Analiza activității de pictură conform planului. Planul de analiză scrisă a lucrărilor de artă. Descrierea și analiza activității de sculptură

Ministerul Transport al Federației Ruse

Educație bugetară de stat federală
Stabilirea de recrutare mai mare
"Universitatea de Transport Rusie"
Ruth (Miit)
Academia de transport rusă deschisă

Facultatea de "vehicule"

Departamentul "Filosofie, Sociologie și Istorie"

Munca practica

prin disciplină

"Culturalologie"

Am făcut munca

student de la primul curs

grupuri Zsa-192

Nikin A.a.

CIFR 1710-C / SDS-0674

Moscova 2017-2018 G.

Lecția practică Numărul 1

Sarcina: Oferiți o analiză semnificativă prin lucrarea arhitecturii orașului (satul, districtul)

Monumentul pentru lucrătorii feroviari, 2006 Sculptor I. Dikunov.

Eu vin din orașul din regiunea Voronezh Lisky. Orașul meu este cel mai mare nod feroviar. Începând cu anul 1871, istoria orașului este interconectată de dezvoltarea căii ferate. În orașul nostru, fiecare al șaselea rezident este strâns legat de profesia feroviară, astfel încât atunci când întrebarea a apărut despre locul de instalare a monumentului în cinstea celei de-a 140-a aniversări a căii ferate din sud-est, alegerea a căzut în orașul nostru. Deschiderea monumentului către lucrătorii feroviari a fost în 2006

Acesta este unul dintre puținele drepturi de autor din oraș, făcute de faimosul sculptor Voronezh Ivan Dikunov în co-autor cu soția sa Elsa Pak și Fii Maxim și Alexei. Ei sunt autorii busturilor eroilor Uniunii Sovietice și ale Rusiei pe aleea slavei, precum și personajele de poveste care adoră parcul orașului în orașul nostru.

Dikunov Ivan Pavlovich - artist onorat al Federației Ruse, muncitor de artă onorat, laureat al Premiului de Stat 1990. Membru activ al Academiei de Știință și Artă a Petrovskaya, profesor.

Ivan Pavlovici sa născut în 1941 în satul Districtul Petrovka Pavlovsky din regiunea Voronezh. Copilăria lui a reprezentat anii de călătorie dificili. În ciuda dificultăților, a găsit timp pentru creativitate, îi plăcea să deseneze și chiar mai sculpt. Deja atunci talentul său a fost vizibil. Ivan Dikunov a absolvit școala de artă Leningrad numită după SEROV în 1964, apoi Institutul de Pictură, Sculptură și Arhitectură. Adică Repin în 1970. În 1985. A sosit la Voronezh și a mers la locul de muncă în Institutul de Arhitectural și Construcții de Stat Voronezh, unde a predat 20 de ani. Din 1988 până în 1995, Pedagogul Dikunov al Școlii de Artă Voronezh.

În orașele din regiunile Voronezh și Lipetsk din Commonwealth cu colegii Vgasu, Ivan Pavlovich a creat o serie de monumente semnificative, care sunt imagini unice ale formării mediului arhitectural și sunt o combinație de sculptură și arhitectură monumentală. El a vorbit de către autorul proiectelor și șeful grupurilor creative cu privire la crearea monumentelor Voronezh cu o personalitate rusă remarcabilă - M.E. Pyatnitsky (1987), A.S. Pushkin (1999), A.P. Platonov (1999) și alții. Ivan Pavlovici participă constant la expoziții regionale, zonale, republicane, all-uniune, all-ruse și străine.

Dikunov a spus că lucrările de la monumentul lucrătorilor feroviari a avut loc timp de trei ani, iar gândul său principal a fost acela de a arăta ideea căii ferate în mișcare. Există un monument la intrarea în orașul Liski și este o carte de vizită a orașului nostru.

Monumentul pentru lucrătorii feroviari este un monument care ne afectează o compoziție complexă, o semnificație profundă și simbolism. La planul inițial, monumentul a fost o imagine de divergență din coloană în diferite direcții ale lucrătorilor feroviari. Dar, ulterior, sculptorii au venit la compoziția în care ambele figuri merg de-a lungul platformei într-o direcție. Acest lucru a fost solicitat ca aspirația înainte și unitatea comunicării inseparabile a generațiilor de lucrători feroviari.

Pentru a crea un monument de piatră și metal. Există multe detalii simbolice în aceasta, cu o atenție deosebită, pliați în imaginea capabilă, solidă a căii ferate. În centru, compoziția este o coloană înaltă a unei forme elegante pe un piedestal pătrat decorat cu imagini de instrumente de lucru pe fundalul razelor divergente. Ea a încoronat emblema căii ferate și inscripția "" Liski ". Figurile de 3,5 metri sunt două generații de lucrători feroviari - o cale cu un lanternă și un ciocan lung, o imagine a secolului al XIX-lea și un șofer modern într-un costum în formă de portofoliu în mână. Ele par în jurul trenului din jurul platformei.

Detaliile îmbrăcămintei și inventarului au fost alese cu o atenție deosebită: păstrarea formei, a recreat subtilități pe picturile și exponatele muzeului. În fel de sculptori serviți de lucrătorii site-ului Liskinsky. Pe marginea plăcii trece inscripția: "" este dedicată lucrătorilor feroviari la războinici-eroi de 140 de ani YEV feroviar

Am un sentiment de mândrie în orașul meu, pentru oamenii obișnuiți de muncitori, a căror profesie dificilă și responsabilă este imortalizată în monument. Și două figuri ale diferitelor generații sugerează că căile ferate din dezvoltarea sa avansează, se îmbunătățește în fiecare an.

Numărul de sarcină practică 2

Sarcina: Oferiți o analiză semnificativă a picturii artistului din orașul dvs. (satul, districtul)

Countrymanul meu a fost faimosul artist rus Kramskaya Ivan Nikolaevich (27 mai 1837. - 24 martie 1887). Sa născut în orașul Ostrogozhsk Voronezh provincia (aceasta se află la 30 km de orașul meu natal Liski) în familia unui mic oficial.

A studiat la Academia de Arte din St. Petersburg (1863-1868) în 1863. El a primit o mică medalie de aur pentru imaginea "Moise emană apă de pe stâncă". Kramskaya a fost inițiatorul "Bundei de paisprezece", care sa încheiat cu accesul Academiei de Arte ale absolvenților săi care au organizat artiști Arte. De asemenea, unul dintre creatorii din 1870 "Asociația de Expoziții de Artă Mobile". Influențat de ideile democraților ruși-revoluționari, Kramskaya și-a apărat opinia cu privire la rolul public ridicat al artistului, principiile fundamentale ale realismului, esența morală a artei și afilierea sa națională. În 1869, a predat într-o școală de promovare publică a artiștilor. În 1869, Kramskaya a primit titlul de academician.

Anii 1970-80 ai secolului al XIX-lea au fost pentru Ivan Nikolayevich până în perioada în care au fost scrise una dintre cele mai cunoscute lucrări, acesta este "Hollowman", "Mina Moiseeva", "Țărănesc cu o carană" și alții. Din ce în ce mai unit artistul din lucrările sale Portret și subiecte de uz casnic ("Stranger", "Rezacynaya Muntele").

Multe pânze de Kramsky sunt recunoscute ca un clasic al picturii rusești, el a fost un maestru al scenelor portret, istorice și de gen.

Aș dori să locuiesc pe analiza picturilor sale "Hristos în deșert", care ocupă un loc foarte special în biografia creativă a lui I. Kramsky.

Hristos în deșert.

Canvas, ulei.

180 x 210 cm.

Ideea principală a Kramsky trei ani, pe care el a angajat-o cu fermitate în el este tragedia vieții acelor naturi mari care au refuzat în mod voluntar toată fericirea personală, cel mai bun, cel mai pur, pe care artistul le-a găsit să-și exprime ideea, A fost Isus Hristos.

Kramskaya sa gândit la pânza lui pentru un deceniu. La începutul anilor 1860, încă mai este la Academia de Arte, el face prima schiță, în 1867. - Prima versiune a imaginii care nu a satisfăcut-o. Prima opțiune de imagine a fost un format vertical de panza, iar artistul a decis să scrie o imagine pe panza orizontală și așezată pe pietrele unui om mai mare. Formatul orizontal a făcut posibilă prezentarea panoramei deșertului stâncos nesfârșit, potrivit căruia există un om singuratic în tăcere și noapte. Doar sub dimineața era obosită și epuizată pe piatră, el încă nu a văzut nimic în fața lui. Amprentele de experiențe dureroase și profunde sunt vizibile pe fața sa obosită, o față de întuneric, severitatea Duhului ca și cum ar fi pus pe umeri și și-a plecat capul.

Plotul picturilor este asociat cu descris în Noul Testament de către postul de patruzeci de zile de Isus Hristos în deșert, unde sa retras după botezul său și cu ispita lui Hristos diavolul, care sa întâmplat în timpul acestui post. Potrivit artistului, el a vrut să surprindă situația dramatică a alegerilor morale, inevitabilă în viața fiecărei persoane.

În imaginea descrisă pe Hristos așezată pe o piatră gri situată pe deal în același deșert gri stâncos. Kramskaya folosește culori reci pentru a portreca dimineața devreme - Dawn tocmai a început. Linia de orizont trece destul de scăzută, împărțind imaginea aproximativ la jumătate. În partea de jos există un deșert rece, iar în partea superioară - cerul predestinic, simbolul luminii, speranței și transformării viitoare. Ca urmare, figura lui Hristos, îmbrăcată în roșu Hiton și Cape Blue Dark, domină imaginea imaginii, dar locuiește în armonie cu peisajul aspru înconjurător. Într-o figură singuratic descrisă printre pietrele reci, nu numai griji și oboseala triste, ci și "dorința de a lua primul pas pe o cale stâncoasă care duce la Calvar".

Mâinile lui Hristos (fragment pictura)

Reținerea în imaginea îmbrăcămintei permite artistului să dea valoarea principală față și mâinilor lui Hristos, care creează persuasivitatea psihologică și umanitatea imaginii. Perii ferm de mână comprimate sunt practic în centrul panzei. Împreună cu fața lui Hristos, ele sunt un centru semantic și emoțional al compoziției, atrăgând atenția privitorului. Mâinile cuplate, situate la nivelul liniei de orizont, "într-o tensiune voliționară convulsivă, par a fi încercate să se lege, ca o piatră de castel, întreaga lume este cerul și pământul - împreună". Picioarele bosy ale lui Hristos se înclină de la mers pe jos de-a lungul pietrelor ascuțite. Dar între timp, fața lui Hristos exprimă puterea incredibilă a voinței.

Nu există nicio acțiune în această lucrare, dar viața Duhului este arătată vizibil prezentată. Hristos în imagine este mai mult ca o persoană, cu suferințele sale, îndoieli decât în \u200b\u200bDumnezeu, asta face ca imaginea sa de un spectator clar și aproape. Această persoană face un pas important în viață, iar soarta oamenilor care cred în el depind de soluția sa, vedem povara acestei responsabilități pe fața eroului.

