistina di tre decenni dopo aver completato il suo soffitto. L'affresco su larga scala occupa l'intero muro dietro l'altare della cappella sistina. Il tema di esso era la seconda venuta di Cristo e l'Apocalisse.

Il "terribile tribunale" è considerato un'opera che si è conclusa nell'arte del Rinascimento, che lo stesso Michelangelo ha dato omaggio al dipinto del soffitto e degli archi della Cappella Sistina, e ha aperto un nuovo periodo di delusione nella filosofia dell'umanismo antropocentrico .

1. La trama del "terribile tribunale"

La seconda venuta di Cristo, quando secondo la dottrina cristiana, la risurrezione universale dei morti, che, insieme ad essere vive, verrà finalmente processata, e saranno nominati, per essere portati in cielo o rovesciare verso l'inferno. Scrittura sacra parla molte volte, ma l'autorità principale è Cristo ai discepoli che si sono comportati con Mattehem: "Quando il figlio dell'uomo arriverà nella gloria del suo stesso e tutti gli santi angeli con lui, allora tutte le nazioni saranno riunite di fronte a lui; e separare gli altri mentre il pastore separa le pecore dalle capre; e metti pecore sul lato destro e le capre - a sinistra. " Devono essere provati, secondo i loro affari di misericordia, che si sono esibiti nella loro vita terrena. I peccatori dovranno andare alla "farina eterna".

La seconda venuta di Cristo (o il regno di Cristo sulla Terra) era prevista con fiducia nel 1000, e quando queste aspettative non si sono avverate, la Chiesa ha iniziato a attribuire un'importanza crescente delle "quattro recensioni" Dottrina - morte, tribunale, Paradiso Inferno.

Da quel momento, le immagini di un terribile giudizio iniziano ad apparire (principalmente nei secoli XII-XIII) sui frontoni occidentali scultorei delle cattedrali francesi.

Questo è un grande terreno costituito da diverse parti. Cristo - il giudice è una figura centrale. Da entrambi i lati di lui, gli apostoli che erano con lui all'ultima cena: "E ti siedi sui troni per giudicare 12 ginocchia di Israele".

Di seguito sono i morti, in aumento dalle tombe o dalla terra o dal mare: "E molti della terra che dormono nel Praha si romperà, uno per la vita dell'eterna, altri per le regole eterne e l'intrattenimento". "Allora ha dato il mare dei morti, che erano in loro; Ed è stato giudicato da ciascuna delle loro attività. " Archangel Mikhail tiene le scale su cui pesa l'anima. I giusti - secondo la mano destra di Cristo, accompagnati dagli angeli, sulla mano sinistra da lui sotto i peccatori vengono trasmessi all'inferno, dove sono raffigurati in una farina terribile. (Hall D. Dizionario di trame e simboli in Art. M, 1996)

2. Generaleinformazioni sulle differenze dell'immagine dall'icona

L'immagine, prima di tutto, agisce sulla sfera emotiva. Icona - in mente e intuizione. L'immagine riflette l'umore, l'icona è la condizione di una persona. L'immagine ha bordi, il telaio della trama; Icona: include in illimitata. Alcuni credono che antiche pittori di icone non conoscessero le leggi della prospettiva diretta e la simmetria del corpo umano, cioè. Non c'erano sconosciuti con raso anatomico. Tuttavia, gli artisti di quell'era hanno osservato le proporzioni esatte del corpo umano quando hanno fatto una statua o in generale le sculture (l'immagine tridimensionale non è stata utilizzata nella Chiesa orientale, ma ha avuto luogo solo nell'arte laica). La mancanza di prospettiva diretta indica altre dimensioni spaziali, sulle capacità umane per governare lo spazio sullo spazio. Lo spazio cessa di essere un ostacolo. Un soggetto lontano non si riduce illusoriolmente. Le magnitudini nelle icone non sono spaziali, ma un carattere axiologico, che esprime il grado di dignità. Ad esempio, i demoni descrivono più piccoli degli angeli; Cristo tra gli studenti sorge sopra di loro, ecc.

L'immagine può essere considerata analiticamente. Puoi discutere di singoli frammenti dell'immagine, indicare ciò che ti piace e quello che non mi piace in esso. E l'icona non può essere dissable alle cellule, ai frammenti, da parte, è percepito da sinteticamente con una sensazione religiosa interiore. L'icona è bella quando chiama una persona alla preghiera quando l'anima sente un campo dinamico di energie e le forze emesse attraverso l'icona dal regno della luce eterna. Nell'icona, le figure sono ancora, hanno congelato. Ma questo non è freddo di morte; Qui è sottolineata la vita interiore, la dinamica interna. I santi sono in un rapido volo spirituale, in movimento eterno verso il Divino, dove non c'è posto per pose silenziose, fussosità e espressione esterna.