Privind la această imagine, îți dai seama că ispita face parte din viața unei persoane. Adesea oamenii stau în fața alegerii: să vină sincer, pe bună dreptate sau, dimpotrivă, să facă ceva ilegal, condamnsibil. Absolut toate trece prin acest test. Această imagine îmi spune că, indiferent cât de mare a fost ispita, este necesar să găsim puterea de a lupta.

Astăzi, această imagine este situată în galeria Tretyakov din Moscova.

Bibliografie:

1. (Resurse electronice) Monumentul pentru lucrătorii feroviari în frunze. - Modul de acces: https: // yandex.ru / căutare /? Text \u003d Monumentul pentru lucrătorii feroviari în frunze (data manipulării 23.11.2017)

2. (Resurse electronice): Dikunov Ivan Pavlovich Sculptor Vrnsh.ru\u003e Page_id \u003d 1186 (data manipulării 23.11.2017)

3. Viața oamenilor remarcabili. 70 artiști renumiți. Soarta si creativitatea. A. Ladvinskaya Donetsk - 2006. 448 pp.

4. 100 de picturi mari. Moscova. Editura "Veche" - 2003, 510 pp.

Atasamentul 1.

Analiza lucrărilor de artă cu un suport pe algoritm:

"Cum pot analiza operele de pictură?".

creativitate?

2. aparținând genului: istoric, intern, bas, portret,

peisaj, încă viață, interior.

3. Active fixe de creare a unei imagini artistice: culoare, desen,

lumină, textură, scrisoare.

4. Semnificația numelui. Caracteristici ale compoziției și compoziției.

5. aparținând epocii culturale și istorice, stilului sau direcției artistice.

6. Care sunt impresiile dvs. personale ale lucrărilor de pictură?

Apendicele 2.

1 grup "Firebrush Romansics" (ghiduri) în istoria romantismului de pictura mondială a fost o epocă strălucitoare strălucitoare.

Cuvântul "romantism" se întoarce la Latin Romanus-estesky, adică care a apărut pe baza culturii romane sau este strâns legată de ea.

Lumea simțurilor și experiențelor unei persoane. Pictura romantism a fost inerentă "sete de a crea toate căile posibile". Pictura din otel: aroma saturata stralucitoare, iluminat de contrast, maniere de emotii.

Care este omul de generație romantică? Adesea el devine martor pentru sângele crud și războaiele, soarta tragică a națiunilor întregi. El face acțiuni eroice capabile să inspire pe alții. Romanticii au atras evenimente istorice în care au atras parcele pentru multe dintre lucrările lor.

1. Un reprezentant luminos al direcției romantismului în pictura a fost artistul spaniol Francisco Goya (1746-1828). A deținut toate genurile de pictură. Avea poze pe parcelele religioase, portrete de judecată.

A. A asistat la războaiele napoleoniene, devastatoare și ruinate Spania. În 1808, ca răspuns la cele mai severe represiuni ale ocupației Napoleonice din Madrid, a izbucnit o revoltă populară. În acești ani dificili, Francisco Goya era cu poporul Său. Pictura "Excreția rebelilor în noaptea de 3 mai 1808", scrisă în 1814 și pusă în Muzeul Madrid Prado a fost acuzul de acuzator al răului și violenței artistului. El a simțit clar scara reală a tragediei populare.

Imaginea captează începutul luptei de eliberare a spaniolilor cu invadatorii francezi, și anume scena filmărilor rebelilor spanioli de trupele franceze ocupate. Rebelii spanioli și soldații francezi sunt descriși de Goya ca două grupuri de grupuri opuse: câțiva artizani de Madrid neînarmați și un soldat soldat cu arme ridicate. Persoanele și pozițiile spaniolilor sunt înregistrate de Goya mai degrabă (patriotismul, curajul, furia, neînfricarea, etc.), în timp ce soldații francezi sunt speriat fluent și, așa cum au fost, îmbinarea într-o masă fără sens.

B. "Portret al familiei regale Carlos VI"

De la stânga la dreapta: Don Carlos senior, viitorul rege al Spaniei Ferdinand VII, sora Carlos IV Maria Josef Carmela, femeie necunoscută, Maria Isabella, Cina Carlos IV Regina Maria-Louise Parm, Francisco de Paula de Bourbon, regele Carlos IV, fratele său Antonio Pascal, Goikin Cartrol (doar o parte a capului este vizibilă), Louis i cu soția lui Maria Louise, în mâinile fiului lor - Karl II, viitorul PARM Duke. În fundal, Goya se îndreptă spre el însuși. Magic, vopsele spumante nu sunt în măsură să ascundă personajele de pui, prostie, morale și psihice.

2. Un interes profund în lumea interioară a omului a arătat, de asemenea, un contemporan al marelui spaniol - Theodore Zheriko. Pentru creativitate, Zheriko se caracterizează prin dramă limită, pasiuni strălucitoare, contrast de culoare. Serviciul în muschetaterii regali, Zhero a scris scene de luptă predominant, dar după călătoria în Italia în 1817-19. El a interpretat o imagine mare și complexă "Raft" meduze ""

(Situat în Luvru, în Paris). Noutatea parcelei, compoziția de dramă adâncă și adevărul vital al acestei lucrări scrise cu masterat nu au fost imediat evaluate pe demnitate, dar în curând a primit recunoaștere și a adus artistul la faima unui inovator talentat și îndrăzneț.

El a trebuit să se bucure de slavă, trebuia să se bucure: cu greu timpul să se întoarcă la Paris din Anglia, unde subiectul principal al ocupației sale a fost studiul caii, el a mers la mormânt ca urmare a unui accident - picături de la un cal .

Terenul imaginii se bazează pe incidentul real, care sa întâmplat la 2 iulie 1816 de pe coasta Senegalului. Apoi, Argende în 40 de lei de la coasta africană a suferit o epavă de fregate "Medusa". 140 de pasageri și membrii echipei au încercat să scape, aterizând pe plută. Doar 15 dintre ei erau în viață și în a douăsprezecea zi a articolelor au fost alese de Brig "Argus". Detaliile supraviețuitorilor au șocat opinia publică modernă, iar epava sa transformat într-un scandal în guvernul francez din cauza incompetenței căpitanului navei și insuficiența încercărilor de a salva victimele.

În plus față de plema lui Medusa Plock, "Luvru este șapte picturi de luptă și șase desene ale acestui artist. Picturile lui sunt pline de confuzie, anxietate.

3. Într-o manieră similară cu Theodore, Zhero a scris și Eugene Delacroix (1798-1863).

A. Pentru el, atenția a fost caracterizată de loturile estice. Una dintre cele mai izbitoare creații sale este pictura "masacru în chioșc", arătând episoadele războiului grec - turc. Astfel, istoricii au numit violența brutală la 11 aprilie 1822. Turcii peste locuitorii insulei Chios pentru faptul că insultanții au sprijinit luptătorii pentru independența Greciei. De la 155.000 de locuitori ai insulei după sacrificare au supraviețuit doar

2000. Până la 25.000 au fost tăiate, restul - fie înrobit, fie în exil.

Marile revoluții franceze și excursii predictive la Naoleon, represiuni și execuții politice crude, schimbarea infinită a guvernelor din cele 1830 guverne cu claritate specială au ridicat problema rolului poporului și a personalității în istorie.

B. Delacroix a fost caracterizat de Paturi politice. În 1830, artistul a absolvit "libertatea, oamenii de conducere". Delacroix a creat o imagine bazată pe revoluția din iulie 19930, care a pus capăt regimului de restaurare a monarhiei Bourbon. După numeroase schițe pregătitoare, avea nevoie doar de trei luni pentru a scrie o imagine. Într-o scrisoare către Frate la 12 octombrie 1830, Delacroix scrie: "Dacă nu m-am luptat pentru patria mea, mă voi scrie cel puțin pentru asta". Pentru prima dată, "Libertatea, cei mai importanți" a fost expusă în salonul de la Paris în mai 1831, unde imaginea a fost acceptată acceptată și imediat achiziționată de stat. Din cauza complotului revoluționar, Web-ul timp de aproximativ 25 de ani nu a fost expus în public. Prin sânge, suferință și de moarte. O femeie frumoasă cu un banner tricolor în mâna lui poartă oameni la victorie. Pieptul nud simbolizează dedicarea franceză a acelui timp, care cu "sânii goi" a mers la inamic. În mulțime puteți vedea săracii înarmați, locuitorii mahala, studentul și micul Gavros cu pistoale. Artistul sa descoperit sub forma unui bărbat în cilindru în partea stângă a eroinei principale. Uneori imaginea este asociată în mod eronat cu evenimentele marii revoluții franceze.

"Pictura franceză Marsesellese" numită imaginea contemporanilor, iar autoritățile au declarat un artist periculos.

Apendicele 3.

2 Grupul "Este necesar să editați arta" (Experți - Executivi) Direcția realism în arta direcției a doua jumătate a secolului al XIX-lea. Conceptul de realism este Latin Realis - denotă o reflectare profundă a realității. Până la mijlocul xixvecului, realismul devine direcția de lider și cea mai influentă a artei.

Ce sarcini noi au acum arta?

1. O litografie principală remarcabilă (un tip de grafică de imprimare pentru care este suprafața pietrei) Artist francez Onor Case, fiind un om care urăște orice opresiune și violență au răspuns întotdeauna la întrebările actuale ale timpului său, oferindu-le propria lor evaluare. Și-a început creativitatea ca pe un cartoonist, am făcut desene satirice pentru revista. Litografiile sale au fost imediat cumpărate, erau cunoscuți de toată lumea.

Celebrul litografie "strada Transnonen" a fost perceput de contemporanii ca un protest împotriva terorii și a vărsarității de sânge, care a avut loc după revoluția din iulie (1834). Baza istorică a acestei lucrări a fost evenimentele din aprilie 1834, demonstrația politică a trupelor guvernamentale asociate cu overclockarea. Din casa numărul 12 de-a lungul străzii Transnonen dintr-o fereastră, a acoperit blind-urile împușcate soldaților care au dispersat demonstrația. Ca răspuns, soldații au izbucnit în casă și au ucis toți chiriașii. Domier a dorit litografia nu este păcat, ci mânie. Așa a fost percepută de contemporani: "Nu este un desen animat, nu un desen animat, aceasta este o pagină sângeroasă a istoriei moderne, o pagină creată de o mână plină de viață și dictată de indignarea nobilă".

Domier - Cartoonistul a fost bine cunoscut publicului, dar despre faptul că a fost angajat în pictura, nu mulți știau. Canvas a copiat într-un atelier de artă mic. Un loc special aparține picturilor despre Don Quixote. Knight fără frică și reproș, rătăcind în căutare de bună și dreptate, a atras casa puterii Duhului. Pentru aspectul amuzant și faptele ridicole, nobilimea, măreția și compasiunea pentru oameni diferă.

2. Gustave Kourba Pictor francez, Player peisaj, Genver și Portreight. Este considerat unul dintre completele romantismului și fondatorii realismului în pictura. Unul dintre cei mai mari artiști din Franța în secolul al XIX-lea, cifra-cheie a realismului francez.

Născut în Franța, intrarea în pictura franceză a fost scandaloasă. Unii și-au certat violent lucrarea, chemându-i urâți, alții opuși - un mare viitor îl propunându-l. În Paris, 1855 a deschis expoziția "Pavilionul realismului". Dl. Kourbe a căutat să prezinte oameni așa cum sunt, cum ar fi urât și nepoliticos, ceea ce le vede. O atenție deosebită față de mediu, natura, relațiile sociale și caracteristicile individuale ale unei persoane au determinat esența direcției realiste în artă.

În imaginea sa a "concasoarelor de piatră", un bătrân în îmbrăcăminte plătit grosier și pantofi de lemn crăpat, coborând în genunchi, sparge pietrele gătite de ciocan pentru construcție. Tânărul în cârpe cu dificultate ține în mâinile sale un coș greu. Ziarele artistului au acuzat că glorifică urâtul, dar este suficient să se uite la imaginea "armorilor", să înțeleagă ce respectă Kurba a scris oamenii de muncă.

3. "Pictorul țărănești" - așa-numitul artistului Jean Mille-Franceză. Lumea satului francez a devenit o sursă inepuizabilă a muncii sale. Deja un artist faimos, el a continuat să se angajeze în muncă țărănească, oferindu-și timpul liber.

În 1857, este reprezentată canvasul său "colectori de kohlis". Colectorii au fost lăsați să treacă prin câmpurile în zori și să ridice spikeleturile pierdute de Kost. Pe această rețea, artistul a reprezentat trei dintre aceia care se aplecă peste pământ într-un arc scăzut - numai pentru a reuși să colecteze stânga după recoltare ... Mill a arătat trei faze de mișcare tare, pe care femeile trebuiau să fie indiferenți Repetarea o dată - îndoiți, spikelete selectate cu cereale și îndreptați din nou. Little pachete în mâinile lor contrast cu o recoltă bogată, care este vizibilă în fundal. Există stive, forfecare, vagon și ocupați de munca mulțimii de secerări.

Artistul a reușit să transmită foarte precis gravitatea muncii țăranilor, sărăcia și umilința lor. Cu toate acestea, activitatea a provocat diferite evaluări ale publicului și criticii, ceea ce a făcut ca fabricarea temporară să facă apel la mai multe partide poetice la viața țărănească.

Anexa 4.

3 Grupul "Componentele salonului" (impresioniștii artiștilor) Paris, 1863, Industria Palatului: Juriul celebrului expoziție prietenos de salon, care are loc în fiecare an, respinge cu aproximativ șaptezeci la sută din lucrarea depusă ... în scandalul, împăratul Napoleon al III-lea a trebuit să intervină în scandal. După ce s-au familiarizat cu panza respinsă, el ia permis grațios să le prezinte într-o altă parte a Palatului Industriei. Pentru aceasta 15 mai 1863, expoziția a fost deschisă imediat numită "Salonul de teren".

Sfârșitul XIX începutul secolului al XX-lea - timpul de schimbare. Progresul științific și tehnic și cataclismul politic au cauzat schimbări majore în artă, au identificat noi și originale căi de dezvoltare. Arta secolului al XIX-lea este percepută ca un refuz al vechilor tradiții artistice, o încercare de a regândi creativ patrimoniul clasic al trecutului. Inovațiile îndrăznețe apar, experimente, nelimitate de orice fel de cadru și convenții. Artistul a devenit eliberat și liber în lucrarea sa. El sa concentrat pe propriul gust și dependență.

Impresionismul este impresia cuvântului francez traduce ca o impresie.

Spre deosebire de romantismul și realistele, impresionistii nu au cautat sa ilustreze trecutul istoric, sfera intereselor lor a fost moderna.

După ce au prezentat propriile principii de percepție și afișând lumea înconjurătoare, au creat un nou limbaj pitoresc. Nu erau importante pentru complot, ci percepția sa senzuală, impresia pe care o putea produce pe spectator. Impresiștii au încercat să transmită imaginea "instantanee" în imagine, senzație momentană. Aceste senzații au distrus forme familiare și desen standard. Opinia lor a fost pur individuală.

1. Cel mai izbitoare reprezentant al impresionismului și unul dintre helemenii săi este - Eduard Mana impresionant pânza lui "portret de Emil Zol".

Lumina puternică a soarelui, om fericit cu dispoziție înseamnă artist expresiv. În centrul atenției generale a fost imaginea lui Edward Mana "Micul dejun pe iarbă".

Folosind și regândirea parcelelor și a motivelor de pictura veche maeștri, Mana a căutat să le umple cu sunet modern ascuțit, introdus polemic în faimoase compoziții clasice imagine a unei persoane moderne. Drumul lui Mane spre faima sa dovedit a fi lung și dificil, juriul salonului a respins invariabil picturile sale și numai mulți nu mulți nu au îndrăznit să se ridice asupra apărării artistului. Printre ei era Emil Zola, care a scris în ziar: "Locul domnul Mana în Louvru a fost deja furnizat"

"Portret al lui Emil Zol" - Artistul își descrie prietenul în biroul de lucru într-un tabel scris, plin de hârtii și cărți. Interiorul mărturisește gusturile proprietarului: Shirma japoneză cu un peisaj fantastic, reproducerea manei de pictură. În apariția scriitorului, o personalitate puternică este ghicită, personalitate strălucitoare.

"Micul dejun pe iarbă", care a provocat o furtună de emoții, critici cele mai severe și sentințe unanime pe care acest "mic dejun" este absolut "antebitor". În mod deosebit, a înfruntat publicul că, în pădure, polana a fost adunată îmbrăcată decent, pantofi, cu legături și cu bastoanele bărbaților, lângă corpurile feminine nude. Numele imaginii dobândește unele semnificații picante, mai ales că nimic nu este afișat cu adevărat comestibil. Colțul din stânga al prim-plan conține un indiciu slab de alimente, dar arată clar că pe clapeta țesăturii, probabil că cineva, coșul semi-gol cu \u200b\u200bmai multe ciuperci este minciună, iar mai multe fructe de padure sunt vizibile pe frunze verzi. Acesta este întregul mic dejun. Doi bărbați tineri care se răspândesc liber pe iarbă, vorbind despre ceva plin de viață. Cel care are dreptate, gesticând, spune ceva interesant, amuzant, pentru că interlocutorul este frumos zâmbete. Un zâmbet jenat strălucește și o femeie așezată lângă el. Sub ea, țesătura albastră-albastră zdrobită, femeia însăși într-o lumină liberă prezintă SITS, absolut goală, nu prea tânără, ușor completă. Un cuplu așezat în apropiere, un păr de culoare, sunt colegi, eventual soți. Cea de-a doua femeie în cămașă ușoară, liberă, alb, poate fi văzută puțin mai departe, dar o conversație este o auzit, se poate vedea că ascultă și zâmbește și ea. Imaginea este plină de pace ușoară, chelie caldă.

Zola a numit carnea puternică de panza, fluxurile luminoase simulate pur și simplu, sincer și întors.

2. Cu toate acestea, cu adevărat impresioniștii s-au declarat în 1874 de o expoziție comună. Întreaga direcție primită pe titlul în imaginea lui Claude Monet "impresie. Sunrise "(la urma urmei, impresia" franceză - "Imprint".).

Termenul "impresionism" a apărut cu mâna ușoară a criticului revistei "Le Charivari" Louis Lurua, care a intitulată FEUILLETON despre salonul "Expoziției impresioniștilor" Outcast, luând ca bază numele acestei imagini Claude Monet .

Un ofițer de peisaj rafinat, îndrăgostit de suburbiile din Paris, Monet a fost pasionat pasionat de elementele de apă.

Claude Monet a introdus în practică crearea unei serii de imagini cu iluminare diferită, de exemplu, Catedrala Rueny. Doi ani sa dus la Rouen, a urmărit jocul de lumină. Monet a scris mai mult de 20 de tipuri de catedrală în momente diferite ale zilei: în razele soarelui de dimineață, într-un prânz orbitor, în fața amurgului. Publicul a vorbit despre monoturile picturilor sale.

3. Camille Pissarro, oricare dintre picturile sale au început să scrie de pe cer, crezând că cerul îi dă adâncimea și spune mișcarea. Asta a vorbit Pissarro despre crearea picturilor sale. "Văd doar pete. Când încep imaginea, primul lucru pe care îl fac ... stabilesc raportul. Între acest cer, pământ și apă, fără îndoială există relații bine cunoscute, iar aceste relații nu pot fi altele ca armonioase. Aceasta este principala dificultate a picturii. Sunt mai puțin interesat de partea materială a picturii (adică liniile). Cel mai important lucru este de a reduce toate cele mai mici detalii pentru armonia întregului, adică la consistență. " Apele Bulevardului Montmartre din Paris ne transferă spre o autostradă plină de viață. Multe echipaje se mișcă în direcții diferite, o trecătoare de trezire. Totul este învăluită în Transparent - Lilac Haze. Artistul scrie o frotiu rapid, abia atingând peria de panza.

Dar din aceste puncte și lovituri există o imagine a unei zile însorite de primăvară, o viață plină de viață și fierbere.

4. Magicianul luminii se numește Auguste Renoara. Lumina strălucitoare atrage imaginea, îl conduce în mișcare. Lucrările are o compoziție mobilă plină de viață. Renoir a scris: "Îmi plac picturile care se înclină în mine dorința de a merge în adâncurile lor dacă este un peisaj sau atinge mâna, dacă aceasta este o imagine a unei femei ...". Cel mai adesea, Renoir scrie femei și copii, luând în considerare cele mai îmbunătățite creaturi ale naturii. Este atras de la frumusețile la rece, ci să se bucure și să trăiască "real" franceză. Dar o imagine complet diferită a fost creată pe portret "cu un ventilator". Tânăr, fată amuzantă. Tonuri delicioase Fața scrisă, părul negru gros este liliac și liliac. Pe o pânză albă, există o strălucire roșiatică a scaunului.

5. Oportunități uriașe în utilizarea tehnologiei pastelate de culoare (FR.

pastel) - Pictura cu creioane colorate și pulbere colorată. Edgar Degras a plăcut mai ales să lucreze în ea. Textura pastelurilor unei catifea, este capabilă să transmită vibrația culorii, care pare a fi luminată din interior. În pictura "Dansatoare albastre"

tehnica pastel este utilizată pentru a spori decorativitatea și sunetul luminos al compoziției. Snob-ul unei lumini strălucitoare, turnând o imagine, ajută la crearea unei atmosfere speciale de balet, se pare că lumina aici este înlocuită în întregime de desen, se organizează, conduce la o singură valoare a simfoniei complexe a vopselelor. În ambalaje albastre luminoase, cu flori în părul ei, dansatorii par a fi zane frumoase fabuloase implicate în extravaganța magică.

Pictura este stocată în Muzeul de Stat de Arte Plastice numit după A. S. Pushkin la Moscova, care a fost primit în 1948 de la Muzeul de Stat din New Western Art; Până în 1918 se afla în ședința lui Serghei Ivanovich Schukin la Moscova, după ce a scris imaginea a fost păstrată în întâlnirea lui Durane - Ruel la Paris.