Una persona abbracciata da un profondo sentimento o immerso nella meditazione, passa anche all'interno, e questa disconnessione da parte esterna testimonia l'intensità e la tensione del suo spirito. Al contrario, l'altoparlante esterno è quello di stampare le emozioni come stati temporanei - afferma che colui che voleva ritrarre sull'icona non è nell'eternità, ma nel tempo, nel potere di sensuale e transitorio.

Uno dei vertici dell'arte occidentale è l'immagine di un terribile tribunale nella Cappella Sicastina, creata da Michelangelo. Le cifre sono eseguite con la straordinaria conoscenza delle proporzioni del corpo umano e delle leggi dell'armonia. Secondo loro, puoi studiare l'anatomia. Ogni persona ha la propria personalità unica e caratteristiche psicologiche. Allo stesso tempo, il significato religioso di questa immagine è zero. Inoltre, è una ricaduta del paganesimo, che è sorto nel cuore del mondo cattolico. Le tradizioni pagane e ebraiche sono incarnate nell'argomento del "terribile tribunale". Charon trasporta le anime dei morti attraverso le acque della Styx. L'immagine è presa dalla mitologia antica. La risurrezione dei morti si svolge nella valle di Josaphat, come racconta la leggenda talmudica.

L'immagine è eseguita in stile naturalistico enfatizzato. Michelangelo ha raffigurato i corpi nudi. Quando Pavel Pavel III, considerando il dipinto della Cappella Sistina, chiese al pilota della cerimonia della Corte del Biangio, e Cesena, come gli piace dipingere, rispose: "La tua santità, queste figure sarebbero appropriate da qualche parte nella taverna, e non nel tuo cappella." ("Sul linguaggio dell'icona ortodossa". Archimandrite Rafail (Karineline), 1997)

Abbiamo toccato la pittura dell'Europa occidentale per sottolineare la sua fondamentale differenza dall'arte ortodossa. Questo è un vivido esempio del fatto che la forma non coincide con il contenuto, qualunque sia il brillante, è da solo. Nella cosiddetta pittura religiosa del Rinascimento, è incluso un errore metodologico. I pittori stanno provando attraverso l'arte mimica, cioè. L'immagine ricca di emozioni e passioni, muovi il celeste sul piano terreno, ma raggiunge il retromarcio - la materialità non rigenerata tollera nella portata del cielo; Terra e spostamento sensuale spirituale ed eterno (o meglio, non c'è posto per il cielo, lì tutto ha preso e inghiottito la terra), il suo cuore; Una figura leggermente prono obbedienza alla volontà di Dio, ecc.

L'immagine cattolica è inintelligibile, l'icona ortodossa è sfaccettata. Nell'icona, i piani si intersecano tra loro, coesistono o interpenetrati, senza fusione e dissolventosi l'uno nell'altro. L'immagine ha registrato il tempo come il momento fermato dalla volontà dell'artista, come se il flash fotografico. Il tempo è condizionatamente nell'icona, quindi, gli eventi nell'inconfrazione cronologica possono essere presentati sul campo delle icone. L'icona sembra un piano interno e un disegno di eventi. Per le icone è caratterizzato da un'immagine una tantum: tutti gli eventi si verificano immediatamente. Icona di Affresco di Michelangelo Sequstine

L'immagine è imitare la realtà con elementi di fantasia, prendendo anche il materiale per i loro stati d'animo dalle realtà terrene. Icona - L'incarnazione della contemplazione spirituale, che è data nell'esperienza mistica, in uno stato di bobina, ma contemplando le linee e i colori trasmessi e obiettivi attraverso il linguaggio iconico. L'icona è un libro teologico scritto da un pennello e vernici. Nell'icona, l'immagine di due sfere - celesti e terreni - non è data in base al principio del parallelismo, ma secondo il principio della simmetria. Nell'immagine su argomenti religiosi, che è erroneamente chiamato un'icona, tra il cielo e la terra o non ci sono differenze, distinzioni, o sono collegate da "linee parallele" della storia, come un unico essere in tempo e spazio.

Nel quadro, il principio di una prospettiva diretta e lineare, che dà l'illusione del volume, tridimensionalità nell'immagine di entità sia reali che spirituali. Lo spirituale non è manifestato nella foto, ma è sostituito da materiale, forme volumetriche e corpi in esso, e scompare in queste forme aliene. Lo spirituale nella foto cessa di essere superitivo, ma diventa "naturale", qui c'è una profanazione del santuario. Era giustamente indicato dagli iconoborets, negando immagini ritratto sui temi religiosi, ma ingiustamente generalizzando con il metodo cattivo tutte le possibilità di belle arti - in questo caso, l'icona - che apre il mondo spirituale, senza identificarlo con infinito come infinito Lunghezza, con le realtà del mondo reale, che è sotto le autorità di morte e declino.