Anexa 5.

Cel de-al patrulea grup "În căutarea propriului mod" (vizitatori la expoziție) privind rezultatul secolului al XIX-lea, artiștii Paul Cesanne și Vincent van Gogh au spus cu voce tare. Ei s-au unit într-un grup, care au dat numele noii direcții artistice de postminglyism. Postimprenism (Fr. Postimpresionisme) - Direcția în arta vizuală. A provenit din anii '80 ai secolului al XIX-lea. Artiștii acestei direcții nu au aderat la impresii vizuale, dar au căutat să transmită în mod liber și, în general, materialitatea lumii, recurgeau la stilizarea decorativă. Începutul maxmeziei este de criza impresionismului la sfârșitul secolului al XIX-lea.

1. Căutarea neîncetată a unei noi soluții compozite de picturi, metodele de transmitere a culorii și a luminii sunt caracteristice creativității câmpului Cezanne.

El a scris încă o viață cu fructe, cel mai puțin prins asemănarea lor cu originalul. A fost neobișnuit în lucrarea lui Cezanna a fost folosirea culorii, artistul a crezut că culorile reci (albastru și verde) au o proprietate de îndepărtare în adâncurile imaginii, astfel încât imaginea a devenit volumetrică.

2. Vincent van Gogh este faimosul Artisttimonist Olanda din lume. După prima expoziție de picturi la sfârșitul anilor 1880, faima lui Van Gogh a crescut constant printre colegii, istoricii de artă, dealerii și colectorii. După moartea sa, expozițiile memoriale au fost organizate la Bruxelles, Paris, Haga și Antwerp.

"Floarea soarelui" - numele celor două cicluri ale picturilor artistului olandez Vincent van Gogh. Prima serie este efectuată la Paris în 1887. Este dedicată culorilor mintale. A doua serie a fost finalizată într-un an, în Arle. Ea prezintă un buchet de floarea-soarelui într-o vază. Două picturi de la Paris au achiziționat un prieten van Gogh Paul Gajn.

"Irises" - au fost scrise de artist la un moment dat când a trăit în spitalul Sf. Paul Mausoliansky lângă Saint-Remy de Provence, cu un an înainte de moartea sa în 1890. Nu există o tensiune înaltă în imagine, care se manifestă în lucrarea sa ulterioară. El a numit pictura "Grundber pentru boala mea", pentru că simțea că ar putea să-și restrângă bolile, continuând să scrie.

În ultimele două luni de viață - din mai până în iulie 1890, el a trăit în peste-sur-UAZ sub Paris, unde el, printre altele, a scris mai multe picturi cu flori. "Rozes roz" este una dintre cele mai bune imagini ale acestei serii. Este caracteristică artistului târziu. Spre deosebire de nuanțele de portocale și galbene, pe care le-a folosit în Arles (de exemplu, în ciclul "floarea-soarelui"), aici van Gogh aplică o combinație mai moale și mai melancolică de culori, vorbind mai fertil și mai umed climate nordice. Această imagine este tipică pentru ultima perioadă a creativității lui Vincent Vin Gogh, de asemenea, prin faptul că practic absent în el (la prima vedere se pare că imaginea poate fi transformată și efectul acestui lucru nu se va schimba) și spațialitate (flori Așa cum a fost făcută din planul picturii în spațiu în care se află spectatorul). Van Gogh a reușit să transmită senzația de vecinătate imediată a trandafirilor către observator. Pe unde imaginea din partea de jos, castronul aproape invizibil este indicat sub flori și numai o formă ușor de schimbare a frotiurilor și o ușoară schimbare a nuanțelor de jocuri verzi până la adâncime. Contururile ascuțite albastre întunecate ale frunzelor și tulpinilor de trandafiri, precum și linii vibratoare și sfâșiate, reprezintă un exemplu de influență asupra artistului firului din lemn japonez. Aceste tehnici seamănă cu stilul câmpului Gajic și Emil Bernard, dar Van Gogh le folosește în mod de nedescris.

Pictura "Podgoriile roșii în arle" a fost scrisă de Van Gogh în 1888.

A trăi în sudul Franței, artistul strigă inspirația nesfârșită în tipurile urbane și rurale, culorile luminoase ale naturii, lumina soarelui. Această perioadă este cea mai productivă în lucrarea lui Van Gogh.

La Arles, Hogen la vizitat și o dată, revenind acasă din vecinătatea orașului, artiștii au fost martorii unei imagini neobișnuite:

soarele de setare a iluminat podgoria cu razele sale, picând frunzele în culoarea răsucite, iar poporul și pământul - în nuanțele unei cenușă așezată. La scurt timp după aceea, Van Gogh a început să lucreze la o imagine care descrie vintage în vecinătatea Montmazhur. Artistul portretizat nu doar un peisaj, ci un fel de parabolă, unde totul este simbolic. Un soare uriaș crescut pe cerul galben aruncă strălucirea verde și portocalie. Totul este pe pământ, ca și cum ar fi cosit sub ea.

Frunzele de struguri se transformă într-o strălucire roșie, iar terenul sub ei dobândește o nuanță violet. Partea dreaptă a picturii este atribuită apa care reflectă cerul de culoare galbenă.

Oamenii care colectează struguri sunt un simbol al vieții. Lucrarea lor zilnică Van Gogh a înțeles ca ceva care permite unei persoane să devină parte integrantă a universului.

Imaginea a devenit una dintre puținele lucrări vândute în timpul vieții lui Van Gogh. Acum ea este situată în Muzeul Pushkin din Moscova.

Apendicele 6.

Muzică în secolul al XIX-lea.

Compozitorii din prima jumătate a secolului al XIX-lea au fost F. Lista, F.Shopen, F. Shubert, R. Shuman. Pentru compozitorii acestei școli, o formă mică a fost caracteristică. Muzica lor este lirică și melodică și era predominant Cameră.

În același timp, operă italiană se confruntă cu înflorirea. Cei mai străluciți reprezentanți ai ei - Jr.sini, în Bellini, J. Donizetti, J. Verdie. În operă italiană, au fost configurate două direcții: unul foarte mult la bufful tradițional de operă (adică

comedie), altul a desemnat o tendință spre formarea Operei Naționale.

Reprezentantul acestuia din urmă a fost J. Verdie (1813-1901). El a fost autorul lui Operro Reooletio, "Traviata", "Othello", "Macbeth", "Aida", "Falstaf", "Trubadur" și alții. Aria din operă a devenit cântece populare și imnul național care îi cheamă pe italieni la lupta pentru independență.

Opera Reforma serioasă a fost luată de Z. Bise și R. Vagner. Bizeta, autorul uneia dintre cele mai populare opera - "Carmen", a fost un susținător al unui complot extrem de realist și un sentiment sincer care exprimă o melodie om. R. Vagner a distrus structura obișnuită a Operei, introducând elemente de performanță dramatică și un concert simfonic în el. A fost o mulțime de concerte simfonice în operațiunile sale. Au existat multe inserții simfonice și recitative în operațiunile sale.

"Reforma muzicii simfonice a fost efectuată de compozitorul francez K. Trybissi. Debussy a refuzat de fapt la melodii familiare muzicii simfonice. El a încercat să afișeze sentimente, distrugând formele muzicale bine stabilite.

Franz Schubert - compozitorul austriac, unul dintre fondatorii romantismului în muzică, autorul a 600 de melodii, nouă simfonii, precum și un număr mare de camere și muzică de pian solo. (Ascultarea fragmentului de înregistrare a TSAR din pădure) Frederick Chopin este autorul numeroaselor lucrări pentru pian.

Cel mai mare reprezentant al artei muzicale poloneze. Multe genuri interpretate într-un mod nou: el a reînviat preludiul pe o bază romantică, a creat o baladă de pian, o dansură operatizată și dramatizată - Mazurka, Polonaise, Waltz; Am transformat Scherzo într-o lucrare independentă.

Giuseppe Verdi este marele compozitor italian, a cărui lucrare este una dintre cele mai mari realizări ale operei mondiale și culminarea dezvoltării Operei italiene a secolului al XIX-lea. Compozitorul a creat mai mult de 26 de operi și o solicitare. Cel mai bun compozitor de operă: "Masquerade Ball", "Rigoletto", "Trubadur", "Traviata". Partea de sus a creativității este cea mai recentă operare: "Aida", "Othello".

Georges Bizeta este un compozitor francez al unei perioade de romantism, autorul operelor orchestrale, romantism, piese de pian, precum și operă, cele mai renumite din care a devenit Carmen.

Claude Debussy - nu a fost doar unul dintre cei mai importanți compozitori francezi, ci și una dintre cele mai semnificative cifre din muzică la rândul secolelor XIX și XX; Muzica lui este o formă de tranziție de la muzica romantică târzie la modernismul în muzica secolului XX.

Analiza lucrărilor picturale în lecțiile de clasă. Din experiența de lucru

Gaponenko Natalia Vladimirovna, șef de profesori PMM din districtul MHC Novoylinsky, profesor de artă fină MBNU "Gymnasiu nr. 59", g. Novokuznetsk.

"Coperți de artă și în același timp consacră viața umană. Dar pentru a înțelege că opera de artă este departe de a fi ușor. Este necesar să învățăm acest lucru - Aflați mult timp, toată viața mea ... întotdeauna, pentru a înțelege operele de artă, trebuie să cunoașteți condițiile de creativitate, obiectivele creativității, personalitatea artistului și a erei. Spectator, ascultător, cititorul trebuie să fie înarmat cu cunoștințe, informații ... și doresc mai ales să sublinieze semnificația detaliilor. Uneori, o minciună ne permite să fim pătrunși în principalul lucru. Cât de important este să știți ce a fost scris sau pictat sau pictat! "

D.S. Likhaev.

Arta este unul dintre factorii importanți pentru formarea personalității unei persoane, baza pentru formarea atitudinii unei persoane față de fenomenele lumii înconjurătoare, astfel încât dezvoltarea abilităților de percepție a artei devine una dintre sarcinile esențiale ale educației artistice.

Unul dintre obiectivele studierii subiectului "Art Plastic" este dezvoltarea unei imagini artistice, adică abilitatea de a înțelege principalul lucru în activitatea de artă, distingerea mijloacelor de expresivitate pe care artistul o folosește pentru a caracteriza această imagine. Există o sarcină importantă a dezvoltării calităților morale și estetice ale persoanei prin percepția lucrărilor de artă vizuală.
Să încercăm să luăm în considerare metodologia de percepție a învățării și analiza picturilor

Metode de percepție a învățării și analiza picturilor

Metodele care sunt utilizate în familiarizarea elevilor cu pictura sunt împărțite în verbal, vizual și practic.

Metode verbale.

1. Întrebări:

a) să înțeleagă conținutul imaginii;

b) identificarea stării de spirit;

c) identificarea mijloacelor expresive.

În general, întrebările încurajează copilul să se uite în imagine, să-și vadă detaliile, dar să nu-și piardă sentimentul holistic al muncii artistice.

2. Conversație:

a) ca intrare în lecție;

b) conversație în imagine;

c) conversație finală.

În general, metoda de conversație vizează dezvoltarea abilității studenților de a-și exprima gândul, pentru a se asigura că copilul poate obține eșantioane de vorbire pentru aceasta într-o conversație.

3. Povestea profesorului.

Vizual:

Excursii (excursie virtuală);

Vizualizarea reproducerilor, albumele cu imagini ale artiștilor celebri;

Comparație (imagine de dispoziție, mijloace expresive).

Practic:

Executarea lucrărilor scrise în imagine;

Pregătirea rapoartelor, rezumate;

În lecțiile de artă vizuală, este recomandabil să combinați diferite metode de lucru cu opere de artă, punând accentul pe această metodă sau pe această metodă, având în vedere pregătirea studenților

Lucrul cu imaginea

A. A. Lublinskaya consideră că percepția imaginii copilului ar trebui să fie învățată, ceea ce a dus-o treptat pentru a înțelege ceea ce este descris pe el. Acest lucru necesită recunoașterea articolelor individuale (persoane, animale); evidențierea pozițiilor și pozițiilor poziției fiecărei figuri în planul general de imagine; stabilirea legăturilor între personajele principale; Selectarea detaliilor: iluminat, fundal, expresii ale oamenilor.

S. L. Rubinstein, T. Ovsepyan, care a studiat percepția imaginii, consideră că natura răspunsurilor copiilor în conținutul său depinde de o serie de factori. În primul rând, din conținutul picturii, proximității și disponibilității complotului său, din experiența copiilor, de la capacitatea lor de a lua în considerare desenul.

Lucrul cu imaginea implică mai multe direcții:

1) Explorarea fundamentelor scrisorii vizuale.

În lecții, elevii se familiarizează cu speciile de artă plastică, genuri, cu mijloace de expresivitate a artei. Elevii li se oferă abilități de a folosi terminologia artei: umbra, jumatate, contrast, reflex, etc. Prin vocabular, sunt introduse Termenii de Studii istorice de artă, sunt studiate legile compoziției.

2) Recunoaștere despre viață, lucrarea artistului.

Pregătirea elevilor pentru a percepe în mod activ imaginea, este cel mai adesea realizată în procesul de conversație. Conținutul conversației este de obicei informații despre artist, istoria picturii. Urmărirea duratei de viață a artistului, este recomandabil să se ocupe de astfel de episoade care au influențat formarea credințelor sale, au dat îndrumare activității sale.

Forme de informații despre viața și munca artistului diverse : Povestea profesorului, filmul științific, uneori spectacolele cu rapoarte sunt încredințate studenților.

3) Utilizarea informațiilor suplimentare.

Percepția imaginii contribuie la recurs la lucrări literare, a cărui subiect este aproape de conținutul imaginii. Utilizarea lucrărilor literare pregătește terenul pentru o percepție și înțelegere mai profundă de către copiii din pânza pictorială a cunoștinței cu complotul de mitul.

O mare importanță pentru înțelegerea picturii de complot situația istorică În țara studiată, într-o anumită secțiune de timp, trăsăturile stilistice ale art.

4) Vizualizarea imaginii.

Abilitatea de a considera imaginea este una dintre condițiile necesare pentru dezvoltarea percepției, observației. În procesul de vizualizare a imaginii, o persoană vede în primul rând acest lucru consonant cu el, gândurile și sentimentele sale. Studentul având în vedere imaginea, atrage atenția asupra a ceea ce îl îngrijorează, ocupă acest lucru este pentru el nou, neașteptat. În acest moment, se determină atitudinea studenților la imagine, se formează înțelegerea individuală a imaginii artistice.

5) Analiza panzei pitorești.

Scopul analizei imaginii este de a aprofunda percepția inițială, ajută elevii să înțeleagă limba figurativă a artei.

În primele etape, analiza lucrării se desfășoară în cursul conversației sau a povestii profesorului, treptat elevii conduc o analiză independentă. Conversația îi ajută pe copii mai subțiri, mai adânc pentru a vedea, simți și înțelege opere de artă.

Metode de analiză a lucrărilor picturale

Metode A. Melik-Pashayeva. (Sursa: Journal "Art la școală" nr. 6 1993 G.A. Melik-Perezaev "Ziua festivă" sau "Holiday teribilă" (la problema înțelegerii planului autorului)

Întrebări pentru imagine:

1. Cum ați numi această imagine?

2. Îți place o imagine sau nu?

3. Spuneți-mi despre această imagine, astfel încât persoana care nu o cunoaște ar putea face o idee despre asta.

4. Ce sentimente, starea de spirit vă provoacă această imagine?

7. Doriți să adăugați sau modificați ceva în răspunsul dvs. la prima întrebare?

8. Deplasați-vă la răspuns la a doua întrebare. Estimarea dvs. este lăsată pentru anterior sau schimbată? De ce evaluați astfel imaginea?

2 . Exemple de întrebări pentru analiza lucrărilor de artă

Nivel emoțional:

Ce impresie face o lucrare?

Ce dispoziție încearcă să transmită autorul?

Ce senzații pot vizualiza?

Care este caracterul lucrării?

Cum să ajutați o impresie emoțională a activității amplorii sale, formatul, orizontal, vertical sau diagonala localizării pieselor, utilizarea anumitor culori în imagine?

Subiect:

Ce (sau cine) este descris în imagine?

Evidențiați principalul lucru din ceea ce ați văzut.

Încercați să explicați de ce vă pare a fi principalul lucru?

Ce înseamnă că artistul evidențiază principalul lucru?

Cum sunt elementele (compoziția subiectului) sunt luate în considerare în lucrare?

Cum au fost efectuate liniile principale (compoziția liniară)?

Nivelul scenei:

Încercați să returnați complotul picturilor ..

Ce poate face (sau de a spune) eroul, eroina muncii picturale, dacă va ajunge să știe?

Nivelul simbolic:

Există obiecte în lucrarea pe care ceva simbolizează ceva?

Indiferent dacă caracterul simbolic este compoziția lucrării și elementele sale principale: orizontală, verticală, diagonală, cerc, ovală, culoare, cub, cupolă, arc, arc, perete, turn, spire, gest, poze, haine, ritm, timbre , etc.?

Care este numele lucrării? Cum se referă la complotul și simbolismul său?

Ce credeți că a vrut să dea oamenilor autorul muncii?

Plan pentru analiza muncii picturale. Eseu - senzație.

1.Utor, titlu imagine
2. Stilul / direcția de artă (realism, impresionism etc.)
3. Pictura Stankovaya (Pictura) sau Monumental (Fresco, Mozaic), Material (pentru vopsire masina): Vopsele de ulei, guata, etc.
4. Genul lucrărilor de artă (portret, încă viață, istoric, gospodărie, port, mitologic, peisaj etc.)
5. Plot de bibliotecă (care este descris). Istorie.
6. Măsuri expresive (culoare, contrast, compoziție, centru vizual)

7. Impresia (sentimente, emoții) - recepția "scufundării" în complotul picturilor.

8. Ideea principală a complotului imaginii. Că autorul "a vrut să spună", de ce a scris o imagine.
9. Numele imaginii.

Exemple de lucrări pentru copii privind percepția și analiza lucrărilor pitorești.

Scrisul este sentimentul picturii I. E. Repin "la patrie. Eroul războiului trecut "

I. E. Repin a scris o imagine "în patria sa. Eroul războiului trecut "cel mai probabil în timpul post-război, mai precis după primul război mondial.
Direcția artistică în care este scrisă imaginea, realismul. Pictura Stank, pentru a lucra artistul a folosit vopsele de ulei. Gen-portret.
Filmul de repin arată un tânăr care avea multe. El se întoarce acasă la cei dragi și rudele, pe fața lui poate fi văzută o expresie serioasă, ușor tristă. Ochii sunt plini de tristețe trist. El se plimba în jurul câmpului, care pare fără sfârșit, care își amintește fotografiile armelor și a tuturor celor care au căzut asupra lui. El se conștientizează că mulți dintre ei a iubit, nu mai mult. Și doar cioară, ca niște fantome, îți amintesc de prietenii morți.

Repin ca mijloc de expresiv au ales culorile reci ale tonurilor dezactivate, o multitudine de umbre în imagine transmite volume de obiecte și spațiu. Compoziția este statică, persoana însuși este un centru vizual al compoziției, iar privirea sa adresată spre noi atrage vederea spectatorului.

Când mă uit la imagine, există tristețe și conștientizare a faptului că viața curentă este diferită de cea care a fost înainte. Simt un sentiment de îngheț pe corp, un sentiment de vreme lipsită de vânt.

Cred că autorul a vrut să arate ceea ce oamenii au trecut de război sunt. Nu, desigur, ei nu s-au schimbat la Outland nerecunoscut: corpul, proporțiile au rămas aceleași, cei care au avut noroc, nu au injecții externe. Dar pe fețe nu vor exista foști emoții, un zâmbet senin. Ororile războiului pe care acest tânăr destul de tânăr au supraviețuit, imprimate pentru totdeauna în sufletul său.

Aș numi fotografia "soldat singuratic" sau "Acasă de drum" ... dar unde merge? Cine îl așteaptă?

Ieșire: Astfel, percepția muncii artistice este un proces mental complex care implică abilitatea aflați să înțelegeți descrisul, exprimă cu competență gândul meu folosind termeni profesioniști artistici. Dar acesta este doar un act cognitiv. O condiție prealabilă pentru percepția artistică este pictura emoțională percepută, exprimarea atitudinii față de el. Eseu - sentimentul vă permite să vedeți hotărârile copiilor care mărturisesc abilitatea nu numai să se simtă frumos, ci și să evalueze.

Dicționar de concepte de bază ....419

Analiza lucrărilor de artă

Exemple de întrebări și scheme

Arhitectura de lucru

La analiza operelor de arhitectură, este necesar să se țină seama de caracteristicile arhitecturii ca un tip de artă. Arhitectura este un fel de artă zdrobită în natura artistică a structurii. Prin urmare, analiza ar trebui să fie supusă aspectului, scară, formă de construcție.

1. Ce instalații meritați atenția?

2. Cu ce \u200b\u200btehnici și mijloace sunt ideile autorului exprimate în această lucrare?

3. Ce impresie face o lucrare?

4. Ce senzație poate avea un destinatar (perceput)?

5. Ca impresie emoțională a lucrării ajută la amplasarea, formatul, orizontală, verticală sau diagonală a pieselor, utilizarea anumitor forme arhitecturale, distribuția luminii în monumentul arhitectural?

6. Ce văd vizitatorul, stând în fața fațadei?

7. Încercați să explicați de ce vă pare a fi principalul lucru?

8. Ce înseamnă arhitectul evidențiază principalul lucru? Descrieți principalii agenți și tehnici artistice pentru crearea unei imagini arhitecturale (simetrie, ritm, proporții, modelarea neagră și culoarea, scară).