Gli iconOborets hanno identificato l'icona con un ritratto mimitico, con una fantasia o allegoria, ma l'icona, come simbolo sacro, è stata ignorata o incomprensibile. Nell'icona, non solo l'opposizione delle due sfere del tempo e dell'eternità, ma nei suoi ritmi - la Chiesa del tempo, attrazione per l'eternità. ("Sul linguaggio dell'icona ortodossa". Archimandrite Rafail (Karineline), 1997)

3. Composizione degli affreschi dell'altare della Sicstinsky CapellaMichelangelo Buonarroti.(1475-1564) "Corte spaventosa" (1535-1541)

L'insolita decisione dell'autore nella costruzione della composizione conserva i più importanti elementi tradizionali dell'iconografia. Lo spazio è diviso in due piani principali: celeste - con il giudice Cristo, la Madre di Dio e la Santa e la Terra - con le quinte della risurrezione dei morti e dividendoli sui giusti e dei peccatori.

Gli angeli da tavola vengono annunciati all'inizio di un terribile campo. Il libro è aperto in cui tutti gli affari umani sono registrati. Cristo stesso non è un recupero misericordioso, ma punisce Vladya. Il gesto del giudice agisce un movimento circolare lento, ma inesorabile, che coinvolge le file dei giusti e dei peccatori nel suo flusso. La signora della madre seduta accanto a Cristo si voltò da ciò che sta accadendo.

Lei rifiuta il suo ruolo tradizionale dell'intercessione e con la trepidazione esita la frase finale. Intorno ai santi: apostoli, profeti. Nelle mani dei martiri, le pistole per la tortura, i simboli della sofferenza subirono da loro per la fede.

Morto, con speranza e orrore, aprendo gli occhi, alzati dalle tombe e vai alla corte di Dio. Alcuni sorgono facilmente e liberamente, altri più lentamente, a seconda della gravità dei propri peccati. Il forte spirito aiuta ad aumentare la necessità di aiuto.

Pieno di orrore del volto di coloro che devono andare giù per purificare. Cantando una farina terribile, i peccatori non vogliono entrare nell'inferno. Ma le forze volte a rispettare la giustizia che li spingono lì, dove è necessario essere persone che hanno causato la sofferenza. E i diavoli li trascinano a Minos, che è coda, perdendo il corpo, indica il cerchio dell'inferno, a cui il peccatore dovrebbe andare giù. (Il giudice delle anime morte L'artista ha dato le caratteristiche del volto del cerimoniello Papa Biangho da Cesena, che spesso raccoglieva la nudità delle figure raffigurate. Le sue orecchie asinchenti - un simbolo dell'ignoranza.) E nelle vicinanze Barka è visibile, Gestito da Carrier Charone. Un movimento prende le anime peccaminose. La disperazione e la rabbia sono trasferite con un potere mozzafiato. A sinistra da Barka, gli spazi d'Abisso infernale - c'è un ingresso al Purgatorio, dove i demoni si aspettano nuovi peccatori. Sembra essere ascoltato le grida dell'orrore e attraversa i denti dello sfortunato.

In cima, al di fuori di un ciclo potente, sopra le anime, che ci si aspetta che salvi, humping angeli senza inutili con i simboli della sofferenza dei più redem. Al piano superiore sulla destra, le belle e le giovani creature portano gli attributi per salvare i peccatori. (Smirnova I.A. Pittura monumentale del Rinascimento italiano. M.: Visual Art, 1987)

Conclusione

In questo abstract, l'affresco di Michelangelo "Terrchy Court" è stato considerato in confronto con l'icona del "Corte spaventoso" (1580). Sia l'icona che l'affresco sono scritti su una storia - la seconda venuta di Cristo e un terribile processo dei peccati dell'umanità dell'umanità. Hanno una composizione simile: il centro è rappresentato da Cristo, e gli Apostoli si trovano sulle mani sinistra e destra. Sopra di loro Dio. Sotto Cristo - peccatori che promettono l'inferno. Entrambe le immagini sono fatte nel contrario. Ma allo stesso tempo, vengono utilizzati colori meno luminosi nell'icona che nell'affresco di Michelangelo. Nell'icona, ci sono molte immagini simboliche (Palm con un bambino - "le anime giuste nella mano di Dio", e qui, le scale - cioè "misura dell'umano").

Nel tempo moderno, la creazione di queste opere era popolare tra le persone viste escatalogiche, quindi queste immagini giustificavano la loro nomina non per spaventare l'umanità, ma per trasmettere l'idea di vivere una vita giusta, una vita antomica così terrificante di Gesù Cristo.

Elenco di letteratura usata

1. Sala D. Dizionario di trame e simboli nell'art. M, 1996.

2. "sulla lingua dell'icona ortodossa." Archimandrite Rafail (Karineline) 1997

3. Smirnova I.A. Revival italiano di pittura monumentale. M.: Belle Arti, 1987

4. Buslaev f.i. Immagini di una terribile corte su originali russi // Buslaev f.i. Lavori. T. 2. SPB., 1910.

5. Alekseev S. Visibile verità. Enciclopedia dell'icona ortodossa. 2003.

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