9. La fel ca în structura arhitecturală, volumele și spațiul sunt întocmite (compoziția arhitecturală)?

10. Descrieți apartenența acestui obiect la un anumit tip de arhitectură: structuri volumetrice (public: rezidențial, industrial); Peisaj (grădinărit sau forme mici), planificare urbană.

11. Încercați să trimiteți care evenimente pot apărea mai des în această structură arhitecturală.

12. Caracterul simbolic al compoziției muncii și a elementelor sale principale: Dome, arc, arc, perete, turn, calm?

13. Care este numele lucrării? Și cum l-ai numi?

14. Determinați apartenența acestui produs la epoca culturală și istorică, stil artistic, direcție.

16. Cum se corelează forma și conținutul acestei lucrări?

17. Care este legătura dintre aspectul extern și intern al acestei structuri arhitecturale? Este inscripționat armonios în mediul înconjurător?

18. Ce realizare, în opinia dvs., găsită în această lucrare cu formula Vitruvia: beneficii, forță, frumusețe?

19. Sunt alte tipuri de artă folosite în proiectarea aspectului acestui obiect arhitectural? Ce fel? Ați justificat alegerea dvs. de autor?

Lucrul de pictură

Pentru a rezuma de la percepția internă-domestică, amintiți-vă că imaginea nu este o fereastră în lume, ci avionul pe care poate fi creat iluzia spațiului cu mijloace pitorești. Prin urmare, este important să analizăm parametrii de bază ai lucrării.

1. Dimensiunea pictării (monumentală, mașină, miniatură)?

2. Formatul imaginii: dreptunghi orizontal extins sau vertical (posibil cu finisare rotunjită), pătrat, cerc (TDADO), oval?

3. În ce tehnică (temperatură, ulei, acuarelă etc.) și pe ce bază (lemn, panza etc.) este imaginea?

4. De la ce distanță este cea mai bună percepută?

Analiza imaginilor.

5. Există un complot în imagine? Ce este descris? În ce mediu este personajele descrise, elementele?

6. Pe baza analizei imaginii, faceți o concluzie cu privire la gen (portret, peisaj, încă viață, nud, gospodărie, mitologic, religios, istoric, animalist).

7. Cum credeți că ce fel de sarcină artistul este decotat - amendă? expresiv? Care este gradul de convenție sau naturalismul imaginii? Este condiționalitatea idealizării sau a distorsiunii expresive?

Analiza compoziției

8. Ce componente alcătuiesc compoziția? Care este raportul dintre un obiect al imaginii și fundalului / spațiului pe modelul imaginii?

9. Cât de aproape de planul de imagine sunt obiectele de imagine sunt plasate?

10. Ce unghi de vedere a ales un artist - de sus, de jos, spălat cu obiecte descrise?

11. Cum se determină poziția spectatorului - este implicată în interacțiunea cu cele prezentate în imagine sau i se acordă rolul unui contemplator suspendat?

12. Este posibil să sunați compoziția echilibrată, statică sau dinamică? Dacă există o mișcare, cum este îndreptată?

13. Cum este construit spațiul de imagine (plat, vag, un strat spațial este amplasat, a fost creat un spațiu profund)? Datorită a ceea ce se realizează prin iluzia adâncimii spațiale (diferența de dimensiunea cifrelor descrise, spectacolul volumului de obiecte sau arhitectură, folosind gradații de culori)?

Analiza modelului.

14. În ceea ce privește pornirea liniară este exprimată în imagine?

15. Contururile stresate sau netezite, excluzând obiectele individuale? Ce mijloace este realizat acest efect?

16. În ce măsură a exprimat volumul obiectelor? Ce tehnici sunt create de iluzia volumului?

17. Ce rol se joacă lumina în imagine? Ce este (neted, neutru; contrast, împingând volumul; mistic)? Este citirea sursei / direcției luminii?

18. Sunt siluetele figurilor și obiectelor descrise? Cât de expresiv sunt valoroase în ele însele?

19. Cât de detaliată (sau este imaginea opusă generalizată)?

20. Este varietatea de texturi de suprafețe descrise (piele, țesut, metal etc.) traduceți?

Analiza culorii.

21. Ce rol se joacă aroma în imagine (subordonată desenului și volumului sau viceversa își supune desenului și construiește compoziția însuși)?

22. Este culoarea doar un volum de colorare sau ceva mare? Este optic fiabil sau expresiv?

23. Sunt distinse limitele petelor de culoare? Se potrivesc cu frontierele volumelor și obiectelor?

24. Artistul operează în mase de culoare mari sau pete mici de pete?

25. Cum sunt scrise culorile calde și reci, artistul folosește combinația de culori suplimentare? De ce o face? Cum sunt transmise cele mai iluminate și ascunse locuri?

26. Există o strălucire, reflexe? Cum sunt umbrele (surd sau transparente, sunt colorate)? Există o culoare / o combinație dominantă de culori?

Alți parametri

1. Care sunt obiectele emoționale ale autorului obiectului (fapt, eveniment, fenomen) merită atenția?

2. Determinați afilierea acestui produs la genul picturii (istorice, portret, viața, bătălia, altele).

3. Cu ce \u200b\u200btehnici și mijloace sunt ideile autorului exprimate în această lucrare?

4. Ce impresie face o lucrare?

7. Cum folosește utilizarea anumitor culori o impresie emoțională?

8. Ce este afișat în imagine?

9. Evidențiați principalul lucru din ceea ce ați văzut.

10. Încercați să explicați de ce vă pare a fi principalul lucru?

11. Ce înseamnă că artistul alocă principalul lucru?

12. Cum se plâng culorile (compoziția de culoare)?

13. Încercați să returnați complotul picturilor.

14. Există parcele care simbolizează ceva?

15. Care este numele lucrării? Cum se referă la complotul și simbolismul său?

16. Caracterul simbolic al compoziției muncii și a elementelor sale principale: orizontală, verticală, diagonală, cerc, ovală, culoare, cub?

Lucrări de sculptură

La analiza lucrărilor de sculptură, este necesar să se țină seama de propriii parametri ai sculpturii ca un tip de artă. Sculptura este un tip de artă în care volumul tridimensional real interacționează cu spațiul tridimensional înconjurător. Prin urmare, analiza ar trebui să fie supusă volumului, spațiului și modul în care interacționează.

1. Ce impresie face o lucrare?

3. Care este caracterul lucrării?

4. Care sunt facilitățile de atitudine emoțională a autorului la obiect (fapt, eveniment, fenomen) merită atenția?

5. Cu ce \u200b\u200btehnici și mijloace sunt ideile autorului exprimate în această lucrare?

6. Care este dimensiunea sculpturii? Dimensiunea sculpturii (monumental, miniatura, miniatura) afectează interacțiunea cu spațiul.

7. Ce gen este această sculptură? Ce înseamnă ea?

8. Descrieți materialul original utilizat de autor, caracteristicile sale. Ce caracteristici ale sculpturii sunt dictate de materialul său (de ce a fost ales acest material pentru această lucrare)? Sunt proprietățile sale cu ideea muncii? Este posibil să vă imaginați același produs din alte materiale? Cum ar fi?

9. Care este textura suprafeței sculpturale? Uniformă sau diferită în diferite părți? Netedă sau "schiță" sunt urme vizibile de instrumente de atingere, spumă, condiționată. Cum se referă această textură legată de proprietățile materialului? Cum afectează textura percepția siluetei și volumul formei sculpturale?

10. Cum ajutați o impresie emoțională din lucrarea scalei sale, formatul, orizontală, verticală sau diagonală a părților?

11. Care este rolul culorii în sculptură? Cum interacționează volumul și culoarea, cum se afectează reciproc?

12. Cine (ce) vedeți în sculptură?

13. Evidențiați cel mai important lucru, în special valoros din ceea ce ați văzut.

14. Încercați să explicați de ce vă pare cel mai important, deosebit de valoros?

15. Ce înseamnă ca sculptorul să aloce principalul lucru?

16. Cum sunt aranjate elementele (compoziția subiectului) în lucrare?

17. În ce spațiu, a fost localizată lucrarea (în templu, în piață, în casă etc.)? Ce punct de percepție a fost calculat (de departe, de jos, lângă)? Face parte dintr-un ansamblu arhitectural sau sculptural sau este o lucrare independentă?

18. Este sculptura calculată pentru puncte de vedere fixe sau este dezvăluită complet cu o circumferință circulară? Câte siluete expresive au terminat? Care sunt acestea (închise, compacte, geometrice corecte sau pitorești, deschise)? Cum se referă între ele?

19. Ce poate această sculptură (sau să spună) dacă "va revigora"?

20. Care este numele lucrării? Care este semnificația lui (titluri), ceea ce credeți? Cum se referă la complotul și simbolismul?

21. Care este interpretarea motivului (naturalistă, condiționată, dictată de canon, dictată de un loc ocupat de sculptură în mediul său arhitectural sau alții)?

22. Care este poziția ideologică, în opinia dvs., a vrut să ofere oamenilor autorului lucrării?

23. Vă simțiți în activitatea altor tipuri de artă: arhitectură, pictura?

24. Ce credeți că sculptura este preferată să se ia în considerare direct și nu în fotografii sau reproduceri? Argumentați răspunsul dvs.

Arte decorative și aplicate

Analizarea articolelor de arte decorative și aplicate ar trebui să fie amintită că au jucat mai întâi un rol aplicat în viața unei persoane și nu au întotdeauna o funcție estetică. În același timp, forma subiectului, caracteristicile sale funcționale afectează caracterul imaginii.

1. De ce este proiectat acest subiect?

2. Ce mărime este?

3. Cum este peisajul subiectului? Unde sunt zonele decorațiilor figurative și ornamentale? Cum este plasarea imaginilor cu forma subiectului?

4. Ce tipuri de ornamente sunt utilizate? Pe care părți ale subiectului sunt situate?

5. Unde sunt imaginile figurative? Ei iau mai mult spațiu decât ornamental sau sunt doar unul dintre registrele ornamentale?

6. Cum se construiește registrul cu imagini figurative? Este posibil să spunem că există aporturi de compoziție liberă sau folosiți principiul adreselor (forme în aceleași poziții, mișcări minime, repetați reciproc)?

7. Cum descrie cifrele? Sunt mobile, înghețate, stilizate?

8. Cum sunt detaliile cifrelor? Arată mai naturale sau ornamentale? Ce tehnici sunt folosite pentru a transmite cifre?

9. Uită-te, dacă este posibil, în interiorul subiectului. Există o imagine și ornamente acolo? Descrie-le deasupra schemei de mai sus.

10. Care sunt culorile principale și opționale sunt utilizate în construcția de ornamente și cifre? Care este tonul luturii în sine? Cum afectează caracterul imaginii - îl face mai ornamental sau, dimpotrivă, mai natural?

11. Încercați să încheiați cu privire la legile individuale ale acestui tip de artă decorativă și aplicată.

Algoritmi de analiză a lucrărilor

Condiția principală pentru lucrările de pe acest algoritm este faptul că numele imaginii nu trebuie să fie cunoscut celor care lucrează.

Cum ați numi această imagine?

Îți place imaginea sau nu? (Răspunsul trebuie să fie ambiguu).

Spuneți-ne despre această imagine, astfel încât persoana care nu o cunoaște ar putea face o idee despre asta.

Ce sentimente aveți această imagine?

Doriți să adăugați sau să modificați ceva în răspunsul dvs. la prima întrebare?

Reveniți la răspunsul la a doua întrebare. Estimarea dvs. a rămas anterior sau schimbată? De ce evaluați atât de mult această imagine?

Algoritmul de analiză a picturii

Semnificația titlului imaginii.

Afilierea genului.

Caracteristici ale complotului de picturi. Cauze de scriere a imaginii. Căutați un răspuns la întrebarea: autorul ideii sale la spectator?

Caracteristicile compoziției imaginii.

Active fixe de imagine artistică: culoarea, desenul, textura, lumina, modul de scriere.

Ce impresie a fost această operă de artă asupra sentimentelor și dispoziției dvs.?

Unde este această operă de artă?

Algoritmul pentru analizarea lucrărilor de arhitectură

Ce se știe despre istoria creării structurilor arhitecturale și a autorului său?

Specificați apartenența acestui produs la epoca culturală și istorică, stil artistic, direcție.

Ce realizare găsită în această lucrare cu formula Vitruvia: forță, beneficii, frumusețe?

Specificați pe mijloace și tehnici artistice pentru crearea unei imagini arhitecturale (simetrie, ritm, proporție, modelarea neagră și culoarea, scară), pe sistemele tectonice (fascicul de tavan, arcul arous, aspru).

Specificați că aparține tipului de arhitectură: structuri în vrac (public: rezidențial, industrial); Peisaj (parc de grădină sau forme mici); urbanism.

Specificați legătura dintre aspectul exterior și intern al structurii arhitecturale, legătura dintre clădire și relief, caracterul peisajului.

Cum se utilizează alte arte în proiectarea aspectului său arhitectural?

Ce impresie a făcut munca asupra ta?

Ce asociații este o imagine artistică și de ce?

Unde este structura arhitecturală?

Algoritmul pentru analiza lucrărilor de sculptură

Istoria creării unei lucrări.

Afiliat la epoca de artă.

Semnificația numelui lucrării.

Aparținând tipurilor de sculptură (monumentală, memorială, oțel).

Utilizarea mașinilor de materiale și prelucrare.

Dimensiuni de sculptură (dacă este important să știți).

Formă și dimensiune piedestal.

Unde este această sculptură?

Ce impresie a fost aceasta munca pe tine?

Ce asociații este o imagine artistică și de ce?

Analiza povestii filmului.

Prima parte a analizei. Istoria aspectului. Ideea directorului. Lucrați cu un scenarist și un operator.

1. Analiza personajelor eroilor.

Saturația filmului cu caractere. Caracteristicile personajelor principale (detalii de personificare). Caracteristicile caracterelor secundare (funcțiile lor în raport cu principalele personaje, la acțiunea filmului). Actorii de lucru asupra rolului. Analiza jocului actorului.

2. Analiza filmului ca reflecție a subiectivității directorului

Cinema artistică ca o opera de artă independentă. Autorul, adică Poziția regizială (cel mai adesea se manifestă în interviul său, îl puteți găsi într-un interviu, amintiri, articole ale participanților la crearea unui film). Influența evenimentelor reale în viața personală și socială asupra filmului. Reflectarea lumii interioare a directorului.

Trimiteți-vă munca bună în baza de cunoștințe este simplă. Utilizați formularul de mai jos

Elevii, studenți absolvenți, tineri oameni de știință care folosesc baza de cunoștințe în studiile și munca lor vă vor fi foarte recunoscători.

Postat pe http://www.allbest.ru/

Instituție de învățământ bugetar de stat federal de educație profesională superioară

Universitatea Tehnică de Stat OMSK

Departamentul de DTM.

abstract

Pe subiect:

Analiza operații de artă asupra exemplului picturii lui Michelangelo Buonaroti "Curtea teribilă"

Efectuat: Student c. ZSR-151 A.A. KAREV

Verificat: Profesorul Gumennyuk a.n.

Introducere

1. Plot "Curtea înfricoșătoare"

2. Informații generale despre diferențele din imagine din pictogramă

3. Compoziția frescelor de altar ale Capella Sicstinian Michelangelo Buonarot (1475-1564) "Curtea înfricoșătoare" (1535-1541)

Concluzie

Lista literaturii utilizate

Introducere

O curte teribilă - fresca lui Michelangelo pe peretele altar al Capela Sixtină din Vatican. Artistul a lucrat la fresca patru ani - de la 1537 la 1541. Michelangelo a revenit la Capela Sixtină de trei decenii după ce a terminat plafonul. Fresco de scară largă ocupă întregul perete din spatele altarului Capela Sixtină. Tema a fost a doua venire a lui Hristos și a apocalipsei.

"Curtea teribilă" este considerată o lucrare care sa încheiat în arta Renașterii, pe care Michelangelo însuși a adus un omaguare picturii plafonului și arcurilor Capela Sixtină și a deschis o nouă perioadă de dezamăgire în filosofia umanismului antropocentric .

1. Complotul "Curții teribile"

A doua venire a lui Hristos, când, potrivit doctrinei creștine, învierea universală a morților, care, împreună cu viață, va fi în cele din urmă încercată și vor fi numiți, să fie luați la cer sau răsturnați în iad. Scriptura Sacră vorbește de mai multe ori despre asta, dar autoritatea principală este Hristos ucenicilor care s-au comportat cu Mattehem: "Când Fiul omului va veni în slava lui și toți sfinții îngeri cu El, atunci toate națiunile vor fi adunate in fata lui; și separați pe alții ca păstor separă oile din capre; și pune oi pe partea dreaptă și capre - în stânga. " Ei trebuie să fie judecați, în conformitate cu afacerile lor, pe care le-au făcut în viața lor pământească. Păcătușii vor trebui să meargă la "făina veșnică".

A doua venire a lui Hristos (sau împărăția lui Hristos pe Pământ) a fost de așteptat cu încredere în 1000, iar când aceste așteptări nu s-au împlinit, Biserica a început să acorde o importanță sporită a "Patru recenzii" Doctrine - Moartea, Curtea, rai iad.

Din acel moment, imaginile unei instanțe teribile încep să apară (în principal în secolele XII-XIII) pe fronturile occidentale sculpturale ale catedralelor franceze.

Acesta este un complot mare constând din mai multe părți. Hristos - judecătorul este o figură centrală. Pe ambele părți ale lui, apostolii care erau cu el la Cina cea de Taină: "Și veți sta pe tronuri pentru a judeca 12 genunchi ai lui Israel".

Mai jos sunt morții, care se ridică din morminte sau de pe pământ sau de la mare: "Și multe dintre pământul dormind în Praha se vor sparge, unul pentru viața veșnică, alții pentru regulile veșnice și divertismentul". "Apoi a dat marea morților, care erau în ele; Și a fost judecat de fiecare afacere. " Arhanghelul Mihail deține scalele pe care cântărește sufletul. Cel neprihănit - după mâna dreaptă a lui Hristos, însoțită de îngeri, pe mâna stângă de la el sub păcătoșii sunt transmise în iad, unde sunt descriși în făină teribilă. (Hall D. Dicționar de parcele și simboluri în Art. M, 1996)

2. Generalinformații despre diferențele imaginii din pictogramă

Imaginea, în primul rând, acționează asupra sferei emoționale. Icon - în minte și intuiție. Imaginea reflectă starea de spirit, pictograma este starea unei persoane. Imaginea are frontiere, cadrul complot; Icoana - include în limitele fără limite. Unii cred că pictorii vechi de pictograme nu au cunoscut legile perspectivei directe și simetria corpului uman, adică. Nu erau familiarizați cu satin anatomic. Cu toate acestea, artiștii acelei epoci au observat proporțiile exacte ale corpului uman când au făcut o statuie sau în general sculpturile (imaginea tridimensională nu a fost folosită în biserica estică, dar a avut loc numai în arta seculară). Lipsa perspectivei directe indică alte dimensiuni spațiale, despre capacitățile umane de a regula spațiul. Spațiul încetează să mai fie un obstacol. Un subiect îndepărtat nu devine redus iluzoriu. Magniturile din icoane nu sunt spațiale, ci un caracter axiologic, exprimând gradul de demnitate. De exemplu, demonii descriu mai mici decât îngerii; Hristos printre studenți se ridică deasupra lor, etc.

Imaginea poate fi considerată analitic. Puteți argumenta despre fragmentele individuale ale imaginii, indicați ce vă place și ce nu-mi place în ea. Icoana nu poate fi afectată celulelor, fragmente, pe partea, este percepută de sintetic cu un sentiment religios interior. Icoana este frumoasă atunci când ea cheamă o persoană la rugăciune atunci când sufletul simte un câmp dinamic de energii și forțe emise prin pictograma din Regatul Luminii veșnice. În pictogramă, cifrele sunt încă, congelate. Dar aceasta nu este o răceală de moarte; Aici este accentuată viața interioară, dinamica internă. Sfinții se află într-un zbor spiritual rapid, în mișcare veșnică spre divin, unde nu există loc pentru poziții tăcute, agitație și expresie externă.

O persoană îmbrățișată de un sentiment profund sau imersată în meditație, trece și la interior, iar această deconectare de la extern mărturisește intensitatea și tensiunea spiritului său. Dimpotrivă, difuzorul extern este de a imprima emoțiile ca state temporare - spune că cel care a vrut să se descrie pe pictograma nu este în veșnicie, ci în timp, în puterea senzuală și tranzitorie.

Una dintre vârfurile artei occidentale este imaginea unui tribunal teribil din Capela Sicastine, creat de Michelangelo. Cifrele sunt executate cu cunoașterea uimitoare a proporțiilor corpului uman și a legilor armoniei. Potrivit acestora, puteți studia anatomia. Fiecare persoană are propria personalitate unică și caracteristici psihologice. În același timp, semnificația religioasă a acestei imagini este zero. Mai mult decât atât, este o recădere a păgânismului, care a apărut în inima lumii catolice. Tradițiile păgâne și evreiești sunt încorporate în subiectul "Curții teribile". Charon transportă sufletele a murit prin apele Styx. Imaginea este preluată din mitologia antică. Învierea morților are loc în valea lui Josaphat, după cum spune legenda talmudică.

Imaginea se efectuează în stil naturalist accentuat. Michelangelo a descris corpurile goale. Când Pavel Pavel III, având în vedere pictura capela sistinică, a cerut șoferului de ceremonie a Curții Papale din Biangio, iar Cesena, pe măsură ce îi place să picteze, el a răspuns: "Sfinția ta, aceste cifre ar fi potrivite undeva în tavernă, și nu în tine capelă." ("Pe limba pictogramei ortodoxe". Arhimandritul Rafail (Kareline), 1997)

Am atins pictura occidentală pentru a sublinia diferența fundamentală față de arta ortodoxă. Acesta este un exemplu viu al faptului că formularul nu coincide cu conținutul, indiferent de strălucit, este de la sine. În așa-numita pictură religioasă a Renașterii, este închisă o eroare metodologică. Pictorii încearcă prin artă mimică, adică. Imaginea bogată în emoții și pasiuni, mutați ceresc la planul pământesc, dar atinge inversa - nu se regeneră materialitatea tolerează în scopul cerului; Pământul și senzualul care deplasează spiritual și veșnic (sau mai degrabă, nu există loc pentru cer, totul a luat și a înghițit pământul), inima lui; O figură ușor predispusă la voința lui Dumnezeu etc.

Imaginea catolică este neinteligibilă, pictograma ortodoxă este multiplică. În pictogramă, planurile se intersectează unul cu celălalt, coexistă sau interpenetrează, fără a fuziona și dizolva unul în celălalt. Imaginea a înregistrat momentul când momentul oprită de voința artistului, ca și cum blițul fotografic. Timpul este condiționat în pictogramă, prin urmare, evenimentele din deturnarea cronologică pot fi prezentate pe domeniul icoanelor. Pictograma arată ca un plan intern și desenarea evenimentelor. Pentru pictogramele se caracterizează printr-o imagine unică: toate evenimentele apar imediat. Michelangelo sequstine fresco pictograma

Imaginea este de a imita realitatea cu elemente de fantezie, luând și materialul pentru starea lor de spirit din realitățile pământești. Icon - Întruparea contemplației spirituale, care este dată în experiența mistică, într-o stare de bobină, dar contemplând liniile și culorile transmise și obiective prin limbajul iconic. Icoana este o carte teologică scrisă de o perie și vopsele. În pictograma, imaginea a două sfere - celestiale și pământești - nu este dată în conformitate cu principiul paralelismului, ci conform principiului simetriei. În imaginea de pe subiectele religioase, care este numită incorect o pictogramă, între cer și pământ sau nu există diferențe, distincție sau sunt conectate prin "linii paralele" ale istoriei, ca o singură ființă în timp și spațiu.

În imagine, principiul unei perspective directe, liniare, care dă iluzia volumului, tridimensionalitatea în imaginea ambelor entități reale și spirituale. Spiritualul nu se manifestă în imagine, ci este înlocuit de material, forme și corpuri volumetrice și dispare în aceste forme străine. Spiritualul din imagine încetează să fie superimentat, dar devine "natural", aici există o profanare a altarului. A fost indicată pe bună dreptate de către Iconoborets, refuzând imaginile portret pe teme religioase, dar generalizarea nedreptă cu metoda proastă toate posibilitățile de artă fină - în acest caz, icianismul - care deschide lumea spirituală, fără a fi identificat cu infinit ca un infinit Lungime, cu realitățile lumii reale, care se află sub autoritățile morții și declinului.

Iconoborets a identificat pictograma cu un portret mimitic, cu o fantezie sau o alegorie, dar pictograma, ca simbol sacru, a fost ignorată sau incomprehensibilă. În icoană, nu numai opoziția celor două sfere ale timpului și eternității, ci în ritmurile sale - biserica de timp, atracția spre eternitate. ("Pe limba pictogramei ortodoxe". Arhimandritul Rafail (Kareline), 1997)

3. Compoziția frescelor altarului din Sicstinsky CapellaMichelangelo Buonarroti.(1475-1564) "Curtea înfricoșătoare" (1535-1541)

Decizia neobișnuită a autorului în construirea compoziției păstrează cele mai importante elemente tradiționale de iconografie. Spațiul este împărțit în două planuri principale: Ceresc - cu judecătorul Hristos, Mama lui Dumnezeu și Sfânta și Pământul - cu scenele învierii morților și împărțind-i asupra celor neprihăniți și păcătoși.

Îngerii de masă sunt anunțați la începutul unei instanțe teribile. Cartea este deschisă în care sunt înregistrate toate afacerile umane. Hristos însuși nu este un răscumpărător milostiv, ci pedepsi pe Vladya. Gestul judecătorului acționează o mișcare circulară lentă, dar inexorabilă, care implică rândurile dreptăților și păcătoșilor în fluxul său. Doamna mamei care stă lângă Hristos sa întors de la ceea ce se întâmplă.

Ea refuză rolul său tradițional al mijlocirii și cu trepidarea ezită sentința finală. În jurul sfinților: apostoli, profeți. În mâinile martirilor, armele pentru tortură, simbolurile suferinței suferite de ei pentru credință.

Dead, cu speranță și groază, deschizându-ți ochii, ridică-te de morminte și du-te la curtea lui Dumnezeu. Unele se ridică ușor și liber, alții mai lentă, în funcție de severitatea propriilor păcate. Spiritul puternic ajută la creșterea nevoii de ajutor.

Plin de groază a feței celor care trebuie să coboare pentru a curăța. Cântând făină teribilă, păcătoșii nu vor să intre în iad. Dar forțele au vizat respectarea dreptății, împingându-le acolo, unde este necesar să fie oameni care au provocat suferință. Și diavolii le trag la Minos, care este coada, pierzând în jurul corpului, indică cercul iadului, la care păcătosul ar trebui să coboare. (Judecătorul sufletelor moarte Artistul a dat caracteristicile feței ceremonizatorului Pape Biangho da Cesena, care adesea compilat pe nuditatea figurilor descrise. Urechile sale de măgar - un simbol al ignoranței) și Barka din apropiere este vizibilă, gestionate de Carrier Chanone. O mișcare ia sufletele păcătoase. Disperarea și rabia lor sunt transferați cu putere uimitoare. La stânga de la Barka, lacunele Hellish abis - există o intrare la purgatoriu, unde demonii se așteaptă la noi păcătoși. Se pare că a auzit strigătele de groază și traversează dinții nefericită.

În partea de sus, în afara unui ciclu puternic, deasupra sufletelor, care se așteaptă să salveze, înfundând îngerii fără îndoială cu simbolurile suferinței celor mai răscumpărări. La etaj pe creaturile corecte, frumoase și tinere transportă atribute pentru a salva pe păcătoși. (Smirnova i.a. Pictura monumentală a Renașterii italiene. M: Vizual Art, 1987)

Concluzie

În acest rezumat, fresca lui Michelangelo "Tribunal Turchy" a fost luată în considerare în comparație cu icoana "Curții înfricoșătoare" (1580). Ambele pictograme și fresce sunt scrise pe o singură poveste - a doua venire a lui Hristos și a unui proces teribil al păcatelor omenirii. Ei au o compoziție similară: Centrul este descris de Hristos, iar apostolii sunt situați pe mâinile stângi și drepte. Deasupra lor Dumnezeu. Sub Hristos - păcătoși care promite iad. Ambele imagini sunt făcute în opusul. Dar, în același timp, culorile mai puțin luminoase sunt folosite în pictogramă decât în \u200b\u200bMichelangelo Fresso. În pictograma, există multe imagini simbolice (palmier cu un copil - "sufletele neprihănite în mâna lui Dumnezeu", și aici, cântarele - adică "măsura omului").

În timpul modern, crearea acestor lucrări a fost populară printre persoanele escatologice, astfel încât aceste imagini și-au justificat numirea lor nu pentru a speria umanitatea, ci pentru a transmite ideea de a trăi o viață dreaptă, o astfel de viață terestră a lui Isus Hristos.

Lista literaturii utilizate

1. Hall D. Dicționar de parcele și simboluri în art. M, 1996.

2. "pe limba pictogramei ortodoxe." Arhimandrite Rafail (Kareline) 1997

3. Smirnova i.a. Pictura monumentală Revigorarea italiană. M.: Arte frumoase, 1987

4. Buslaev F.I. Imagini ale unui tribunal teribil pe originalele rusești // Buslaev F.I. Lucrări. T. 2. SPB., 1910.

5. Adevărul Alekseev S. Adevărul vizibil. Enciclopedia a pictogramei ortodoxe. 2003.

Postat pe Allbest.ru.

Documente similare

Complotul "Curții înfricoșătoare". Informații generale despre diferențele din imagine din pictogramă. Compoziția frescelor de altar ale lui Sicstinian Capella Michelangelo Buonaroti "Curtea teribilă". Caracteristicile icoanelor "Curtea înfricoșătoare". Despre perspectivă directă și inversă. Lumina și simbolismul de culoare.

rezumat, a adăugat 03/18/2012


Analiza artei și a umanismului în Florența Times Lorenzo Magnificent. Biografie și creativitate Michelangelo Buonaroti. Structura psihologică a personalității și ideilor maestrului, caracteristicile sculpturilor și picturilor sale. Pictura Sycstine Capella în Vatican.

teza, a adăugat 12/10/2017


Studierea caracteristicilor Creativității Michelangelo Buonarot - sculptor italian, pictor, arhitect, poet. Caracteristicile distinctive ale erei ridicate de renaștere. David. Fresa frescă din pictura Sicstine Michelangelo - crearea lui Adam.

prezentare, adăugată 24.10.2014


O scurtă biografie a Michelangelo Buonotti - un mare sculptor și artist. Evoluțiile sale creative: sculpturile Vakhka și hrana, imaginea de marmură a lui David, frescele de "bătălia de la Kashin" și "Bătălia cu Angiare". Istoria picturii Capela Sixtină.

prezentare, a adăugat 12/21/2010


Biografie, aspect și caracter de Michelangelo Buonaroti (1475-1564) - Marea Era Genius-Architecturală a Renașterii din Italia, precum și o descriere a lucrărilor timpurii și mai târziu, finalizate și nu finalizate. Analiza relației dintre Michelangelo cu coloana Vittoria.

rezumat, a adăugat 11/14/2010


Cultura popoarelor indigene din Italia și predecesorii săi. Perioadele de istorie a culturii italiene. Creativitate Leonardo da Vinci. O imagine a unui tânăr florentin mona lisa. Pictura plafonului capelelor sistinoase din Vatican, realizate de Michelangelo.

prezentare, adăugată 01/14/2014


Evenimente majore în biografia Michelangelo Buonarot - sculptor italian, pictor, arhitect și poet. Expresia creatoare a idealurilor renașterii ridicate și a senzației tragice a crizei de creștere a lumii umaniste în perioada de renaștere târzie.

rezumat, adăugat 12.11.2011


Studiul istoriei construcției capelă sistinică - fosta casă a Bisericii din Vatican. Descrieri ale sălii cu un arc oval, scene din cartea Genezei, situate de la altar până la intrare. Concluzii care au trecut în capela. Michelangelo Ciclu Fresco, a decorat tavanul.

prezentare, adăugată 04/23/2013


Atmosfera spirituală și morală a Italiei XIV-XVI. Analiza formării boothrotrice și a reflecției în societatea modernă. Structura psihologică a ideilor lui Michelangelo. Analiza relației de geniu cu autoritățile. Capodopere de tăietor și perii. Patrimoniul poetic.

teza, a fost adăugată 04/29/2017


Analiza creativității artistice Leonardo da Vinci în lucrările oamenilor de știință interni. Informații biografice despre Titan of Renaștere. Compoziția și frescele de complot "Cina cea de ceatala". Contribuția marelui artist și a unui om de știință în dezvoltarea culturii, științei și tehnologiei mondiale.